Auf der Dominanten Wasserscheide: Amerikanische Landschaften von John Philip Falter bis Barbara Kruger

5. September - 2. November 2019
Palmwüste, CA

Über

Diese exklusive Online-Ausstellung erkundet die amerikanische Landschaft als Genre aus verschiedenen Perspektiven, einschließlich Bewegungen, Theorien, Zeit und Ort - ausgehend von Kunstwerken, die an unseren fünf Galerie-Standorten erhältlich sind. Die Landschaft Amerikas wird nicht nur ästhetisch ansprechende Gemälde der Natur, sondern auch zu einer Linse, durch die wir ihre komplexe geografische, kulturelle, soziale und politische Identität verstehen können. Der Titel der Ausstellung orientiert sich am dritten Satz der Grand Pianola Music des amerikanischen Komponisten John Adams. Mit seiner Anspielung auf die Geographie beschreibt Adams sein Stück "mit seiner fahnenschwingenden, knalligen Melodie, die zurückschreckt" als "Whitmanesque Yawp". Seine Beschreibung kapselt auch die Ausstellung. Seine Klangsprache ist eine perfekte Ergänzung zur Show und bietet eine weitere Ebene des Verständnisses der Bildsprache, die von diesen ungleichen Künstlern zur Beschreibung Amerikas entwickelt wurde.

Der Untertitel der Ausstellung verweist auch auf die Vielfalt der Künstler, die sich mit dem Genre beschäftigt haben, auf die unzähligen Sehweisen und auf die vielen Facetten des Edelsteins Amerika. Nur wenn man die Americana von Falter oder den Impressionismus von John Joseph Enneking gegen die narrative Frage von Krüger oder die Materialität von Rodney McMillian antretet, sieht man die Komplexität der Landschaft als Genre und Amerika als Nation. Die Ausstellung untersucht die Kluft im Sinne eines geologischen Canyons und in der Vielfalt des Verstehens und Sehens. Ist der Meeresstrand ein angenehmer Urlaubstag wie in Mabel May Woodwards Beach Scene oder ist es die frostige Kälte von George Gardner Symons' White River Bank? Besteht Amerika aus Land und Architektur im Realismus von Davis Cone oder sind es die Menschen und woher sie bei der Interpretation der Felandus-Thames kommen? Es gibt keine richtige Antwort, sondern eine mehrwertige. Durch die Gegenüberstellung von gegensätzlichen Werken und Künstlern will die Ausstellung den Geist Amerikas einfangen und fordert uns auf, tiefer und offener über Landschaften und die Nation nachzudenken.

Zu den Highlights der Ausstellung gehören:

Spring Light, 1969, von John Philip Falter ist ein pastorales Beispiel für seine Arbeit, die zur Entwicklung der Bildsprache von Americana beigetragen hat. Wie Norman Rockwell erstellte Falter über 120 Cover für The Saturday Evening Post. Dieses Gemälde, das in den turbulenten 1960er Jahren entstanden ist, repräsentiert seine Vision, "die wahrscheinlich letzte der großen Tradition der Landwirtschaft aufzuzeichnen". Im gleichen Jahrzehnt entstand die Barn Group Near Marion, 1960, von Marvin Cone, der eine ähnliche Szene aus einer etwas anderen Perspektive des amerikanischen Regionalismus präsentiert. Das Gemälde ist nicht so sehr eine genaue Aufzeichnung, sondern eine Erinnerung an Cone's Interpretation von Zeit und Ort.

ME, 1972, von Robert Cottingham ist aus einer Reihe von Arbeiten, in denen Cottingham Wortteile von Theaterzeichen isoliert hat. Dieses Bild stammt aus dem Cameo Theatre am South Broadway in Los Angeles. Das Werk entstand einige Jahre bevor Tom Wolfe's berühmter Essay "The 'Me' Decade" als Titelgeschichte am 23. August 1976 im New Yorker Magazin veröffentlicht wurde. Fremont with Two Girls, 2006, von Davis Cone handelt mit dem gleichen Realismus und Thema, aber indem er den visuellen Rahmen zurückzieht, ist seine Arbeit eine mehrdeutige Erforschung der amerikanischen Landschaft und Kultur.

