تقع في الجمال البري من جاكسون هول، وايومنغ، مع الحدائق الوطنية كخلفية مذهلة، جلبت هيذر جيمس جاكسون أعلى العيار من الأعمال الفنية والخدمات إلى الغرب انترماونتن لأكثر من عقد من الزمان.

الطعام للمجتمع الفريد الذي يجعل جاكسون هول وجهه لا مثيل لها للثقافة الامريكيه والهواء الطلق ، وتسعي هيذر جيمس لتوفير مجموعه لا مثيل لها من الاعمال الفنية وخدمات القفازات البيضاء للسكان المحليين والزوار علي حد سواء.

172 شارع سنتر ، جناح 101
P.O. Box 3580
جاكسون هول ، WY 83001
200-6090 (307)

ساعات العمل: من الاثنين إلى السبت من الساعة 11 صباحا حتى الساعة 6 مساء 

المعارض

عشبة ألبيرت: لوحات القهوة
الحاليه

عشبة ألبيرت: لوحات القهوة

ديسمبر 22, 2020 - سبتمبر 30, 2023
ماكس بيليجريني: الصمت والخيال
الحاليه

ماكس بيليجريني: الصمت والخيال

30 يوليو، 2020 - 30 سبتمبر 2023
كلود مونيه: عبقري انطباعي
ارشيف

كلود مونيه: عبقري انطباعي

أغسطس 18 - أكتوبر 31, 2022
الانطباعية في هيذر جيمس للفنون الجميلة
ارشيف

الانطباعية في هيذر جيمس للفنون الجميلة

1 سبتمبر - 31 أكتوبر 2022
جاكسون هول - توب وركس
ارشيف

جاكسون هول - توب وركس

15 سبتمبر - 15 أكتوبر 2022
بيكاسو - يطبع ويعمل على الورق
ارشيف

بيكاسو - يطبع ويعمل على الورق

1 سبتمبر - 12 أكتوبر 2022
مارك شاغال: لون الحب
ارشيف

مارك شاغال: لون الحب

8 سبتمبر - 12 أكتوبر 2022
صور: من القرن التاسع عشر إلى يومنا هذا
ارشيف

صور: من القرن التاسع عشر إلى يومنا هذا

26 أغسطس، 2020 - 30 أبريل، 2021
جاكسون هول: يسلط الضوء من 1900 إلى اليوم
ارشيف

جاكسون هول: يسلط الضوء من 1900 إلى اليوم

1 نوفمبر 2019 - 31 يوليو، 2020
سام فرانسيس: علي العرض في جاكسون هول
ارشيف

سام فرانسيس: علي العرض في جاكسون هول

1 يوليو-15 أكتوبر 2019
ادوارد هوبر
ارشيف

ادوارد هوبر

1 يوليو-30 سبتمبر 2019
أندي وارهول
ارشيف

أندي وارهول

يوليو 16 - أغسطس 31, 2019
ديفيد ليدينثال
ارشيف

ديفيد ليدينثال

1 ديسمبر 2018-31 يناير 2019
عشب ألبرت: لحن البصرية
ارشيف

عشب ألبرت: لحن البصرية

1 أغسطس-30 سبتمبر 2018
لوحات السير وينستون تشرشل
ارشيف

لوحات السير وينستون تشرشل

1 أغسطس-16 سبتمبر 2018
إلين دي كونينغ
ارشيف

إلين دي كونينغ

1 يوليو-4 أغسطس 2018
نورمان روكويل: الفنان في العمل
ارشيف

نورمان روكويل: الفنان في العمل

30 يونيو-30 سبتمبر 2016
ماكس Pellegrini: معرض استعادي
ارشيف

ماكس Pellegrini: معرض استعادي

27 نوفمبر 2015-27 مارس ، 2016
ايرل كننغهام: الامريكيه فأوف
ارشيف

ايرل كننغهام: الامريكيه فأوف

سبتمبر 8-أكتوبر 29, 2011

العمل الفني على العرض

IRVING نورمان -- رئيس مجلس الإدارة -- النفط على قماش -- 90 × 48 في.

إيرفينغ نورمان

ايرفينغ نورمان -- مطعم كاروسيل -- النفط على قماش -- 60 × 72 في.

إيرفينغ نورمان

NATHAN OLIVEIRA - عارية يخطو من السجاد - النفط على قماش - 52 × 48 في.

ناثان أوليفيرا

ناثان OLIVEIRA -- الشكل مع العيون الزرقاء -- النفط على قماش -- 66 × 54 في.

