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Subtile Opulenz

8. September 2021 - 31. August 2022
Palmwüste, CA

Über

Ist Minimalismus nur Nüchternheit? Eine kühle Distanziertheit? Oder können minimale Werke von Vitalität, Dynamik und Luxus erfüllt sein? Diese Online-Ausstellung zeigt anhand der umfangreichen Sammlung von Heather James Fine Art die Kraft und den Reichtum, der diese Werke umgibt. Obwohl nicht alle Werke in enger Verbindung mit den minimalistischen oder postminimalistischen Bewegungen der 1960er und 1970er Jahre stehen, sind sie sich in ihrer Konzentration auf Form, Farbe oder Textur einig. Der widersprüchliche Ausstellungstitel hebt die Strenge und das Erscheinungsbild hervor und beweist, dass es sich bei diesen Werken um Meditationen über die Üppigkeit der Materialität oder die tiefe Komplexität der Bedeutung handelt, die das Werk trägt. Indem wir die Werke in der Ausstellung untersuchen und uns ihnen öffnen, können wir die Üppigkeit dieser Kunstwerke schätzen, die sich uns offenbart.

Der Minimalismus entstand in den frühen 1960er Jahren aus der Farbfeldmalerei und dem abstrakten Expressionismus. Farbfeldmaler bemalten ungrundierte Leinwände, so dass die Farbe in das Gewebe eindringen konnte, was wunderschöne Farbflächen ergab. AbEx-Künstler wie Barnett Newman und Ad Reinhardt trieben die Malerei bis an ihre Grenzen. "Galaxy" ist ein Beispiel für Newmans strenge Leinwände, die dennoch tiefe Gefühle und Mystik vermitteln. Durch die sorgfältige Auswahl von Farben, Schattierungen und Kompositionen vermittelt Newman eine unmittelbare sensorische Wirkung. Dieser Fokus außerhalb des Themas sollte spätere Minimalisten und Post-Minimalisten prägen.

Newman wird oft als Wegbereiter der zweiten Welle von Farbfeldmalern genannt, und mit Newman in der Ausstellung können wir die Fäden der Geschichte von Newman zu Jules Olitski und Kenneth Noland und sogar zu Postminimalisten wie Richard Tuttle sehen.

Ad Reinhardts berühmte schwarze Bilder waren die Krönung des "ultimativen" Gemäldes. Was das Gemälde braucht, ist eine der seltensten Eigenschaften - Zeit. Bei näherem Hinsehen offenbart die Leinwand tiefe, satte Violett-, Blau- und Grüntöne. Reinhardt bringt uns an den Rand der absoluten Abstraktion und der Reinheit, die durch die Schichtung von Tonalitäten entsteht.

Wie können wir Barnett Newman neben Ad Reinhardt betrachten? Beide suchten nach einer Malerei jenseits der Malerei, d. h. jenseits früherer amerikanischer und europäischer Bewegungen wie Kubismus oder Surrealismus. Und doch hatten beide eine antagonistische Sicht auf den jeweils anderen. Wenn wir diese Werke zusammenbringen, können wir sowohl die Gemeinsamkeiten als auch die Unterschiede in ihren Ansätzen erkennen - eine seltene Gelegenheit.

Der Kunstkritiker Clement Greenberg ordnete Kenneth Noland der "Post-Painterly Abstraction" zu. Inspiriert von Helen Frankenthaler und Morris Louis und an deren Seite arbeitend, nutzte Noland einfache geometrische Formen - konzentrische Kreise, Streifen und Chevrons - um eine visuelle Farbsprache zu entwickeln. Noland benutzte diese Formen nicht als Symbole oder Darstellungen, sondern als Werkzeuge zur Untersuchung von Farbe. Wie verhält sich eine Farbe zu einer anderen? Wie verändert sie sich in verschiedenen Anordnungen? Welches Verhältnis besteht zwischen Farbe und Leinwand, zwischen Betrachter und Gemälde? Wie Reinhardt schaut der Betrachter nicht nur auf oder in das Gemälde, sondern lebt mit ihm zusammen, da es denselben physischen und konzeptionellen Raum einnimmt. Je länger der Betrachter das Werk betrachtet, desto mehr kann er die Feinheiten der Farbe und der Farbqualität wahrnehmen.

Adolph Gottliebs Werke bewegen sich auf der Grenze zwischen der Dynamik des Action Painting (einem anderen Zweig des Abstrakten Expressionismus) und dem Color Field. Zu den anderen Farbfeldkünstlern, die aus Gottlieb und Newman hervorgingen, gehören Paul Jenkins und Jules Olitski. Weitere Informationen zu diesen Künstlern finden Sie in unseren Ausstellungen "Paul Jenkins: Coloring the Phenomenal" und "Jewish Modernism: Teil 1".

Sadamasa Motonaga, ein Mitglied der Gutai Art Association, goss zur gleichen Zeit in Japan Farbe auf die Leinwand; er genoss die freie Bewegung der Farbe und die Vermischung der Farben. Trotz der Einfachheit der Oberfläche entsteht durch das Mischen und die flüssige Qualität der Farben ein Werk voller Freude und Energie, eine Auseinandersetzung mit der Qualität der Materialien selbst jenseits der visuellen Darstellung. Die Werke in der Ausstellung demonstrieren die Bandbreite, mit der Motonaga die Farbe manipulieren konnte, und die vielfältigen Möglichkeiten, die die Farbe hervorbringen kann.

Als eine der hermetischsten Künstlerinnen der Ausstellung gilt Agnes Martin als eine der wichtigsten und einflussreichsten amerikanischen Künstlerinnen. Martin begann ihre Karriere ursprünglich in New York, doch ein Umzug nach New Mexico veränderte ihren Ansatz. Die Umgebung der Wüste und die Wirkung des Lichts durchdrangen ihre Leinwände. Ihre Gemälde sind widerstandsfähige Studien von Komplexitäten. Sie sind gleichzeitig stille Meditationen von Linie und Farbe, undurchsichtige Untersuchungen des Lebens und der Natur und Totems einer einzigartigen künstlerischen Vision. In diesem Werk hat Martin ihre Acrylfarbe so verdünnt, dass sie sich mit dem Gesso ihrer Leinwand vermischt, so dass die Farben das Licht gleichermaßen absorbieren und reflektieren. Bei ihrer restriktiven Farbpalette geht es nicht so sehr um Farbe, sondern um die Wirkung von Licht. Dieses Gemälde und Martins Gesamtwerk sind ein Knotenpunkt zwischen Minimalismus und der Farbfeldschule des Abstrakten Expressionismus. Der Betrachter tritt beim Betrachten des Gemäldes in ein Gespräch mit dem Werk, mit Martin und mit der Umgebung.

In allen Werken der Ausstellung verfolgt der Künstler die Strenge entweder weiter, verwandelt sie oder stellt sie in Frage, um Werke von intensiver, großartiger Bedeutung zu entwickeln. Diese Gemälde und Künstler halten das Publikum nicht auf Distanz, sondern laden zu längeren Betrachtungen und zur Meditation ein. Die Materialität der Farbe wird hervorgehoben, und die einfache Geometrie wird zu einem Fest. Diese Gemälde sind reich an Konzept und Bedeutung. Die Opulenz geht über den materiellen Reichtum hinaus zu einem emotionalen, philosophischen und poetischen Reichtum.

Kunstwerk