Pop-Art: Meine Liebe kann man nicht kaufen
"Ein gutes Geschäft ist die beste Kunst." - Andy Warhol
KUNSTWERK
"Ich bin für die Kunst der Unterwäsche und die Kunst der Taxis. Ich bin für die Kunst von Eistüten, die auf Beton fallen." - Claes Oldenburg
ÜBER
"Pop Art: Can't Buy My Love" untersucht die Pop Art und ihre Beziehung zum Kommerz über mehr als vier Jahrzehnte hinweg. Von den Anfängen in den 1960er Jahren bis zu den Einflüssen auf die zeitgenössische Kunst zeichnet die Ausstellung die Ursprünge und Entwicklungen der Bewegung anhand wichtiger Künstler wie Andy Warhol, Keith Haring, James Rosenquist, Mel Ramos, Claes Oldenburg und anderen nach.
DU WIRST SEHR BELIEBT SEIN!
Die Pop Art entstand in den Jahrzehnten nach dem Zweiten Weltkrieg. In der unmittelbaren Nachkriegszeit wurde der Abstrakte Expressionismus zum dominierenden Stil (siehe unsere Ausstellung Abstrakter Expressionismus: Die Überwindung des Radikalen), aber mit dem Verblassen des Krieges im Rückspiegel begannen die Künstler, die Vorherrschaft des AbEx und die homogenisierende Konsumkultur in den Vereinigten Staaten in Frage zu stellen. Obwohl die Pop Art ihren Ursprung im Vereinigten Königreich hatte, waren es die Massenvermarktung und der Kommerz in den Vereinigten Staaten, die den Pop-Künstlern einen fruchtbaren Boden boten.
Während die Künstler anderer Bewegungen ihre Ängste und Emotionen kanalisierten, nahmen die Pop-Künstler die glänzende Oberfläche des Konsums und der Konformität, um sie auf ein ahnungsloses Publikum zurückzuwerfen.
Einige Künstler schufen eine kühle Ironie in ihren Werken, wie Roy Lichtenstein, der sich die Comic-Kunst aneignete. Die Kraft seines Werkes lag in der Spannung zwischen "niedriger" und "hoher" Kunst. Andere, wie Claes Oldenburg, nutzten den Humor, um die Verbreitung von Bildern und die Massenproduktion zu analysieren.
Nicht alle Pop-Künstler bedienten sich einer distanzierten Ironie. Jim Dine verarbeitete seine eigenen persönlichen Erfahrungen und seine jüdische Identität. Insbesondere griff Dine auf seine Kindheitserinnerungen zurück, als er in der Eisenwarenhandlung seines Großvaters aufwuchs. Die Arbeiten in der Ausstellung spielen auf subtile Weise auf diese Erinnerungen an, indem sie das Senklot verwenden.
Für James Rosenquist konnte die Pop Art auch ein Mittel sein, um einen engen Freund zu ehren und zu betrauern. Die Gemälde in der Ausstellung verwenden Alltagsgegenstände, um Themen wie Leben, Tod und Freundschaft zu behandeln.
Künstler wie LeRoy Neiman schufen jedoch Pop Art in hellen und schönen Silhouetten, die die Farbe des Lebens in allen Formen feierten. Neiman zeichnete oft auf Sportereignisse und Figuren. Zu seinen Lebzeiten war Neiman einer der populärsten Künstler, was Warhol zu der Bemerkung veranlasste: "Ich möchte so erfolgreich sein wie Neiman." Warhol sah in Neiman einen Künstler, der den Publikumsgeschmack anzapfen konnte, um ein finanzieller Verkaufsschlager zu werden. Warhol hoffte sogar, dass seine Fotografien und Gemälde von Muhammad Ali so gut ankommen würden wie Neimans drei Meter hohes Gemälde der Boxlegende. Das Fehlen von Ironie oder Ernsthaftigkeit kann in der heutigen Welt ein Schock sein, aber die heitere Welt, die er mit seinen Gemälden schuf, erfüllt uns mit einem Optimismus, den die Pop Art oft hinterfragt hat.
EIN DEKADENTES JAHRZEHNT
Die Blütezeit der Pop Art lag zwar in den 1960er und 1970er Jahren, doch erst in den 1980er Jahren fand die Bewegung zu neuem Ausdruck. Dieses Jahrzehnt war geprägt von einem zügellosen Kapitalismus, der in einem Zitat aus dem Film "Wall Street" am besten zum Ausdruck kommt: "Gier, in Ermangelung eines besseren Wortes, ist gut."
Für Künstler wie Warhol war es eine Chance, jede Gelegenheit zu nutzen, um die Abgründe des freien Marktes und des Kommerzes zu erkunden. Die Ausstellung zeigt die Vielfalt von Warhols Vision durch seine Polaroids, Siebdrucke und sogar eine Zeichnung. Alles war käuflich, und Warhol stellte sicher, dass wir das wussten.