ناثان أوليفيرا

أندي وارهول -- وعاء الفلفل من حساء كامبل -- screenprint في الألوان -- 35 × 23 في.

أندي وارهول

ناثان اوليفيرا-بدون عنوان-النفط علي قماش-84 X 63 في.

ناثان أوليفيرا

The essential and dramatic declaration “Let there be light” of Genesis is not so far removed from Mary Corse’s recollection of the moment in 1968 when the late afternoon sun electrified the reflective road markings of Malibu as she drove east. In an instant, the glowing asphalt markings provided the oracle she needed to realize she could ‘put light in the painting and not just make a picture of light’.  Using the same glass microbeads utilized by road maintenance services, she layers and embeds the prismatic material in bands and geometric configurations creating nuanced glimmering abstract fields which shift as the viewer moves in relationship to the work. Move to one side and dimness brightens to light. Walk back and forth and you might feel a rippling effect from its shimmering, prismatic effects.<br><br>A photographic image of a Mary Corse microsphere painting is not only a dull representation, but it also misses the point – it is experience dependent art that requires participation to ‘be’.  Of course, “Untitled” (1975) defies that one-point static perspective and instead, depends upon a real time, interactive art experience which heightens awareness of the body in space as the viewer experiences shifts of retinal stimulation, sensation and feeling. It is a rare bird.  Unusually petite at two-foot square, its design, geometry and color belie her earlier revelation that led to a devotion to her usual reductive palette. Instead, it is a bold statement in sequined color, its center field bounded at the corners by a sparkling red stepped motif that separates it from its starry night sky corner spandrels. It may not include a star motif, but it has the glamour and presence that belongs along Hollywood’s Walk of Fame.

ماري كورس

Pellegrini returns to Classical Mythology to paint an adapted narration of the love story of Cupid and Psyche. Traditionally, Psyche was a young princess who was hailed for her beauty and unfortunately caught the eye of a jealous Venus. Venus entrusted Cupid to punish Psyche by making her fall in love with something hideous. Cupid accidently scratched himself with his amorous dart, by which he immediately fell in love with Psyche. As a result, Cupid disobeyed his mother’s orders to punish Psyche. Ultimately they married, but not before Psyche completed a number of painstaking and nearly impossible tasks at the behest of Venus. <br><br>Pellegrini’s interpretation of this myth is cast over two canvases with different chromatic palettes, oscillating on a spectrum of abstraction and representation. This creates a disorienting temporal effect that creates a sense of mystery surrounding the passage of time between two lovers.

ماكس بيليغريني

ايرفينغ نورمان -- نافذة متجمد -- النفط على قماش -- 36 × 90 في.

إيرفينغ نورمان

فيونا RAE - بدون عنوان (أصفر، أحمر + بني) - زيت على قماش - 72 × 78 في.

فيونا راي

The Queen of the Night drinks water from the clasped hands of faith, while two shepherds embrace each other, unaware of Jesus’ birth. Angels, portrayed almost translucently on the canvas, spray holy water and bring about the giving of gifts. A precious jewel is depicted in the right corner, while a humble basket of turkeys sits on the cape of the Madonna. Nearby rests a basket with a goldfinch, an ancient symbol, which is a harbinger of good luck for newborn babies. The baby Jesus, just as the clasped hands that the Queen drinks out of, represents faith – the angels have sprinkled with holy water and he will soon make himself known to the world.<br><br>“For me the faith in religion becomes faith in painting and will defeat the giants." – Max Pellegrini, July 2015, in conversation with Curator Chip Tom

ماكس بيليغريني

شاب وأمراه احتضان بعضها البعض, أمراه تحمل طفل, طفل نائم يحمل خيط اسود واحمر, أمراه شابه أخرى المداعبات, وملاك ينتشر أجنحتها في هذا الكولاج مثل تكوين. معا, هذه الشخصيات خلق السرد الذي الحب الشباب, مصير, وتتشابك الحياة: الطفل النائم يحمل خيط احمر وخيط اسود, تذكرنا الاسطوريه ثلاثه مصائر, الذي نسج الحياة والموت علي تلوح في الأفق. ترتبط هذه الخيوط جسديا لعشاق الشباب ، الذين يتبنون بعضهم البعض ، غير مدركين تماما لعقد ان الرضيع لديه عليها. أمراه تحمل طفلا يراقب حب الفتي والفتاه الشابة ، تماما كما يراقب مريم ويسوع البشر ويدافعون عنهم. دمج الروايات والرموز هو عنصر مشترك في oeuvre Pellegrini ، وأعرب ببراعة هنا.

