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Vorgeführte Kunst

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Am 15. Mai 1886 wurde ein visuelles Manifest für eine neue Kunstbewegung geboren, als Georges Seurats krönendes Werk, Ein Sonntagnachmittag auf der Insel La Grande Jatte, auf der Achten Impressionisten-Ausstellung enthüllt wurde. Seurat kann für sich in Anspruch nehmen, der ursprüngliche "wissenschaftliche Impressionist" zu sein, der in einer Weise arbeitete, die später als Pointillismus oder Divisionismus bekannt wurde. Es war jedoch sein Freund und Vertrauter, der 24-jährige Paul Signac, und ihr ständiger Dialog, der zu einer Zusammenarbeit führte, um die Physik des Lichts und der Farbe zu verstehen und den daraus entstandenen Stil zu entwickeln. Signac war ein ungeschulter, aber äußerst talentierter impressionistischer Maler, dessen Temperament perfekt zu der Strenge und Disziplin passte, die für die mühsame Pinselführung und Farbgebung erforderlich waren. Signac eignete sich die Technik schnell an. Er war auch Zeuge von Seurats mühsamer zweijähriger Reise, auf der er unzählige Schichten unvermischter Farbpunkte auf dem kolossal großen La Grande Jatte aufbaute. Gemeinsam waren Signac, der forsche, extrovertierte Künstler, und Seurat, der verschlossene, introvertierte Künstler, im Begriff, den Impressionismus zu untergraben und den Lauf der modernen Kunst zu verändern.

Les Andelys. L'Île à Lucas

25 1/4 x 17 7/8 Zoll.

Öl auf Leinwand

Led by a triumvirate of painters of the American Scene, Thomas Hart Benton, John Steuart Curry, and Grant Wood took on the task of exploring, defining, and celebrating the Midwest as a credible entity within the geographical, political, and mythological landscape of the United States. Their populist works were figurative and narrative-driven, and they gained widespread popularity among a Depression-weary American public. The landscapes Grant Wood painted, and the lithographs marketed by Associated American Artists were comforting reminders of traditional Midwestern values and the simplicity of country life. Yet, Wood's most iconic works, including American Gothic, were to be viewed through the lens of elusive narratives and witty ironies that reflect an artist who delighted in sharing his charming and humorous perspective on farm life. <br><br>In 1930, Wood achieved national fame and recognition with American Gothic, a fictionalized depiction of his sister, Nan, and his family dentist. Frequently regarded as the most famous American painting of the twentieth century, to fully grasp American Gothic's essential nature, one must recognize Wood's profound connection to his Iowan roots, a bond that borders on a singular fixation and the often-brutal confrontation between the moral and cultural rigidity of Midwest isolationism and the standards that prevailed elsewhere in America. This war of values and morality became dominant throughout Wood's oeuvre. Their fascination with American Gothic may have mystified the public, but the story, told in the attitude of a farmer and his wife, is as lean and brittle as the pitchfork he carries. Their attitude, as defiant as it is confrontational, is an unflinching dare to uppity gallery-goers to judge their immaculate well-scrubbed farm. American Gothic became an overnight sensation, an ambiguous national icon often interpreted as a self-effacing parody of midwestern life. Yet it also served as an unflinching mirror to urban elite attitudes and their often-derisive view of heartland values and way of life. In Grant Wood's hands, the people of the Midwest have stiffened and soured, their rectitude implacable.<br> <br>Portrait of Nan is Grant Wood's most intimate work. He may have been motivated to paint it to make amends for the significant scrutiny and harsh treatment his sister received as American Gothic's sternly posed female. Grant poured his heart into it as a sign of sibling love. Intent upon painting her as straightforward and simply as possible so as not to invite unintended interpretations, Wood's deep attachment to the portrait was significant enough for him to think of it as having irreplaceable value. When he moved from Cedar Rapids to Iowa City in 1935, he designed his entire living room around the work. It occupied the place of honor above the fireplace and was the only painting he refused to sell. <br> <br>The lithograph July Fifteenth, issued in 1938, proves his mystical vision of the Iowan heartland is anything but a pitchfork approach. Drawings assumed central importance in Wood's output, and this work is executed in meticulous detail, proving his drawings were at least as complex, if not more so, than his paintings. The surface of the present work takes on an elaborate, decorative rhythm, echoed throughout the land that is soft, verdant, and fertile. Structurally, it alludes in equal measure to the geometry of modern art and the decorative patterning of folk-art traditions. This is a magical place, a fulsome display of an idealized version of an eternal, lovely, and benign heartland. <br><br>The Young Artist, an en plein air sketch, may have been produced during, or slightly after, what Wood called his "palette-knife stage" that consumed him in 1925. Having not yet traveled to Munich where, in 1928, he worked on a stain-glass window commission and came under the influence of the Northern Renaissance painters that sparked his interest in the compositional severity and detailed technique associated with his mature works, here, he worked quickly, and decisively. The view is from a hilltop at Kenwood Park that overlooks the Cedar River Valley near Cedar Rapids, where he built a house for his sister, Nan.

Porträt von Nan

35 1/2 x 29 1/2 x 1 Zoll.