Die 80er Jahre waren jedoch nicht nur glamourös und glitzernd, und nicht alle Künstler haben die Exzesse dieser Zeit dargestellt. Die AIDS-Epidemie dezimierte Gemeinschaften und Leben; Künstler wie Masami Teraoka brachten die Emotionen und Sorgen durch die Kunst zum Ausdruck. Teraoka lässt sich von japanischen Ukiyo-e-Holzschnitten inspirieren. Die epigonale Natur der Drucke entspricht der Faszination der Pop Art für Massenproduktion und Konsum.
Indem er den japanischen Stil mit amerikanischen Ikonen mischte, fand Teraoka die Schnittstelle zwischen Humor und prägnantem sozialen Kommentar. Die 80er Jahre waren in den USA auch geprägt von einer vermeintlichen Welle der "Gelben Gefahr", insbesondere aus Japan. Mit Blick auf das Stigma von AIDS und die Überlagerung kultureller Identitäten berührte Teraokas Kunst der 80er Jahre sensible Themen mit Anmut und Witz.
Mehr über die Kunst und Künstler der 1980er Jahre erfahren Sie in unserer Ausstellung It Was Acceptable in the 80s.
ALLES MUSS RAUS
Sie wollen es? Es gehört dir! Das war ein Gefühl, das viele Pop-Künstler erforschten und oft ausnutzten. Wenn wir zu Warhol zurückkehren, sehen wir Artefakte der Objekte, die seine Fantasie beflügelten - eine Schachtel mit Süßigkeiten, Schuhe und sogar die stampfende Cabbage Patch Doll. Welcher andere Künstler könnte den Geist der amerikanischen Popkultur und des Konsumdenkens besser verkörpern als eine von Warhol fotografierte Cabbage Patch Doll? Sogar Warhols Zeichnung eines Ford-Autos (eine Anspielung auf seine Anfänge als Werbegrafiker) greift die Faszination der Nation für den Einzelhandel und das Marketing auf.
Im Gegensatz zu Warhols Fokus auf Glamour vertrat Keith Haring eine Vision von Pop Art, die von der Straße ausging und für jeden offen war. Warhol mag einen egalitären, wenn auch distanzierten Blick auf das Konsumverhalten in den USA gehabt haben, aber es war Haring, der gerechte Ideen in die Praxis umsetzte. Eines seiner besten Beispiele war vielleicht der Pop Shop. Wie Haring bemerkte:
Das ist die Philosophie hinter dem Pop Shop: Ich wollte dieselbe Art von Kommunikation wie bei den U-Bahn-Zeichnungen fortsetzen. Ich wollte dasselbe breite Spektrum an Menschen ansprechen, und ich wollte, dass es ein Ort ist, an den nicht nur Sammler kommen können, sondern auch Kinder aus der Bronx. Der wichtigste Punkt war, dass wir keine Dinge produzieren wollten, die die Kunst billig machen würden. Mit anderen Worten, es war immer noch ein Kunststatement.
Die Macht von Haring und seiner Philosophie war so groß, dass sogar Warhol ein enger Freund wurde und den Pop Shop unterstützte.
Während Warhol den Konsum reflektierte und Haring mit seinen Werken für eine gerechte Verteilung sorgte, machte Mel Ramos mit seinen Gemälden den Subtext zum Text. Ramos paart sinnliche Akte mit populären Werbeikonen und rekontextualisiert so die Rolle der Werbung und des Begehrens in Amerika. Die Verbreitung von Werbung in Verbindung mit den Akten schafft eine Umgebung von optischer Opulenz, in der sich der Betrachter an visuellen und geschmacklichen Fantasien erfreut.
Pop-Art-Künstler kontextualisierten und konfrontierten den Konsum und fanden in den oberflächlichen Werten des amerikanischen Kommerzes sowohl ungleiche als auch demokratisierende Merkmale. Der Massenkonsum und das damit verbundene Marketing haben eine ausgleichende, aber auch verflachende Wirkung. Warhol bemerkte kühl: "Eine Cola ist eine Cola, und kein Geldbetrag kann dir eine bessere Cola bringen als die, die der Penner an der Ecke trinkt. Alle Colas sind gleich und alle Colas sind gut. Liz Taylor weiß es, die Präsidentin weiß es, der Penner weiß es, und Sie wissen es."
"Mir tun die Leute wirklich leid, die Dinge wie Seifenschalen, Spiegel oder Colaflaschen hässlich finden, weil sie den ganzen Tag von solchen Dingen umgeben sind und es sie unglücklich machen muss." - Robert Rauschenberg