ماكس بيليغريني

صور مرآة لشخصية محجبة تحتضن رجل عاري الصدر وملتحي، الذي هو تقريبا مثل الطفل في مكانته النسبية. يعكس احتضانهم احتضان بيتا لمايكل أنجلو، والعديد من الصور المماثلة للمسيح ومادونا. الظل الداكن من اللون الأزرق يلقي بظلاله على تكوين، بالتأكيد مؤشرا زمنيا، ولكن ربما إشارة إلى الفترة الزرقاء بيكاسو كذلك، المؤثر الرئيسي على العمل الفني Pellegrini. لوحات الحائط وراء الأرقام تصور مشاهد دينية، وتذكر المشاهد من الجدران الزجاجية الملون في الكنائس والمصلى. يضيء الضوء من النوافذ في المدينة أدناه، مضاءة أيضا من قبل اكتمال القمر الذروة فوق المناظر الطبيعية الجبلية.

ماكس بيليغريني

عشبه البرت--ثلاثه الريش--البرونزية--38 x 20 × 9 في.

عشب البير

عشبه البرت--النسر فولز--البرونزية--41 1/2 x 10 × 10 في.

عشب البير

فرناندو CANOVAS-سدوم و Gomorrah-الأكريليك علي قماش-63 5/8 x 51 1/4 في.

فرناندو كانوفاس

فرناندو CANOVAS-سدوم-أكريليك علي قماش-63 5/8 × 51 1/4 في.

فرناندو كانوفاس

راسل يونغ-صوره براندون-طباعه الشاشة علي الكتان مع غبار الماس-62 5/8 × 47 3/4 في.

راسل يونغ

بيتر d. GERAKARIS--دافني الأول--النفط علي قماش--72 x 36 في.

بيتر د. جيراكاريس

بيتر d. GERAKARIS-دافني الثاني (صفعه ان باس)-النفط علي قماش-72 x 36 في.

بيتر د. جيراكاريس

كونستانس MALLINSON - زوجين - النفط على الورق - 95 × 52 1/2 في.

كونستانس مالينسون

SAUL KAMINER - لا Peluquera - زيت على قماش - 63 1/4 × 51 1/4 في.

سول كامينر

كونستانس مالينسون-أطراف مقطوعة-زيت علي الورق-52 1/2 × 60 1/2 في.

كونستانس مالينسون

ديبورا OROPALLO - بدون عنوان - زيت على قماش - 76 × 67 في.

ديبورا أوروبالو

بول جنكنز-بدون عنوان-ألوان المائية والحبر علي الورق-29 3/4 x 42 3/4 في.

بول جنكينز

الخلط ، والانهيار ، وزيادة الروايات التاريخية والجسدية من خلال وجهه نظر ساخره.

ادغار سيرانو

لورانس شيلر-بوبي كينيدي ، Pg 25-البلاتين طباعه-24 × 20 في.

لورنس شيلر

Tony de los Reyes’ 2006-2011 series Chasing Moby Dick analyzes the intersection of politics and culture through the lens of Herman Melville’s masterpiece (1851). Much like Captain Ahab’s hunt for Moby Dick, de los Reyes invasions America as “highly contentious and monomaniacal,” especially in light of former President George Bush’s singular hunt for Osama bin Laden. According to de los Reyes, "Melville knew that America, being ever-hungry, would not/could not stop at the ocean's edge. Part of the American spirit is to continue expanding, even to our detriment."<br><br>This painting is named after the fictitious whaling ship, imagined by Melville, that Captain Ahab commands and leads on a three-year expedition while chasing Moby Dick. de los Reyes’ method creates a delicate balance between abstraction and realism that makes the ship appear almost ghostly. This quality may be a physical manifestation of the monomaniacal intention of Captain Ahab, and thus America, that cannot end, even after its own destruction.

توني دي لوس رييس

وليام WEGMAN-صوره مزدوجة-الفضة الجيلاتين الطباعة-7 1/4 x 6 3/4 في.

ويليام وجمان

PENELOPE GOTTLIEB - Diosorea Bulbifera - أكريليك وحبر فوق طباعة Audubon - 38 × 26 بوصة.

بينيلوب غوتليب

LUC BERNARD - حواف رقم 14 - النفط على قماش - 40 × 40 في.

لوك برنارد

وليام WEGMAN-ثلاثه دمي-فضية الجيلاتين الطباعة-7 1/4 x 6 3/4 في.