Öl auf Masonit

Cottonwood Tree (Near Abiquiu), New Mexico (1943) by celebrated American artist Georgia O’Keeffe is exemplary of the airier, more naturalistic style that the desert inspired in her. O’Keeffe had great affinity for the distinctive beauty of the Southwest, and made her home there among the spindly trees, dramatic vistas, and bleached animal skulls that she so frequently painted. O’Keeffe took up residence at Ghost Ranch, a dude ranch twelve miles outside of the village of Abiquiú in northern New Mexico and painted this cottonwood tree around there. The softer style befitting this subject is a departure from her bold architectural landscapes and jewel-toned flowers.<br><br>The cottonwood tree is abstracted into soft patches of verdant greens through which more delineated branches are seen, spiraling in space against pockets of blue sky. The modeling of the trunk and delicate energy in the leaves carry forward past experimentations with the regional trees of the Northeast that had captivated O’Keeffe years earlier: maples, chestnuts, cedars, and poplars, among others. Two dramatic canvases from 1924, Autumn Trees, The Maple and The Chestnut Grey, are early instances of lyrical and resolute centrality, respectively. As seen in these early tree paintings, O’Keeffe exaggerated the sensibility of her subject with color and form.<br><br>In her 1974 book, O’Keeffe explained: “The meaning of a word— to me— is not as exact as the meaning of a color. Color and shapes make a more definite statement than words.” Her exacting, expressive color intrigued. The Precisionist painter Charles Demuth described how, in O’Keeffe’s work, “each color almost regains the fun it must have felt within itself on forming the first rainbow” (As quoted in C. Eldridge, Georgia O’Keeffe, New York, 1991, p. 33). As well, congruities between forms knit together her oeuvre. Subjects like hills and petals undulate alike, while antlers, trees, and tributaries correspond in their branching morphology.<br><br>The sinewy contours and gradated hues characteristic of O’Keeffe find an incredible range across decades of her tree paintings. In New Mexico, O’Keeffe returned to the cottonwood motif many times, and the seasonality of this desert tree inspired many forms. The vernal thrill of new growth was channeled into spiraling compositions like Spring Tree No.1 (1945). Then, cottonwood trees turned a vivid autumnal yellow provided a breathtaking compliment to the blue backdrop of Mount Pedernal. The ossified curves of Dead Cottonweed Tree (1943) contain dramatic pools of light and dark, providing a foil to the warm, breathing quality of this painting, Cottonwood Tree (Near Abiquiu). The aural quality of this feathered cottonwood compels a feeling guided by O’Keeffe’s use of form of color.

GEORGIA O'KEEFFE

Cottonwood Tree (bei Abiquiu), New Mexico

Öl auf Leinwand

<br>In Diego Rivera’s portrait of Enriqueta Dávila, the artist asserts a Mexicanidad, a quality of Mexican-ness, in the work along with his strong feelings towards the sitter. Moreover, this painting is unique amongst his portraiture in its use of symbolism, giving us a strong if opaque picture of the relationship between artist and sitter.<br><br>Enriqueta, a descendent of the prominent Goldbaum family, was married to the theater entrepreneur, José María Dávila. The two were close friends with Rivera, and the artist initially requested to paint Enriqueta’s portrait. Enriqueta found the request unconventional and relented on the condition that Rivera paints her daughter, Enriqueta “Quetita”. Rivera captures the spirit of the mother through the use of duality in different sections of the painting, from the floorboards to her hands, and even the flowers. Why the split in the horizon of the floorboard? Why the prominent cross while Enriqueta’s family is Jewish? Even her pose is interesting, showcasing a woman in control of her own power, highlighted by her hand on her hip which Rivera referred to as a claw, further complicating our understanding of her stature.<br><br>This use of flowers, along with her “rebozo” or shawl, asserts a Mexican identity. Rivera was adept at including and centering flowers in his works which became a kind of signature device. The flowers show bromeliads and roselles; the former is epiphytic and the latter known as flor de jamaica and often used in hibiscus tea and aguas frescas. There is a tension then between these two flowers, emphasizing the complicated relationship between Enriqueta and Rivera. On the one hand, Rivera demonstrates both his and the sitter’s Mexican identity despite the foreign root of Enriqueta’s family but there may be more pointed meaning revealing Rivera’s feelings to the subject. The flowers, as they often do in still life paintings, may also refer to the fleeting nature of life and beauty. The portrait for her daughter shares some similarities from the use of shawl and flowers, but through simple changes in gestures and type and placement of flowers, Rivera illuminates a stronger personality in Enriqueta and a more dynamic relationship as filtered through his lens.<br><br>A closer examination of even her clothing reveals profound meaning. Instead of a dress more in line for a socialite, Rivera has Enriqueta in a regional dress from Jalisco, emphasizing both of their Mexican identities. On the other hand, her coral jewelry, repeated in the color of her shoes, hints at multiple meanings from foreignness and exoticism to protection and vitality. From Ancient Egypt to Classical Rome to today, coral has been used for jewelry and to have been believed to have properties both real and symbolic. Coral jewelry is seen in Renaissance paintings indicating the vitality and purity of woman or as a protective amulet for infants. It is also used as a reminder, when paired with the infant Jesus, of his future sacrifice. Diego’s use of coral recalls these Renaissance portraits, supported by the plain background of the painting and the ribbon indicating the maker and date similar to Old Master works.<br><br>When combined in the portrait of Enriqueta, we get a layered and tense building of symbolism. Rivera both emphasizes her Mexican identity but also her foreign roots. He symbolizes her beauty and vitality but look closely at half of her face and it is as if Rivera has painted his own features onto hers. The richness of symbolism hints at the complex relationship between artist and sitter.