Flag, 2002, von Rodney McMillian schlägt eine Karte oder Landschaft vor. McMillian beschreibt seine Arbeit als die Erforschung der Geschichte des Kampfes und der latenten Macht in der Landschaftsmalerei. Was bedeutet eine Flagge? Wem gehört das Land und zu welchen Kosten? Die Größe der Stücke schafft beim Betrachter ein Bewusstsein für den eigenen Körper in Bezug auf ihn. Das "Post-Consumer-Artikel" von Anzug und Laken hebt das Körperliche, insbesondere die schwarzen Körper, zusätzlich hervor und vermittelt ein Gefühl von Verlust und Heimat. Der Gamtoos River bei Felandus Thames birgt ähnliche Probleme der schwarzen Identität und Amerikas. Der Fluss, auf den sich der Titel bezieht, ist einer in Südafrika, und in der Darstellung der afroamerikanischen Lippen schlägt Thames eine tiefere Verbindung zwischen Geographie und Identität vor und untersucht Darstellungen von Afroamerikanern in der Kunstgeschichte.

Luncheon, 1961, von Roland Petersen präsentiert eine ganz andere Bewegung und einen anderen Stil als die zeitgenössischen Gemälde von Falter und Cone. Die dicke Impasto und die leuchtenden Farben laden zu einem köstlichen Genuss ein, der das Auge erfreut. In der Kombination von Bildern aus ähnlichen Epochen kann der Betrachter den Druck und Sog Amerikas sehen.

Spring, 1916, von William Wendt ist ein nachdenkliches Beispiel für Wendts impressionistischen Stil, der die Landschaft Südkaliforniens einnahm. In Deutschland geboren und in die USA gezogen, spricht seine Geschichte das Land als Land der Einwanderer an. Der in Deutschland geborene Künstler und kalifornische Transplantator Eugen Neuhaus sagte über Wendt: "Er singt vom Frühling in seinem reichen Grün und öfter von der fröhlichen Qualität des Sommers in typischen braunen Brauntöne, dekorativ breit". Wend'ts Freund und Kollege George Gardner Symons und seine White River Bank begleiten das Gemälde und sorgen für einen scharfen saisonalen Kontrast und eine andere Annäherung an den amerikanischen Impressionismus. Weitere Werke des amerikanischen Impressionismus in der Ausstellung sind Milton Blue Hills von John Joseph Enneking und Rocky Weide von Edward Potthast. Beach Scene von Mabel May Woodward verkörpert ihre Arbeit im amerikanischen Impressionismus mit ihrer sonnenverwöhnten, lichtdurchfluteten Leinwand und den Szenen, die ihr in ihrem Heimatstaat Rhode Island vertraut gewesen wären.

Picture/Readings, 1978, von Barbara Kruger stellt Text und Bild gegenüber und konzentriert sich auf Erzählung, Realität und Architektur. Die Fotos zeigen Gebäude in Florida und Kalifornien und zeigen Details, die normalerweise unbemerkt bleiben. Krüger kombiniert das Bild mit fiktiven Erzählungen von Passanten und Bewohnern und erschwert so das erhaltene Wissen über Geschichten und Landschaften. Krüger bemerkt: "Bild/Lesungen waren ein früher Indikator für mein Interesse an Außen- und Innenräumen und wie sie uns ebenso sehr prägen wie wir sie prägen".

McD's, 2003, von Brian Alfred ist ein postmodernes Gemälde, das ein Symbol der amerikanischen Popkultur, aber auch eine scheinbar unheilvolle Warnung darstellt. Ist das Brennen auch eine symbolische Geste oder nur ein unglücklicher Moment, den er in Farbe festgehalten hat? Erhabener in seiner Farbgebung, aber nicht minder verschwommen ist die Border Theory (Rio Grande/Zona Desolada), 2014, von Tony de los Reyes. De los Reyes hat die Sprache der Abstraktion und des Farbfeldes genutzt, um Meditationen über die Bedeutung der visuellen und geographischen Grenze zu schaffen. Das Öl und der Farbstoff, der die Leinwand befleckt hat, sind nicht nur eine Untersuchung der Farbeigenschaften, sondern eine physikalische Manifestation von Grenzflüssen.

Kunstwerk