ويليام وجمان

لوك برنارد--الحواف رقم 11--النفط علي قماش--42 x 35 في.

لوك برنارد

LUC BERNARD - حواف رقم 15 - النفط على قماش - 36 × 31 في.

لوك برنارد

مصنع الغازية وجدت في WY

بينيلوب غوتليب

لورانس شيلر - مارلين مونرو، "شيء ما يجب أن تعطي" - الفضة الجيلاتين الطباعة - 24 × 20 في.

لورنس شيلر

ادوارد STEICHEN-كوليت-الفضة الجيلاتين الطباعة-13 × 10 1/4 في.

إدوارد ستيشين

إدوارد STEICHEN -- بركة والدن -- الفضة الجيلاتين الطباعة -- 9 × 13 في.

إدوارد ستيشين

إدوارد STEICHEN -- الارتجال : "جورج واشنطن" -- الفضة الجيلاتين المطبوعة -- 9 × 7 1 / 4 في.

إدوارد ستيشين

إدوارد STEICHEN -- كارل ساندبورغ -- صورة بالأبيض والأسود -- 12 1 / 2 × 10 1 / 4 في.

إدوارد ستيشين

إدوارد STEICHEN -- صورة الذات مع أدوات التصوير الفوتوغرافي -- الفضة الجيلاتين المطبوعة -- 13 1 / 4x 8 3 / 4 في.

إدوارد ستيشين

LUC BERNARD - Cinergy No. 4 - الزيت وحبر سومي على قماش - 10 × 14 بوصة.

لوك برنارد

مدير أول

أندريا ويب بوست

أندريا ريكو دالين

مدير أول
جاكسون هول (وايومنغ)

تقترب أندريا من 20 عاما في هذه الصناعة ، وهي حاصلة على درجة البكالوريوس في تاريخ الفن مع تخصص فرعي في الفنون الجميلة من جامعة بينغهامتون ، بينغهامتون ، نيويورك ، وماجستير في الفن الحديث ، والتذوق ، وتاريخ سوق الفن من كريستيز للتعليم ، نيويورك ، نيويورك. وهي تجلب الخبرة من تجربتها في كل من المتاحف ودور المزادات ، بعد أن عملت في متحف نيلسون أتكينز للفنون في كانساس سيتي وكريستيز في نيويورك.

منذ انضمامها إلى هيذر جيمس للفنون الجميلة في عام 2015، قامت أندريا بتأمين الشحنات وساعدت في بناء مجموعات خاصة ومتحفية بارزة مع فنانين مهمين، والتي تشمل كلود مونيه، ألفريد سيسلي، هنري ماتيس، إدغار ديغا، نورمان روكويل، أندرو ويث، إلين دي كونينغ، أندي وارهول، وتوم فيسيلمان.

في الأخبار

خدمات

تقدم هيذر جيمس فأين أرت مجموعه واسعه من الخدمات المستندة إلى العملاء التي تلبي احتياجاتك الخاصة لجمع الفنون. يضم فريق العمليات لدينا معالجين فنيين محترفين وقسما كاملا للمسجلين وفريقا لوجستيا مع خبره واسعه في مجال النقل الفني والتركيب وأداره المجموعات. مع خدمه القفازات البيضاء والرعاية الشخصية ، فريقنا يذهب الميل الإضافي لضمان خدمات فنيه استثنائيه لعملاءنا.

  • الخدمات المنزلية
  • الخدمات-jessica1
  • Svc_hirst
  • الخدمات-brian1
  • Svc_Warhol
  • تكييف
  • Svc_kapoor