Porträt von Enriqueta G. Dávila

79 1/8 x 48 3/8 in.

Öl auf Leinwand

Laut dem vom Brandywine River Museum of Art zusammengestellten Werkverzeichnis wurde die Vorzeichnung für Puritan Cod Fishers von N. C. Wyeth vor seinem Tod im Oktober 1945 fertiggestellt. Der Eintrag enthält eine Abbildung der Skizze sowie die Inschriften des Künstlers und den Titel Puritan Cod Fishers, der im Katalog als "alternativ" bezeichnet wird. In jedem Fall handelt es sich bei der großformatigen Leinwand um ein einzigartiges Werk, das, wie Andrew Wyeth sich später erinnerte, ausschließlich von seiner Hand gemalt wurde, eine abgegrenzte Zusammenarbeit von Entwurf und Komposition des Vaters, die von einem bemerkenswerten Sohn in die Tat umgesetzt wurde. Für Andrew Wyeth muss es eine tief empfundene und emotionale Erfahrung gewesen sein. Angesichts der Detailtreue und Authentizität seines Vaters stellen die Linien des kleinen Segelschiffs eine Schaluppe dar, wie sie im 16. Jahrhundert verwendet wurde. Jahrhundert gebräuchlich war. Andererseits hat Andrew die Farbtöne der unruhigen See wahrscheinlich stärker vertieft, als es sein Vater getan hätte - eine Wahl, die die Gefährlichkeit der Aufgabe angemessen unterstreicht.

Andrew Wyeth & N. C. Wyeth

Puritanische Kabeljaufischer

108 1/2 x 157 1/2 Zoll.

Öl auf Leinwand

WILLEM DE KOONING - Frau in einem Ruderboot - Öl auf Papier auf Masonit gelegt - 47 1/2 x 36 1/4 in.

WILLEM DE KOONING

Frau in einem Ruderboot

47 1/2 x 36 1/4 Zoll.

Öl auf Papier, aufgelegt auf Masonit

MARK ROTHKO - Ohne Titel (Braun und Schwarz) - Acryl auf Papier auf Karton montiert - 33 1/4 x 25 3/4 Zoll.

Ohne Titel (Braun und Schwarz)

33 1/4 x 25 3/4 Zoll.

Acryl auf Papier auf Karton montiert

TOM WESSELMANN - Smoker No. 21 - Öl auf geformter Leinwand - 74 1/2 x 67 1/2 Zoll.

74 1/2 x 67 1/2 Zoll.

Öl auf geformter Leinwand

VINCENT VAN GOGH - Die neue Kirche und die alten Häuser in Den Haag - Öl auf Leinwand - 13 5/8 x 9 3/4 Zoll.

VINCENT VAN GOGH

Die neue Kirche und die alten Häuser in Den Haag

13 5/8 x 9 3/4 Zoll.

Öl auf Leinwand auf Paneel

In 1955, Sir John Rothenstein, representing the Trustees of the Tate Museum, approached Winston Churchill about donating one of his paintings "as a gift to the nation." Churchill was flattered, but felt he did not deserve such an honor as an artist. Eventually, Churchill agreed and sent two candidate paintings to the Tate – On the Rance and Loup River. No record exists regarding his own thoughts on the works he submitted, but one can safely say that Churchill thought highly of On the Rance, especially since it was not one of the paintings Rothenstein identified as a strong option. Loup River, which clearly matched Rothenstein's taste, was selected. Not only was On the Rance not returned, but somehow it ended up, without any inventory record, in a basement storeroom at the Tate. In the storeroom it sat for almost a half century, when it was discovered by an intern. The Churchill family was notified and eventually the painting was auctioned in June 2005, where it set a new auction record for Churchill's work, despite the lot notes hardly touching on the Tate’s possible acquisition. In a letter to the buyers, Churchill’s daughter, Lady Soames, summarized what had occurred in somewhat more detail.<br><br>St. Malo is a walled city in Brittany, France on the coast of the English Channel. The city was nearly destroyed by bombings during WWII.

SIR WINSTON CHURCHILL

An der Rance, in der Nähe von St. Malo (C 520)

Öl auf Leinwand

Between Île-de-France and Burgundy and on the edge of the Fontainebleau Forest lies the medieval village of Moret-sur-Loing, established in the 12th century. When Alfred Sisley described its character to Monet in a letter dated 31 August 1881 as “a chocolate-box landscape…” he meant it as a memento of enticement; that its keep, the ramparts, the church, the fortified gates, and the ornate facades nestled along the river were, for a painter, a setting of unmatched charm. An ancient church, always the most striking townscape feature along the Seine Valley, would be a presence in Sisley’s townscape views as it was for Corot, and for Monet at Vétheuil. But unlike Monet whose thirty views of Rouen Cathedral were executed so he could trace the play of light and shadow across the cathedral façade and capture the ephemeral nature of moment-to-moment changes of light and atmosphere, Sisley set out to affirm the permanent nature of the church of Notre-Dame at Moret-sur-Loing. Monet’s sole concern was air and light, and Sisley’s appears to be an homage keepsake. The painting exudes respect for the original architects and builders of a structure so impregnable and resolute, it stood then as it did in those medieval times, and which for us, stands today, as it will, for time immemorial.<br><br>Nevertheless, Sisley strived to show the changing appearance of the motif through a series of atmospheric changes. He gave the works titles such as “In Sunshine”, “Under Frost”, and “In Rain” and exhibited them as a group at the Salon du Champ-de-Mars in 1894, factors that suggest he thought of them as serial interpretations. Nevertheless, unlike Monet’s work, l’église de Moret, le Soir reveals that Sisley chose to display the motif within a spatial context that accentuates its compositional attributes — the plunging perspective of the narrow street at left, the strong diagonal recession of the building lines as a counterbalance to the right, and the imposing weight of the stony building above the line of sight.

