Jeder braucht eine Fantasie: Pop Art in Amerika

Mit einem Zitat von Andy Warhol als Titel und Inspiration erkundet "Everyone Needs a Fantasy" die Macht, das Verlangen und das Vergnügen der Pop Art. Die Ausstellung umfasst über drei Jahrzehnte Pop Art. Tauchen Sie ein in die Welt von Warhol, Roy Lichtenstein, Mel Ramos, Larry Rivers, Tom Wesselmann und vielen mehr.

Die Werke in "Everybody Needs a Fantasy" erforschen sowohl den Glamour als auch die verborgenen Seiten der amerikanischen Pop Art. Im krassen Gegensatz zum Abstrakten Expressionismus, der in den 1960er Jahren zum dominierenden Stil wurde, bot die Pop Art-Bewegung eine sonnigere, aber nicht weniger nachdenkliche Alternative. Um den Kontrast und die Gemeinsamkeiten zwischen Pop Art und Abstraktem Expressionismus zu sehen, besuchen Sie unsere andere Ausstellung, "Jewish Modernism Part 1".

Trotz ihrer Helligkeit bot die Pop Art aufschlussreiche Einblicke in die amerikanische Psyche. Zum Beispiel war Warhol nicht nur von Berühmtheit und Ruhm fasziniert, sondern erforschte diese Themen weiter, um seine eigene Vision auf Amerika zurück zu reflektieren - das Schöne, das Helle und das Traumatische.

Mel Ramos, Tom Wesselmann und Larry Rivers fordern uns mit ihren Werken auf, die Rolle der menschlichen Figur innerhalb der Kunstgeschichte, der Pop Art und der Konsumkultur zu betrachten. Pop Art wurde zum Raum, um Ernsthaftigkeit und Camp, Avantgarde und Kitsch zu verbinden.

Selbst Roy Lichtensteins von Comics inspirierte Werke werfen nüchterne Fragen der Aneignung auf und verwischen die Grenzen zwischen sogenannter bildender Kunst und Mainstream-Kultur.

Wie der Titel der Ausstellung andeutet, bietet Pop Art gleichermaßen Fantasie und Realität, wo das Vergnügen nur einen Kauf entfernt ist.

Andy Warhol

Als einer der bedeutendsten Pop-Art-Künstler schuf Warhol Werke, die, um Oscar Wilde zu paraphrasieren, zugleich Oberfläche und Tiefe sind. Judy Garland in der Blackglama-Werbung zeigt sowohl die begehrenswerte Fantasie als auch die tragische Realität. Die Ausstellung präsentiert eine komplette Suite seiner Electric Chair Drucke - aus seiner Death and Disaster Serie - die seine Beschäftigung mit Ruhm und Schande in Amerika veranschaulichen.

Roy Lichtenstein

Zusammen mit Warhol definierte Lichtenstein die Pop Art und die amerikanische Kunst des 20. Jahrhunderts durch seine Aneignung von Comics in Thema und Stil. Lichtenstein reproduzierte die Präzision ihrer Kompositionen, die sowohl dokumentierten als auch parodierten. Sein Werk wurde stark von der populären Werbung beeinflusst und, womit sich der Kreis schließt, hat die Mainstream-Werbung inspiriert - ein konsumierender Kreislauf des Begehrens.

Jim Dine

Jim Dines Arbeiten meditieren über Objekte mit kindlichem Reiz, um eine universelle und nostalgische Sprache zu finden. Dines Gewänder gehören zu den wiedererkennbarsten Bildern, die aus seiner langen und illustren Karriere hervorgegangen sind. Die Verwendung des Bleisenkels spricht auch von Dines eigenen Kindheitserfahrungen mit Werkzeugen und Eisenwaren, ausgedrückt durch eine Pop-Linse.

Alex Katz

Alex Katz ist eine Schlüsselfigur der amerikanischen figurativen Kunst. Seine farbenfrohen, stilisierten, flachen Porträts und Gemälde stehen in starkem Kontrast zum Abstrakten Expressionismus, mit dem er aufgewachsen ist. Nicht ganz minimalistisch, haben seine stumpfsinnigen Figuren Qualitäten, die auch Vergleiche zur Popkultur und zum kommerziellen Design zulassen. Katz' Werke vermitteln sowohl das Gefühl von kühler Distanziertheit als auch von cooler Hipness.