تعرف علينا

الفن المميز

Cottonwood Tree (Near Abiquiu), New Mexico (1943) by celebrated American artist Georgia O’Keeffe is exemplary of the airier, more naturalistic style that the desert inspired in her. O’Keeffe had great affinity for the distinctive beauty of the Southwest, and made her home there among the spindly trees, dramatic vistas, and bleached animal skulls that she so frequently painted. O’Keeffe took up residence at Ghost Ranch, a dude ranch twelve miles outside of the village of Abiquiú in northern New Mexico and painted this cottonwood tree around there. The softer style befitting this subject is a departure from her bold architectural landscapes and jewel-toned flowers.<br><br>The cottonwood tree is abstracted into soft patches of verdant greens through which more delineated branches are seen, spiraling in space against pockets of blue sky. The modeling of the trunk and delicate energy in the leaves carry forward past experimentations with the regional trees of the Northeast that had captivated O’Keeffe years earlier: maples, chestnuts, cedars, and poplars, among others. Two dramatic canvases from 1924, Autumn Trees, The Maple and The Chestnut Grey, are early instances of lyrical and resolute centrality, respectively. As seen in these early tree paintings, O’Keeffe exaggerated the sensibility of her subject with color and form.<br><br>In her 1974 book, O’Keeffe explained: “The meaning of a word— to me— is not as exact as the meaning of a color. Color and shapes make a more definite statement than words.” Her exacting, expressive color intrigued. The Precisionist painter Charles Demuth described how, in O’Keeffe’s work, “each color almost regains the fun it must have felt within itself on forming the first rainbow” (As quoted in C. Eldridge, Georgia O’Keeffe, New York, 1991, p. 33). As well, congruities between forms knit together her oeuvre. Subjects like hills and petals undulate alike, while antlers, trees, and tributaries correspond in their branching morphology.<br><br>The sinewy contours and gradated hues characteristic of O’Keeffe find an incredible range across decades of her tree paintings. In New Mexico, O’Keeffe returned to the cottonwood motif many times, and the seasonality of this desert tree inspired many forms. The vernal thrill of new growth was channeled into spiraling compositions like Spring Tree No.1 (1945). Then, cottonwood trees turned a vivid autumnal yellow provided a breathtaking compliment to the blue backdrop of Mount Pedernal. The ossified curves of Dead Cottonweed Tree (1943) contain dramatic pools of light and dark, providing a foil to the warm, breathing quality of this painting, Cottonwood Tree (Near Abiquiu). The aural quality of this feathered cottonwood compels a feeling guided by O’Keeffe’s use of form of color.

جورجيا أوكيف

دييغو ريفيرا -- صورة انريكيتا G. دافيلا -- النفط على قماش -- 79 1 / 8 × 48 3 / 8 في.

دييغو ريفيرا

WILLEM دي كونينغ -- امرأة في زورق التجديف -- النفط على الورق وضعت على الماسونية -- 47 1 /2 × 36 1 / 4 في.

ويليم دي كونينغ

Having unwittingly inserted himself into the Pop Art conversation with his Great American Nude series, Tom Wesselmann spent the rest of his career explaining that his motivation was not to focus excessively on a subject matter or to generate social commentary but instead, to give form to what titillated him most as beautiful and exciting. His disembodied Mouth series of 1965 established that an image did not have to rely on extraneous elements to communicate meaning. But it was his follow-up performances with the Smoker series and its seductive, fetish allure that raised his standing among true sybarites everywhere. Apart from perceiving smoking as cool and chic, a painting such as Smoker #21 is the consummate celebration of Wesselmann’s abilities as a painter. Enticed by the undulating smoke, Wesselmann took great pains to accurately depict its sinuous movements and observe the momentary pauses that heightened his appreciation of its sensual nature. Like all of Wesselmann’s prodigious scaled artworks, Smoker #21 has the commanding presence of an altarpiece. It was produced during long hours in his impressive Manhattan studio in Cooper Square, and the result is one of sultry dynamism — evocative, sensual, alluring, sleek, luscious, and perhaps, even sinister — a painting that flaunts his graphic supremacy and potent realism varnished with his patented sex appeal flair.<br><br>Tom Wesselmann expanded upon the success of his Great American Nudes by focusing on singular features of his subjects and began painting his Mouth series in 1965. In 1967, Wesselmann’s friend Peggy Sarno paused for a cigarette while modeling for Wesselmann’s Mouth series, inspiring his Smoker paintings. The whisps of smoke were challenging to paint and required Wesselmann to utilize photographs as source material to capture the smoke’s ephemeral nature properly. The images here show Wesselmann photographing his friend, the screenwriter Danièle Thompson, as she posed for some of Wesselmann’s source images.