L'Église de Moret, le Soir

31 1/4 x 39 1/2 Zoll.

Trained as a woodcarver, Emil Nolde was almost 30 years old before he made his first paintings. The early paintings resembled his drawings and woodcuts: grotesque figures with bold lines and strong contrasts. The style was new, and it inspired the nascent movement Die Brücke (The Bridge), whose members invited Nolde to join them in 1906. But, it was not until the garden became his locus operandi by 1915 that he built upon his mastery of contrasting luminosities to focus on color as the supreme means of expression. Later, Nolde claimed “color is strength, strength is life,” and he could not have better characterized why his flower paintings reinvigorate our perception of color.<br><br>Much of the strength of Nolde’s dramatic, Wagnerian-like color sensibilities is the effect of staging primary colors, such as the deep reds and golden yellows of Sonnenblumen, Abend II, against a somber palette. The contrast highlights and deepens the luminosity of the flowers, not just visually, but emotionally as well. In 1937, when Nolde’s art was rejected, confiscated, and defiled, his paintings were paraded as “degenerate art” throughout Nazi Germany in dimly lit galleries. Despite that treatment, Nolde’s status as a degenerate artist gave his art more breathing space because he seized the opportunity to produce more than 1,300 watercolors, which he called “unpainted pictures.” No novice in handling watercolor, his free-flowing style of painting had been a hallmark of his highly-charge, transparent washes since 1918. Sonnenblumen, Abend II, painted in 1944, is a rare wartime oil. He let his imagination run wild with this work, and his utilization of wet-on-wet techniques heightened the drama of each petal.<br><br>Nolde’s intense preoccupation with color and flowers, particularly sunflowers, reflects his continuing devotion to van Gogh. He was aware of van Gogh as early as 1899 and, during the 1920s and early 1930s, visited several exhibitions of the Dutch artist’s work. They shared a profound love of nature. Nolde’s dedication to expression and the symbolic use of color found fullness in the sunflower subject, and it became a personal symbol for him, as it did for Van Gogh.

Sonnenblumen, Abend II

26 1/2 x 35 3/8 Zoll.

Öl auf Leinwand

Widely recognized as one of the most consequential artists of our time, Gerhard Richters career now rivals that of Picasso's in terms of productivity and genius. The multi-faceted subject matter, ranging from slightly out-of-focus photographic oil paintings to Kelly-esque grid paintings to his "squeegee" works, Richter never settles for repeating the same thought- but is constantly evolving his vision. Richter has been honored by significant retrospective exhibitions, including the pivotal 2002 show, "Gerhard Richter: Forty Years of Painting," at the Museum of Modern Art, New York. <br><br>"Abstraktes Bild 758-2" (1992) comes from a purely abstract period in Richter's work- where the message is conveyed using a truly physical painting style, where applied paint layers are distorted with a wooden "Squeegee" tool. Essentially, Richter is sculpting the layers of paint, revealing the underlayers and their unique color combinations; there is a degree of "art by chance". If the painting does not work, Richter will move on- a method pioneered by Jackson Pollock decades earlier. <br><br>Richter is included in prominent museums and collections worldwide, including the Tate, London, The Museum of Modern Art, New York, and the San Francisco Museum of Modern Art, among many others.

GERHARD RICHTER

Abstraktes Bild 758-2

24 1/2 x 32 1/4 Zoll.

Öl auf Leinwand

In den frühen 1870er Jahren malte Winslow Homer häufig Szenen des Landlebens in der Nähe eines kleinen Bauerndorfes, das seit Generationen für seine bemerkenswerten Weizenbestände bekannt ist und zwischen dem Hudson River und den Catskills im Bundesstaat New York liegt. Heute ist Hurley weitaus bekannter als Inspiration für eines von Homers größten Werken, Snap the Whip, das im Sommer 1872 entstand. Unter den vielen anderen Gemälden, die von der Region inspiriert wurden, ist Girl Standing in the Wheatfield reich an Gefühlen, aber nicht übermäßig sentimental. Es steht in direktem Zusammenhang mit einer 1866 in Frankreich gemalten Studie mit dem Titel In the Wheatfields und einem weiteren Gemälde, das er im Jahr darauf nach seiner Rückkehr nach Amerika malte. Aber auf dieses Bild wäre Homer zweifellos am stolzesten gewesen. Es ist ein Porträt, eine Kostümstudie, ein Genrebild in der großen Tradition der europäischen Pastoralmalerei und eine dramatisch beleuchtete, stimmungsvolle Tour de Force, durchdrungen vom schnell schwindenden Licht der Abenddämmerung, aufgelockert durch zarte, blumige Noten und einen Hauch von Weizenähren. Im Jahr 1874 schickte Homer vier Gemälde zur Ausstellung der National Academy of Design. Eines trug den Titel "Mädchen". Könnte es sich nicht um dieses Gemälde handeln?