Robert Rauschenberg

Der amerikanische Künstler Robert Rauschenberg trug dazu bei, die Kunst des 20. Jahrhunderts durch seine Assemblagen mit gefundenen Objekten und Popkultur zu revolutionieren. Die Überlagerung von Objekten und Bedeutung stellte die Idee der Kunst und ihre Grenzen in Frage.

James Rosenquist

James Rosenquist ist einer der prominentesten Pop-Art-Künstler. Seine großformatigen Leinwände zeigen collagierte Bilder, die aus der Werbung und der kommerziellen Kultur stammen. Ausgebildet als Plakatmaler, nutzte Rosenquist diese Erfahrung, um riesige Leinwände zu schaffen, die selbst wie die Werbung aussehen, der wir im Alltag begegnen. Obwohl sie statisch sind, erwecken die kantigen Auflösungen und Wiederzusammenfügungen den Eindruck von Bildern, die mit hoher Geschwindigkeit aufblitzen, als ob man auf einem Kanal surft, einen Highway voller Reklametafeln entlangfährt oder sogar von Website zu Website springt. Es ist kein Zufall, dass Andy Warhol seinen Freund James Rosenquist als seinen Lieblingskünstler bezeichnete.

Ed Ruscha

Ed Ruscha ist einer der bedeutendsten amerikanischen Künstler, unter anderem wegen seiner Erkundungen der Symbole der Americana und der Beziehung zwischen Sprache und Kunst. Das Ende ist ein filmisches Thema, das der Künstler in den 1990er und 2000er Jahren in Gemälden, Druckgrafiken und Zeichnungen aufgreift - vor allem in dem großformatigen Gemälde von 1991 im Museum of Modern Art. Ruscha thematisiert den Lauf der Zeit und die Vergänglichkeit, indem er eine veraltete Schriftart und eine alte filmische Tradition der Verwendung von Text im Film verwendet.

Mel Ramos

Ramos malte oft weibliche Akte, die er kommerziellen Totems wie Coca-Cola oder Del Monte gegenüberstellte und sich so die Werbung innerhalb der amerikanischen Gesellschaft aneignete und rekontextualisierte. Wir werden mit visuellen und geschmacklichen Fantasien konfrontiert. Wie sein Freund Lichtenstein machte sich Ramos die Verbreitung kommerzieller Bilder zunutze, indem er eine Interpretation dieses optischen Überflusses lieferte. Ramos bezog sich nicht nur auf kulturelle Prüfsteine, sondern auch auf klassische Aktdarstellungen.

Larry Rivers

Rivers, der sowohl als Pate der Pop Art als auch als deren Enfant terrible gilt, hatte einst bei Hans Hofmann, dem Vater des Abstrakten Expressionismus, studiert. Es ist diese Ausbildung, in der sich Rivers gezwungen fühlte, immer die Handschrift des Künstlers in seinen Werken zu haben, im Gegensatz zu Lichtenstein oder Warhol, die industrielle oder fabrikmäßige Techniken zum Ausradieren bevorzugten. Nichtsdestotrotz stießen seine Werke an die Grenzen der Kunst, indem sie Abstraktion und Figuration mit Pop- und Konsumkultur verschmolzen.

George Segal

Segals Fokus auf den menschlichen Körper in Lebensgröße half, sich gegen den vorherrschenden Abstrakten Expressionismus durchzusetzen. Darüber hinaus haben diese Abgüsse aus Bandagen von Freunden und Familie eine existenzielle Resonanz. Menschen, die in der Zeit schweben, in Aktionen, die kein Ende und keinen Anfang haben. Segal, der aus einer polnisch-jüdischen Familie stammt, von der viele im Holocaust umgekommen sind, schafft Figuren, die buchstäbliche Hüllen sind, Erinnerungen an den Zustand des Menschen.

Tom Wesselmann

Wie Ramos bezieht sich auch Tom Wesselmann in seinen Arbeiten auf die klassischen Akte der Kunstgeschichte, denen er dann moderne Objekte gegenüberstellt. Er hat den Akt sogar für ein zeitgenössisches Publikum aktualisiert, indem er beispielsweise Bikini-Bräunungsstreifen verwendet. Wo Ramos einen Realismus in seine Figuren bringt, bietet Wesselmann einen lebendigen grafischen Stil. Dieser Vorstoß in die Abstraktion schafft eine noch kühnere Verbindung zwischen visuellem und kommerziellem Konsum.