توم ويسلمان

When forty rural Sacramento Delta landscapes by Wayne Thiebaud were unveiled at a San Francisco gallery opening in November 1997, attendees were amazed by paintings they never anticipated. This new frontier betrayed neither Thiebaud’s mastery of confectionary-shop colors nor his impeccable eye for formal relationships. Rather, his admirers were shocked to learn that all but seven of these forty interpretations had been completed in just two years. As his son Paul recalled, “the refinements of my father’s artistic process were ever changing in a chameleon-like frenzy.” The new direction had proved an exhilarating experience, each painting an affirmation of Wayne Thiebaud’s impassioned response to the fields and levees of the local environment he dearly loved. <br><br>Viewed from the perspective of a bird or a plane, The Riverhouse is an agrarian tapestry conceived with a kaleidoscopic range of shapes and simple forms; fields striped with furrows or striated fans, deliriously colored parallelograms and trapezoids, an orchard garnished pizza-shaped wedge, and a boldly limned river, the lifeline of a thirsty California central valley largely dependent upon transported water.<br><br>The Riverhouse is a painting that ‘moves’ between seamlessly shifting planes of aerial mapping that recalls Richard Diebenkorn’s stroke of insight when he took his first commercial flight the spring of 1951, and those partitions engaging a more standard vanishing point perspective. Thiebaud explained his process as “orchestrating with as much variety and tempo as I can.” Brightly lit with a fauve-like intensity, The Riverhouse is a heady concoction of vibrant pigment and rich impasto; one that recalls his indebtedness to Pierre Bonnard whose color Thiebaud referred to as “a bucket full of hot coals and ice cubes.” Among his many other influences, the insertion of objects — often tiny — that defy a rational sense of scale that reflects his interest in Chinese landscape painting.<br><br>As always, his mastery as a painter recalls his titular pies and cakes with their bewitching rainbow-like halos and side-by-side colors of equal intensity but differing in hues to create the vibratory effect of an aura, what Thiebaud explained “denotes an attempt to develop as much energy and light and visual power as you can.” Thiebaud’s Sacramento Delta landscapes are an integral and important part of his oeuvre. Paintings such as The Riverhouse rival the best abstract art of the twentieth century. His good friend, Willem de Kooning thought so, too.

واين ثيبود

ألفريد سيسلي -- L'Église دي موريت ، لو سوار -- قماش النفط -- 31 × 39 1 / 2 في.

ألفريد سسيلي

إميل نولد - سونينبلومن، أبيند الثاني - زيت على قماش - 26 1/2 × 35 3/8 بوصة.

إميل نولد

ألكسندر كالدر - الصليب - زيت على قماش - 28 3/4 × 36 1/4 بوصة.

ألكسندر كالدر

خلال أوائل سبعينيات القرن التاسع عشر ، رسم وينسلو هومر في كثير من الأحيان مشاهد من البلاد التي تعيش بالقرب من قرية صغيرة تشتهر لأجيال لمواقفها الرائعة من القمح ، وتقع بين نهر هدسون وكاتسكيلز في ولاية نيويورك. يشتهر هيرلي اليوم بإلهام أحد أعظم أعمال هوميروس ، Snap the Whip الذي رسمه صيف عام 1872. من بين العديد من اللوحات الأخرى المستوحاة من المنطقة ، فإن Girl Standing in the Wheatfield غنية بالمشاعر ، ولكنها ليست عاطفية للغاية. يتعلق الأمر مباشرة بدراسة رسمت عام 1866 في فرنسا بعنوان ، في حقول القمح ، وأخرى رسمت في العام التالي بعد عودته إلى أمريكا. لكن هوميروس كان بلا شك أكثر فخرا بهذا. إنها صورة ، ودراسة أزياء ، ولوحة من النوع في التقليد العظيم للرسم الرعوي الأوروبي ، وجولة ذات إضاءة خلفية دراماتيكية ، وجولة في الغلاف الجوي غارقة في ضوء الساعة الكئيب الذي يتلاشى بسرعة والمدعوم بنوتات لامب ومنمقة ولمسات سنبلة القمح. في عام 1874 ، أرسل هوميروس أربع لوحات إلى معرض الأكاديمية الوطنية للتصميم. واحد كان بعنوان "فتاة". قد لا يكون هذا؟

وينسلو هومر

فريدا كاهلو - المطرقة والمنجل (والطفل الذي لم يولد بعد) - الجص الجاف والوسائط المختلطة - 16 1/4 × 13 × 6 بوصة.

فريدا كاهلو

ن.C. ويث - الصيف. "Hush" - زيت على قماش - 33 3/4 × 30 1/4 بوصة.

N.C. WYETH

شون سكولي - أحمر رمادي - زيت على الألومنيوم - 85 × 75 بوصة.