Im Weizenfeld (Girl Standing in a Wheat Field)

21 3/4 x 13 1/2 Zoll.

Öl auf Leinwand

Emerging at the end of the Gilded Age, N.C. Wyeth was one of the most important American artists and illustrators. His paintings and illustrations brought life to classic literature from Treasure Island to The Boy’s King Arthur and more. He is most remembered for his ability to capture crucial moments in narratives, fleshing out just a few words into a visual representation of deep drama and tension. Patriarch of the Wyeth artistic dynasty which includes his son Andrew and grandson Jamie, his influence touched future illustrators and artists.<br><br>Perhaps his most important legacy is how he shaped American imagination – of America itself and of wild possibilities. Wyeth’s powerful paintings gave life to many of the stories America told of itself. His early paintings captured life of the American West and some of his most beloved illustrations were for novels such as The Last of the Mohicans or short stories like “Rip Van Winkle”. Despite this success, Wyeth struggled with the commercialism of illustrations and advertisements, seeking his work to be accepted as fine art. Throughout his career, he experimented with different styles shifting from Impressionism to Divisionism to Regionalism.<br><br>N.C. Wyeth produced over 3,000 paintings and illustrated 112 books. His illustrations for the publisher Charles Scribner’s Sons were so popular they became known as Scribner’s Classics and remain in print to this day.<br><br>This quietly powerful painting of a Native American forms part of a quartet of paintings, inspired by and a metaphor for the four seasons. The paintings were used to illustrate George T. Marsh’s set of poems “The Moods”. Wyeth recognized that the series came at a crucial moment in his career in which the paintings go beyond realism to capture atmosphere and mood, an internal world of emotion made external. He even contemplated and attempted to write his own poems based on these paintings.<br> <br><br>Summer, Hush is a striking example of Wyeth pulling from his imagination and melding it with careful observation of nature. As noted in a letter to his mother, Wyeth combined the fictional subject with natural effects as in the sky. Native Americans were a subject he returned to numerous times; these paintings reflect not only Wyeth’s fascination but also of America. As observed by art historian Krstine Ronan, Wyeth was part of a larger dialogue that developed around Native Americans, cementing a general Native American culture in the imagination of the United States. Thus, the painting operates on numerous levels simultaneously. How do we relate to this painting and its conception of the four seasons? How do we interpret Wyeth’s depiction of a Native American? What role do Native Americans play in America’s imagination?<br><br>We must also not forget that these works were first used to illustrate the poems of George T. Marsh. Marsh, a poet born in New York who often also wrote of the Canadian wilderness, provides subtle evocations of the seasons hinted at in the series title “The Moods”. This painting was used alongside “Hush,” which ends:<br><br>Are they runes of summers perished<br><br>That the fisher hears –and ceases—<br><br>Or the voice of one he cherished.<br><br>Within these few lines, Wyeth gives us a thoughtful and restrained painting that stirs from within. The poem and the painting avoid obvious clichés to represent the seasons. They develop a profound interpretation filled with sensitivity.<br><br>These paintings were important to Wyeth who hoped that “they may suggest to some architect the idea that such decorations would be appropriate in a library or capitol or some public building.” Summer, Hush demonstrates Wyeth’s control of color and composition so that small touches such as the ripples of water or the towering cloud that envelopes the figure are in service to sketch out the feeling of summer and of the poem. Through exploring this rich and complex painting, we are better able to appreciate NC Wyeth as an artist and the role this specific painting plays in the context of art history.

Sommer. "Schweigen"

33 3/4 x 30 1/4 Zoll.

Öl auf Leinwand

The frame of reference for Irish American Sean Scully’s signature blocks and stripes is vast. From Malevich’s central premise that geometry can provide the means for universal understanding to Rothko’s impassioned approach to color and rendering of the dramatic sublime, Scully learned how to condense the splendor of the natural world into simple modes of color, light, and composition. Born in Dublin in 1945 and London-raised, Scully was well-schooled in figurative drawing when he decided to catch the spirit of his lodestar, Henri Matisse, by visiting Morocco in 1969. He was captivated by the dazzling tessellated mosaics and richly dyed fabrics and began to paint grids and stipes of color. Subsequent adventures provided further inspiration as the play of intense light on the reflective surfaces of Mayan ruins and the ancient slabs of stone at Stonehenge brought the sensation of light, space, and geometric movement to Scully’s paintings. The ability to trace the impact of Scully’s travels throughout his paintings reaffirms the value of abstract art as a touchstone for real-life experience.<br><br><br>Painted in rich, deep hues and layered, nuanced surfaces, Grey Red is both poetic and full of muscular formalism. Scully appropriately refers to these elemental forms as ‘bricks,’ suggesting the formal calculations of an architect. As he explained, “these relationships that I see in the street doorways, in windows between buildings, and in the traces of structures that were once full of life, I take for my work. I use these colors and forms and put them together in a way that perhaps reminds you of something, though you’re not sure of that” (David Carrier, Sean Scully, 2004, pg. 98). His approach is organic, less formulaic; intuitive painter’s choices are layering one color upon another so that contrasting hues and colors vibrate with subliminal energy. Diebenkorn comes to mind in his pursuit of radiant light. But here, the radiant bands of terracotta red, gray, taupe, and black of Grey Red resonate with deep, smoldering energy and evoke far more affecting passion than you would think it could impart. As his good friend, Bono wrote, “Sean approaches the canvas like a kickboxer, a plasterer, a builder. The quality of painting screams of a life being lived.”

