Andy Warhol: Glamour am Rande der Gesellschaft

"Ich mag einfach gewöhnliche Dinge. Wenn ich sie male, versuche ich nicht, sie außergewöhnlich zu machen. Ich versuche nur, sie gewöhnlich-gewöhnlich zu malen." - Andy Warhol

Heather James ist stolz darauf, eine Auswahl von Kunstwerken Andy Warhols aus den 1960er bis 1980er Jahren auszustellen, als Amerika einen neuen Höhepunkt von Glamour und Konsum erreichte. Als herausragender Pop-Art-Künstler war Warhol sowohl für seine Porträts als auch für seine Konsumgüter bekannt. Die Ausstellung taucht in Warhols respektlose Welt ein, um die Bedeutungsschichten zu enthüllen, die seine Vision der amerikanischen Gesellschaft ausmachen. Jedes Werk besticht durch seine Schönheit und ist gleichzeitig ein tiefgründiger Kommentar zu Ruhm, Kapitalismus, Tod, Kultur, Gesellschaft und Politik.

Im Mittelpunkt der Ausstellung stehen die Siebdrucke, die am meisten dazu beigetragen haben, Warhols Stellung als einer der bedeutendsten amerikanischen Künstler und Pop-Art-Künstler zu festigen. Bevor er Künstler wurde, arbeitete Warhol als sehr erfolgreicher Grafikdesigner. Dieser Hintergrund half Warhol, Werke zu schaffen, die den Massenkonsum durch Massenproduktion kommentierten. Die Art und Weise, wie er seine Werke schuf, spiegelte die Massenproduktion wider, indem er sie in großen Mengen herstellte. Die Factory war auch ein Treffpunkt für eine bunte Mischung von Menschen - Prominente, Intellektuelle, Kunstmäzene - alle, die sehen und gesehen werden wollten.

Die Siebdrucke decken drei Jahrzehnte von Warhols Karriere ab, von seinen ikonischen Campbell's-Suppendosen aus den 1960er Jahren über die Berühmtheiten der 1970er Jahre bis hin zu seiner produktivsten Serie in den 1980er Jahren. Zur Zeit ihrer Herstellung waren diese Siebdrucke eine erschwingliche Möglichkeit für die Menschen, Kunstwerke zu besitzen. Drucke, ob ein Duhrer-Druck aus dem Jahr 1500, ein Hogarth aus dem Jahr 1700 oder sogar ein zeitgenössisches Werk, waren eine Möglichkeit, Werke für das einfache Volk zu produzieren und leichter zu verbreiten. Warhol steigert dies noch, indem er Werke schafft, die gleichzeitig wegwerfbar und beständig sind und so den entbehrlichen Charakter von Konsumgütern und der Konsumkultur der damaligen Zeit widerspiegeln.

Dennoch bleibt immer ein Gefühl der Ironie bestehen. Trotz des scheinbar fabrikmäßigen Charakters der Siebdrucke erforderten sie ein hohes Maß an Arbeit. Warhol wählte das Bild, den Bildausschnitt und die Farben aus, während seine Assistenten die Schablonen für die Drucke und die Ausführung der Drucke anfertigen mussten. Obwohl es sich um ein einfaches Mittel zur Herstellung und Reproduktion handelt, gibt es immer einen versteckten Preis. Das vielleicht archetypischste Beispiel für Warhols Ironie sind die Suppendosen. Ein einfaches Grundnahrungsmittel wird zur Kunst; ein Gegenstand, der den Körper ernährt, verwandelt sich in einen Gegenstand, der den Geist nährt.