شون سكولي

لا يمكن احتواء عالم مارك شاغال أو تقييده بالتسميات التي نعلقها عليه. إنه عالم من الصور والمعاني التي تشكل خطابها الصوفي الرائع. بدأ Les Mariés sous le baldaquin (العروس والعريس تحت المظلة) مع دخول الفنان عامه ال 90 ، وهو رجل عرف المأساة والصراع ، لكنه لم ينس أبدا لحظات الحياة من المتعة الحماسية. هنا ، يتم إحضار المسرات الحالمة لحفل زفاف القرية الروسية بترتيباته من الحاضرين البالية إلينا بمثل هذا الذكاء السعيد والبراءة المبهجة التي لا تقاوم سحرها. باستخدام مستحلب ذهبي اللون يجمع بين الزيت والغواش المائي غير الشفاف ، يتم تغليف الدفء والسعادة والتفاؤل لوضعية شاغال المعتادة في إشراق مضيء يشير إلى تأثير الرموز الدينية ذات الأوراق الذهبية أو لوحة عصر النهضة المبكرة التي سعت إلى نقل انطباع النور الإلهي أو التنوير الروحي. قد يكون استخدام مزيج من الزيت والغواش أمرا صعبا. ولكن هنا ، في Les Mariés sous le baldaquin ، يوظفها شاغال لإعطاء المشهد جودة من عالم آخر ، كما لو أنه قد تحقق للتو من عين عقله. تخلق حساسيتها التركيبية انطباعا بأن الضوء ينبعث من العمل نفسه ويعطي جودة طيفية للشخصيات التي تطفو في السماء.

مارك شاغال

أنيش كابور - هالو - ستانلس ستيل - 120 × 120 × 27 بوصة.

أنيش كابور

توم ويسلمان - غرفة نوم سمراء مع قزحية العين - زيت على الألومنيوم المقطوع - 105 3/4 × 164 5/8 بوصة.

توم ويسلمان

MARSDEN هارتلي -- باخ مقدمات وفوغس رقم 1 (موضوع الموسيقية) -- النفط على قماش وضعت على متن -- 28 1 / 2 × 21 في.

مارسدن هارتلي

Pablo Picasso was not only the greatest painter and most innovative sculptor of the twentieth century, but he was also its foremost printmaker. He produced a staggering number of prints in every conceivable medium. Yet Picasso’s crowning printmaking achievement may be the linocut, a relief print of such a low technical barrier that it is accessible to almost anyone. If you have ever made a block print and experienced the carving and removing of portions so that a succession of colors can be preserved on the resulting print, it is a thrill to feel in your hand how Picasso created the image.<br><br>Buste de Femme au Chapeau was created in 1962 when Picasso was eighty years of age. Boldly designed and simply conceived, it remains today as a testament to his ever-restless nature and genius for expanding his repertoire. Printed in five vibrant opaque colors – yellow, blue, green, red – and black assembled on the strength of his unmatched graphic skill, it is a portrait inspired by his wife Jacqueline Roque. The assertive layering of color carries a visual impact similar to his paintings in oil. Considered by many collectors as his most important linocut, it was printed and published in an edition of 50. The colors of this particular print — an artist’s proof — are exceptionally fresh and strong.

بابلو بيكاسو

تعد صورة Théo van Rysselberghe Portrait de Sylvie Lacombe ، التي رسمت في عام 1906 ، تحفة كلاسيكية من قبل أحد أكثر رسامي الصور دقة واتساقا في عصره. اللون متناغم ، والفرشاة قوية ومصممة خصيصا لمهمتها المادية ، وجسدها ووجهها حقيقي وكاشف. الحاضنة هي ابنة صديقه العزيز ، الرسام جورج لاكومب ، الذي شارك في ارتباط وثيق مع غوغان ، وكان عضوا في Les Nabis مع الفنانين Bonnard و Denis و Vuillard ، من بين آخرين. نحن نعرف الآن عن سيلفي لاكومب لأن فان ريسلبرغ ماهرة جدا في تقديم تعبيرات الوجه الدقيقة ومن خلال الملاحظة الدقيقة والاهتمام بالتفاصيل ، قدمت رؤى حول عالمها الداخلي. لقد اختار نظرة مباشرة ، عينيها إلى عينيك ، عهدا لا مفر منه بين الموضوع والمشاهد بغض النظر عن علاقتنا الجسدية باللوحة. تخلى فان ريسلبرغ إلى حد كبير عن تقنية Pointillist عندما رسم هذه الصورة. لكنه استمر في تطبيق إرشادات نظرية الألوان باستخدام صبغات من اللون الأحمر - الوردي والماوفي - ضد اللون الأخضر لإنشاء لوحة محسنة متناغمة من الألوان التكميلية التي أضاف إليها لهجة قوية لجذب العين - قوس أحمر مشبع بشكل مكثف تم وضعه بشكل غير متماثل على جانب رأسها.