Öl auf Aluminium

Die Welt von Marc Chagall lässt sich nicht eindämmen oder begrenzen durch die Etiketten, die wir ihr anheften. Es ist eine Welt der Bilder und Bedeutungen, die ihren eigenen, herrlich mystischen Diskurs bilden. Les Mariés sous le baldaquin (Die Braut und der Bräutigam unter dem Baldachin) entstand zu Beginn des 90. Lebensjahres des Künstlers, eines Mannes, der Tragödien und Kämpfe erlebt hatte, der aber nie die Momente der Freude im Leben vergaß. Hier werden uns die träumerischen Freuden einer russischen Dorfhochzeit mit ihren Arrangements aus altgedienten Teilnehmern mit so viel fröhlichem Witz und heiterer Unschuld vor Augen geführt, dass man sich ihrem Charme nicht entziehen kann. Durch die Verwendung einer goldfarbenen Emulsion, die eine Kombination aus Öl und opaker Gouache auf Wasserbasis darstellt, wird die Wärme, das Glück und der Optimismus von Chagalls üblichem Positivismus in einen leuchtenden Glanz gehüllt, der an den Einfluss von religiösen Ikonen mit Blattgold oder an die Malerei der Frührenaissance erinnert, die den Eindruck von göttlichem Licht oder spiritueller Erleuchtung vermitteln wollte. Die Kombination von Öl und Gouache kann eine Herausforderung sein. Aber hier, in Les Mariés sous le baldaquin, setzt Chagall sie ein, um der Szene eine jenseitige Qualität zu verleihen, fast so, als ob sie sich vor seinem geistigen Auge materialisiert hätte. Die zarte Textur erweckt den Eindruck, dass das Licht vom Werk selbst ausgeht, und verleiht den im Himmel schwebenden Figuren eine gespenstische Qualität.

Die Eheleute unter dem Baldachin

23 1/2 x 31 7/8 Zoll.

Öl und Gouache auf Leinwand

Shortly after arriving in Paris by April 1912, Marsden Hartley received an invitation. It had come from Gertrude Stein and what he saw at her 27 rue de Fleurus flat stunned him. Despite his presumptions and preparedness, “I had to get used to so much of everything all at once…a room full of staggering pictures, a room full of strangers and two remarkable looking women, Alice and Gertrude Stein…I went often I think after that on Saturday evenings — always thinking, in my reserved New England tone, ‘ how do people do things like that — let everyone in off the street to look at their pictures?… So one got to see a vast array of astounding pictures — all burning with life and new ideas — and as strange as the ideas seemed to be — all of them terrifically stimulating — a new kind of words for an old theme.” (Susan Elizabeth Ryan, The Autobiography of Marsden Hartley, pg. 77)<br><br>The repeated visits had a profound effect. Later that year, Hartley was clearly disappointed when Arthur B. Davies and Walt Kuhn chose two of his still-life paintings for the upcoming New York Armory show in February 1913. “He (Kuhn) speaks highly of them (but) I would not have chosen them myself chiefly because I am so interested at this time in the directly abstract things of the present. But Davies says that no American has done this kind of thing and they would (not) serve me and the exhibition best at this time.” (Correspondence, Marsden Hartley to Alfred Stieglitz, early November 1912) A month later, he announced his departure from formal representationalism in “favor of intuitive abstraction…a variety of expression I find to be closest to my temperament and ideals. It is not like anything here. It is not like Picasso, it is not like Kandinsky, not like any cubism. For want of a better name, subliminal or cosmic cubism.” (Correspondence, Marsden Hartley to Alfred Stieglitz, December 1912)<br><br>At the time, Hartley consumed Wassily Kandinsky’s recently published treatise Uber das Geistige in der Kunst (The Art of Spiritual Harmony) and Stieglitz followed the artist’s thoughts with great interest. For certain, they both embraced musical analogy as an opportunity for establishing a new visual language of abstraction. Their shared interest in the synergetic effects of music and art can be traced to at least 1909 when Hartley exhibited landscape paintings of Maine under titles such as “Songs of Autumn” and “Songs of Winter” at the 291 Gallery. The gravity of Hartley’s response to the treatise likely sparked Stieglitz’s determination to purchase Kandinsky’s seminal painting Improvisation no. 27 (Garden of Love II) at the Armory Show. As for Hartley, he announced to his niece his conviction that an aural/vision synesthetic pairing of art and music was a way forward for modern art. “Did you ever hear of anyone trying to paint music — or the equivalent of sound in color?…there is only one artist in Europe working on it (Wassily Kandinsky) and he is a pure theorist and his work is quite without feeling — whereas I work wholly from intuition and the subliminal.” (D. Cassidy, Painting the Musical City: Jazz and Cultural Identity in American Art, Washington, D.C., pg. 6)<br><br>In Paris, during 1912 and 1913 Hartley was inspired to create a series of six musically themed oil paintings, the first of which, Bach Preludes et Fugues, no. 1 (Musical Theme), incorporates strong Cubist elements as well as Kandinsky’s essential spirituality and synesthesia. Here, incorporating both elements seems particularly appropriate. Whereas Kandinsky’s concepts were inspired by Arnold Schoenberg’s twelve-tone method of composition whereby no note could be reused until the other eleven had been played, Hartley chose Bach’s highly structured, rigorously controlled twenty-four Preludes and Fugues from his Well-Tempered Clavier, each of which establishes an absolute tonality. The towering grid of Bach Preludes et Fugues, no. 1 suggests the formal structure of an organ, its pipes ever-rising under a high, vaulted church ceiling to which Hartley extends an invitation to stand within the lower portion of the picture plane amongst the triangular and circular ‘sound tesserae’ and absorb its essential sonority and deeply reverberating sound. All of it is cast with gradients of color that conjures an impression of Cézanne’s conceptual approach rather than Picasso’s, Analytic Cubism. Yet Bach Preludes et Fugues, no. 1, in its entirety suggests the formal structural of Picasso’s Maisons à Horta (Houses on the Hill, Horta de Ebro), one of the many Picasso paintings Gertrude Stein owned and presumably staged in her residence on the many occasions he came to visit.