Doch diese Ironie kann sich ins Gegenteil verkehren. Für jemanden, der so sehr mit dem glitzernden Stadtleben und der Kultur in Verbindung gebracht wird, waren Tiere und Natur für Warhol wichtig. Warhol zeichnete als Kind im naturwissenschaftlichen Unterricht Tiere und ließ sich in Parks und Gewächshäusern inspirieren, während Blumen in Warhols Oeuvre immer wieder auftauchen. Diese Serie wurde in den 1980er Jahren von Ronald und Frayda Feldman in Auftrag gegeben, nachdem sie mit dem Künstler Gespräche über ökologische Fragen geführt hatten, und zeigt Tiere, die vom Aussterben bedroht sind. Diese Serie steht in einem Spannungsverhältnis zwischen Kunst, Kommerz und Natur. Diese Tiere wären durch den Menschen fast verschwunden, aber in einem seltenen Anflug von Hoffnung haben sich viele dieser Tiere wieder erholt.

Die Ausstellung präsentiert Warhols "Schuhe mit Diamantenstaub", die den leichteren Teil von Warhols Beobachtungen über Amerika und den Konsum darstellen. Schuhe können sowohl Luxus, Glamour, Sinnlichkeit als auch Frivolität symbolisieren. Man denke an Aschenputtels Glaspantoffel oder Carries Manolo Blahnik aus Sex and the City oder auch an das virale Video "Shoes" von Liam Kyle Sullivan. Schuhe stehen im Mittelpunkt des Konsums und sind daher mit verschiedenen Bedeutungen behaftet. Die zusätzliche Schicht aus Diamantenstaub in diesen Arbeiten unterstreicht all diese Qualitäten, doch Warhols Auge wirft einen zweideutigen Schleier. Es bleibt die Frage, wie wir diese Werke interpretieren sollen. Wenn Sie mehr über diese Schuhe erfahren möchten, besuchen Sie unsere virtuelle Ausstellung "Andy Warhol Polaroids", in der die Fotografien zu sehen sind, die Warhol häufig als Grundlage für seine Werke verwendet hat, darunter auch eine Reihe von Schuhen.

Wenn die Schuhe das leichtere Ende von Warhols subtilen Untersuchungen darstellen, so repräsentieren die Electric Chairs Warhols pointierteste Form. Wie so oft in seiner Karriere wandte sich Warhol dem Elektrischen Stuhl als Thema zu, zunächst in Form von Gemälden im Jahr 1964 und dann in Form einer Serie von Drucken im Jahr 1971. Als Teil seiner "Death and Disaster"-Serie, zu der auch Autounfälle und verdorbene Konservendosen gehörten, ist der elektrische Stuhl ein künstlerischer Hochseilakt. Einerseits sind die Werke ein Konfekt aus Farben, das den Betrachter zu einer ästhetisch ansprechenden Oberfläche verführt. Auf der anderen Seite stellt die Suite eine Methode der Todesstrafe dar. Warhol griff auf ein Pressefoto der Todeskammer des Gefängnisses Sing Sing aus dem Jahr 1953 zurück - demselben Jahr, demselben Ort und sogar demselben Stuhl, auf dem Julius und Ethel Rosenberg wegen Spionage hingerichtet wurden. Warhol scheint eine besonders amerikanische Faszination und vielleicht eine unbehagliche Besessenheit anzudeuten. Die leuchtenden, aber unnatürlichen Farben und Motive beunruhigen den Betrachter und machen uns zu außenstehenden Beobachtern und gleichzeitig zu Mitwissern.

Es sind nicht nur die Themen, die Warhol zu einem bahnbrechenden Künstler machten, sondern auch seine Arbeitsweise. Wie in der Electric Chair Suite gezeigt, griff Warhol häufig auf Pressebilder zurück, die den Informationsgehalt der Medien auf den Kopf stellen und die unterschwellige Strömung von Voyeurismus und Sensationslust offenbaren. Wir müssen uns nicht nur fragen, wie wir Dinge wie eine Dose Suppe konsumieren, sondern auch, wie wir visuelle Medien konsumieren und verstehen, selbst so etwas Harmloses wie ein Nachrichtenbild.

"The Shadow (from Myths)" ist sowohl ein offenes Selbstporträt als auch ein metaphorisches. Indem er sich selbst als Radio-Verbrechensbekämpfer der 1930er Jahre vorstellt, konfrontiert Warhol die Mythologisierung der amerikanischen Vergangenheit. Ruhm und Schatten mischen sich in einem ungewissen Tanz.