ثيو فان ريسلبرغ

Initially used as a frontispiece illustration for the 1914 novel, “The Witch,” by Mary Johnston, Wyeth’s painting presents a poignant scene of friendship and understanding between a grieving, independent woman and a generous, misunderstood doctor. Although the two hardly know each other, they have a shared understanding of and reverence for what is good. While the rest of the town searches for the devil in all things, these two choose kindness and light. Here, they take a moment to appreciate the lives they have led and the good they have done. Wyeth’s illustration depicts hope and expectation of good despite the perils and sorrows of human life.<br><br>In addition to illustrating more than 100 books, including adventure classics like Treasure Island, Kidnapped, Robinson Crusoe, and The Last of the Mohicans, Wyeth was also a highly regarded muralist, receiving numerous commissions for prestigious corporate and government buildings throughout the United States. Wyeth’s style, honed by early work at the Saturday Evening Post and Scribner’s, demonstrates his keen awareness of the revealing gesture, allowing readers to instantly grasp the essence of a scene.

N.C. WYETH

ليس من الصعب فهم كيف جاء ترتيب روبرت إنديانا الرائع المكون من صفين من أربعة أحرف للمساعدة في تمكين حركة خلال ستينيات القرن العشرين. نشأ أصله من التعرض العميق للدين ومن صديقه ومعلمه إلسورث كيلي ، الذي ترك أسلوبه ذو الحواف الصلبة ولونه الحسي غير المميز انطباعا دائما. ولكن كما صرخت إنديانا ، كانت لحظة كيسميت التي حدثت للتو عندما "الحب عضني!" وجاء التصميم له حادا ومركزا. إنديانا ، بالطبع ، وضعت التصميم من خلال العديد من الخطوات ، ثم بدأ الشعار في الظهور في كل مكان. الرسالة ، التي تم نقلها بشكل أفضل في النحت ، تقف في مدن في جميع أنحاء العالم وترجمت إلى عدة لغات ، ليس أقلها تكرارها الإيطالي ، "Amor" مع "O" المائل أيضا إلى اليمين. ولكن بدلا من الركل من قدم الحرف "L" ، يضفي هذا الإصدار تأثيرا متأرجحا بشكل جميل على الحرف "A" أعلاه. إنه يعطي انطباعا جديدا ، ولكن ليس أقل عمقا ، عن الحب وطبيعته المشحونة عاطفيا.  في كلتا الحالتين ، يضفي حرف "O" المائل للحب عدم الاستقرار على تصميم مستقر بخلاف ذلك ، وهو إسقاط عميق لنقد إنديانا الضمني ل "العاطفة الجوفاء في كثير من الأحيان المرتبطة بالكلمة ، مما يشير مجازيا إلى الشوق وخيبة الأمل بلا مقابل بدلا من المودة السكرية" (روبرت إنديانا الأفضل: معرض استعادي مصغر ، نيويورك تايمز ، 24 مايو 2018). التكرار ، بالطبع له عادة سيئة تتمثل في تثبيط تقديرنا لعبقرية البساطة والتصميم الرائد. في وقت متأخر من الحياة ، أعربت إنديانا عن أسفها لأنها "كانت فكرة رائعة ، ولكنها أيضا خطأ فادح. أصبحت شعبية جدا. وهناك أشخاص لا يحبون الشعبية". لكننا نحن سكان عالم محفوف بالانقسام ومحاصر في الاضطرابات، شكرا لكم. "الحب" ونسخه العديدة هي تذكير قوي بقدرتنا على الحب ، وهذا هو أفضل أمل أبدي لنا في مستقبل أفضل.

روبرت إنديانا

ADOLPH GOTTLIEB - Azimuth - زيت على قماش - 95 3/4 × 144 1/4 في.

أدولف غوتليب

فرانك ستيلا - البندقية - الوسائط المختلطة على الألومنيوم - 74 1/2 × 77 1/2 × 33 بوصة.

فرانك ستيلا

سالومون فان RUYSDAEL - المناظر الطبيعية الكثبان الرملية مع شخصيات يستريح وزوجين على ظهور الخيل، وجهة نظر من كاتدرائية نيميغن وراء - النفط على قماش - 26 1/2 × 41 1/2 في.

سالومون فان رويسدايل

JAN JOSEPHSZOON فان GOYEN - المناظر الطبيعية النهر مع طاحونة وكنيسة - النفط على لوحة - 22 1/2 × 31 3/4 في.

يان جوزيفسون فان غوين

جوان ميرو - L'Oiseau - برونزية وكتلة الرماد - 23 7/8 × 20 × 16 1/8 بوصة.

جوان ميرو

الاتصال

اتصل بنا