MARSDEN HARTLEY

Bach Präludien und Fugen Nr. 1 (Musikalisches Thema)

28 1/2 x 21 Zoll.

Öl auf Leinwand auf Karton aufgezogen

Tom Wesselmann will undoubtedly be remembered for associating his erotic themes with the colors of the American flag. But Wesselmann had considerable gifts as a draftsman, and the line was his principal preoccupation, first as a cartoonist and later as an ardent admirer of Matisse. That he also pioneered a method of turning drawings into laser-cut steel wall reliefs proved a revelation. He began to focus ever more on drawing for the sake of drawing, enchanted that the new medium could be lifted and held: “It really is like being able to pick up a delicate line drawing from the paper.”<br><br>The Steel Drawings caused both excitement and confusion in the art world. After acquiring one of the ground-breaking works in 1985, the Whitney Museum of American Art wrote Wesselmann wondering if it should be cataloged as a drawing or a sculpture. The work had caused such a stir that when Eric Fischl visited Wesselmann at his studio and saw steel-cut works for the first time, he remembered feeling jealous. He wanted to try it but dared not. It was clear: ‘Tom owned the technique completely.’<br><br>Wesselmann owed much of that technique to his year-long collaboration with metalwork fabricator Alfred Lippincott. Together, in 1984 they honed a method for cutting the steel with a laser that provided the precision he needed to show the spontaneity of his sketches. Wesselmann called it ‘the best year of my life’, elated at the results that he never fully achieved with aluminum that required each shape be hand-cut. “I anticipated how exciting it would be for me to get a drawing back in steel. I could hold it in my hands. I could pick it up by the lines…it was so exciting…a kind of near ecstasy, anyway, but there’s really been something about the new work that grabbed me.”<br><br>Bedroom Brunette with Irises is a Steel Drawing masterwork that despite its uber-generous scale, utilizes tight cropping to provide an unimposing intimacy while maintaining a free and spontaneous quality. The figure’s outstretched arms and limbs and body intertwine with the petals and the interior elements providing a flowing investigative foray of black lines and white ‘drop out’ shapes provided by the wall. It recalls Matisse and any number of his reclining odalisque paintings. Wesselmann often tested monochromatic values to discover the extent to which color would transform his hybrid objects into newly developed Steel Drawing works and, in this case, continued with a color steel-cut version of the composition Bedroom Blonde with Irises (1987) and later still, in 1993 with a large-scale drawing in charcoal and pastel on paper.

Schlafzimmer brünett mit Schwertlilien

105 3/4 x 164 5/8 Zoll.

Öl auf ausgeschnittenem Aluminium

ALBERT BIERSTADT - Die Golden Gate - Öl auf Leinwand - 27 3/8 x 38 3/4 Zoll.

ALBERT BIERSTADT

Die Goldene Pforte

27 3/8 x 38 3/4 Zoll.

Öl auf Leinwand

Frederick Frieseke is often regarded as the finest American Impressionist painter of the figure. Yet when he came to study at Académie Juilian in 1898, several les Nabis painters remained a lingering presence, and it was the rich, decorative patterns of Edouard Vuillard and Pierre Bonnard that served as the blueprint for his early success. That influence is clearly demonstrated in the unrestrained repetition of the voluminous, pleated, striped umbrellas of Afternoon at the Beach, a canvas mural installed in the opulent Hotel Shelburne dining room overlooking the Atlantic City Boardwalk. The unifying impact of that repetitive element imbues the setting with cloud-like loft within a color scheme, evoking Vuillard and the richness of a Gobelin tapestry, rather than the effect of sunlight and broken color that mark his more familiar paintings from the decade of 1910 to 1920.<br><br>Afternoon at the Beach was installed under the artist’s direction in February 1906. It remained on view for decades at the swanky hotel that enticed “Diamond Jim” James Buchanan Brady to pay one thousand dollars a week for permanent residence and was an unfading memory for throngs of well-heeled socialites, financiers, and notables from Irving Berlin to John Philip Sousa and Ethel Barrymore to Al Jolson. Undoubtedly, its presence high on the grand dining room wall contributed to the artist’s popularity and renown.<br><br>Today, we may look upon this long, frieze-like composition as a delightful fin-de-siécle costume study or an informative expose of Victorian mores as suggested by the separate spheres of gender groupings. But mostly, Afternoon at the Beachrecounts the artist’s unbridled delight and appreciation of women, here, expressed within familial, maternal, and social contexts. It is the subject and theme that brought Frieseke acclaim and awards on both sides of the Atlantic and which, to this day, endears him to the many who count him among the most beloved of American figurative painters.