Bei der Betrachtung von Warhol übersehen oder unterschätzen viele die Bedeutung des Porträts. Er bezeichnete sich selbst einmal als "just a travelling society painter". Damit bezog sich Warhol einerseits auf die lange Tradition von Künstlern, die durch die USA reisten und in kurzer Zeit Porträts für Mäzene malten. Andererseits reiht sich Warhol frech in die Reihe der großen Gesellschaftsporträtisten ein, zu denen Joshua Reynolds, Thomas Lawrence und John Singer Sargent gehören. Die Ausstellung greift diesen Aspekt mit den Porträts von Muhammed Ali und Mick Jagger auf. Jagger war mit Warhol befreundet, und sie haben im Laufe ihrer Karriere oft zusammengearbeitet. In beiden Suiten fängt Warhol die Berühmtheit und die Symbolik der beiden Männer ein. Im Gegensatz zu früheren Werken verwendete er bunte geometrische Formen, die mehr Tiefe und Ausdruckskraft verliehen. Diese Werke basieren auf Polaroids, die Warhol aufgenommen hat. Polaroids spielten eine wichtige Rolle in Warhols künstlerischem Prozess und in seinem Leben. Erfahren Sie mehr in unserer Ausstellung "Andy Warhol Polaroids: Wicked Wonders".

Die beiden letzten Werke der Ausstellung bilden ein interessantes Duo, das Politik und Propaganda, Bildgestaltung und Ideologie untersucht. Indem die Ausstellung Siebdrucke von Nixon und Mao zusammenbringt, destilliert sie Warhols Prozess und die Ideen, die sein gesamtes Oeuvre bestimmen. Nixon und Mao stehen nicht nur für zwei internationale Supermächte, sondern auch für die Art und Weise, wie beide ihr Image gestalteten bzw. nicht gestalteten. Man denke nur an den denkwürdigen Besuch von Präsident Nixon in China, der die Beziehungen zwischen den beiden Nationen entspannte. Das eigentliche Treffen war weniger wichtig als die Bilder, die bei diesem Besuch entstanden und verbreitet wurden.

Mehr noch, das Bild von Mao ist eines, das in der ganzen Welt verbreitet wurde und weniger das Bild eines Menschen als vielmehr eine buchstäbliche Ikone ist. Im Gegensatz dazu steht das Porträt von Nixon, dessen Gesicht Warhol mit Grün- und Blautönen in eine beunruhigende Visage verwandelt hat. Die Implikationen dieses Bildes sind vielfältig, wobei eine subtile Bedeutung eine Anspielung auf die 1960er Präsidentschaftsdebatte zwischen Nixon und John F. Kennedy ist, die erste, die im Fernsehen übertragen wurde. Nixon war berüchtigt für seinen untelegenen Auftritt. Aussehen und Imagepflege bekamen in der Politik plötzlich einen neuen Stellenwert.

Diese glamourösen und auffälligen Werke sind in ihrer Bedeutung zweideutig. Es ist diese Mehrdeutigkeit, die ihre Anziehungskraft erhöht und uns daran erinnert, dass Warhol einen tiefgreifenden Einblick in die amerikanische Gesellschaft hatte, mit der wir uns auch heute noch auseinandersetzen. Wie sein Freund Jagger in einer Würdigung Warhols nach dessen Tod feststellte: "Er schien in der Lage zu sein, die Gesellschaft, egal welchen Teil von ihr er darstellen wollte, ziemlich genau zu erfassen. Das ist eines der Dinge, die Künstler tun, nämlich den Menschen später zu zeigen, wie es war.

"Ein ganzer Tag im Leben ist wie ein ganzer Tag im Fernsehen. Das Fernsehen schaltet nie ab, wenn es einmal angefangen hat, und das tue ich auch nicht. Am Ende des Tages wird der ganze Tag ein Film sein. Ein Film, der fürs Fernsehen gemacht wurde." - Andy Warhol