Malerei von Dorothy Hood

Dorothy Hoods unverwechselbare, emotional aufgeladene Gemälde stellen einen Meilenstein in der Nachkriegskunst dar, eine bedeutende Brücke zwischen lateinamerikanischem und europäischem Surrealismus und New Yorker Abstraktion. Sie hat wahrscheinlich nie einen Fuß in die Cedar Tavern, jene Kneipe im Greenwich Village, gesetzt, wo sich geschätzte Mythologie aus den trinkfesten, männerdominierten, handfesten Debatten entwickelte, und jener Nacht, als Jackson Pollock in betrunkenem Zustand die Badezimmertür aus den Angeln riss und sie quer durch den Raum auf Franz Kline schleuderte. Stattdessen war ihr Weg ihr eigener, mit der Freiheit zu denken, zu malen und zu zeichnen, wie es ihr gefiel. Von 1941 bis 1962 bewegte sich Hood in einem anderen Epizentrum: Mexikos reicher kultureller, politischer und künstlerischer Verschmelzung intensiver kreativer Aktivität. Zu ihren Freunden zählten die Surrealisten Remedios Varo und Leonora Carrington, Rufino Tamayo und José Clemente Orozco, mit dem sie eine tiefe Freundschaft entwickelte.

Die Gemälde dieser Ausstellung stammen aus einer Zeit, als Hood nach Texas zurückkehrte und sich großen Ideen zuwandte: der Unermesslichkeit des Universums, den Komplexitäten der Psyche mit einer Sehnsucht nach spiritueller Nahrung. Sie schuf ein Narrativ, das sich durch taktile Meisterschaft der Farbe, gepinselt oder gegossen, kontinuierlich offenbart, deren Bandbreite in den Annalen der Nachkriegskunst des zwanzigsten Jahrhunderts praktisch unübertroffen ist. Ihre Arbeit mit Farbe erforscht ihr einzigartiges räumliches Verständnis und ihren inneren Kompass und vermittelt immense energetische Weiten, unterbrochen von schwindelerregenden Brüchen scharf definierter, opaker Formen neben üppigen, evocativen Farbflächen. Dies sind die definierenden Werke von Hoods Œuvre, die ihren Platz im Pantheon der großen amerikanischen Nachkriegskünstler sichern werden.