FREDERICK CARL FRIESEKE

Nachmittag am Strand

1905/1906 Frankreich

Öl auf Leinwand

The Pop Art Movement is notable for its rewriting of Art History and the idea of what could be considered a work of art. Larry Rivers association with Pop-Art and the New York School set him aside as one of the great American painters of the Post-War period. <br><br>In addition to being a visual artist, Larry Rivers was a jazz saxophonist who studied at the Juilliard School of Music from 1945-1946. This painting's subject echoes the artists' interest in Jazz and the musical scene in New York City, particularly Greenwich Village and the Lower East Side. <br><br>“Untitled” (1958) is notable bas the same owner has held it since the work was acquired directly from the artist several decades ago. This work is from the apex of the artists' career in New York and could comfortably hang in a museum's permanent collection.

Der Schlagzeuger

Öl auf Leinwand

THOMAS HART BENTON - Animalische Phantasie - Öl auf Metall - 62 x 47 1/2 x 1 Zoll.

THOMAS HART BENTON

Animalische Phantasie

62 x 47 1/2 x 1 Zoll.

Théo van Rysselberghe, ein unbestrittener Meister der ab 1887 aufblühenden belgischen neoimpressionistischen Bewegung, malte dieses Porträt seiner Frau Maria (geborene Monnom) im ersten Jahrzehnt des zwanzigsten Jahrhunderts. Jahrhunderts. Unter dem Einfluss des Tonalismus von Whistler, des Impressionismus und des Pointillismus von Seurat hatte er ein hochgradig verfeinertes Verständnis für die Farbe, ihre harmonischen Resonanzen und eine akribische Wiedergabe der formalen Elemente entwickelt. Als vorbildlicher Zeichner bleibt der optische Eindruck, der auf dem Zusammenspiel der Farben beruht, ein Hauptanliegen von Van Rysselberghe. Hier ersetzen kurze Farbstriche die kleinen Punkte eines Pointillisten, und das Farbschema ist nicht das homogenisierte, harmonische, für das der Künstler einen wohlverdienten Ruf genießt. Vielmehr wird in diesem Porträt die Farbtheorie auf eine ganz andere Weise weiterentwickelt. Sein visuelles Interesse liegt in den dynamischen Kontrasten der versilberten Frisur seiner Frau, ihres platinfarbenen Kleides und des strahlend weißen Kaminmantels - alles in der optischen Lebendigkeit der von komplementären Rot- und Grüntönen dominierten Umgebung. Es ist eine visuell anregende Demonstration eines Malers, der die dynamische Wirkung dieses ungewöhnlichen Farbschemas verstanden hat und der die Dargestellte mit einem starken Akzent auf einer Diagonale arrangiert und die Formel mit dem Geschick und der Gewandtheit eines Malers ausgeführt hat, der sein malerisches Vermögen voll beherrscht.

THÉO VAN RYSSELBERGHE

Maria van Rysselberghe auf der Münze des Feuers

32 1/4 x 32 7/8 Zoll.

Öl auf Leinwand

Alien ist eine Wiederholung von Breuer-Weils bahnbrechender Serie "Visitor". Es handelt sich um eine kolossale, sechs Meter hohe Bronze einer humanoiden Figur, die mit dem Kopf voran in die Erde gestürzt ist. Während die wilden, strampelnden Beine auf eine Aktion hindeuten, die den Körper aus seiner Gefangenschaft befreien soll, ist der Kopf so eingepflanzt, als ob er ein permanenter Umstand sein könnte. Breuer-Weil hat seine Absichten folgendermaßen erklärt: "Ich war schon immer fasziniert von der Vorstellung, dass wir nicht allein sind, dass ein riesiger Außerirdischer plötzlich auf der Erde landen könnte. Ich wollte das Gefühl der Verwunderung und des Schocks einfangen, das eine solche Ankunft auslösen würde." Alien kann natürlich auch eine ganz andere Assoziation hervorrufen: die Herausforderungen, die man als Außenseiter hat, wenn man hofft, sich in eine neue Kultur und Gesellschaft einzufügen. "Bei diesem Werk wollte ich eine riesige, atmende menschliche Form verwenden, um die tiefen Gefühle auszudrücken, die mit diesen Themen verbunden sind. Und ich brauchte den gewaltigen Maßstab, um die Intensität dieser Gefühle darzustellen." Breuer-Weil hat den Abguss von Alien in einer Auflage von 3 Exemplaren plus 2 Künstlerabzügen genehmigt.

DAVID BREUER-WEIL

konzipiert im Jahr 2012

Bronze mit brauner Patina

In "Nude Descending a Staircase No. 2" verbindet Mel Ramos spielerisch das Erbe von Marcel Duchamps modernistischem Meisterwerk mit der lebendigen Ästhetik der Pop Art und schafft so eine clevere und visuell anregende Neuinterpretation. Indem er Duchamps abstrakte Bewegung mit seinem charakteristischen Pin-up-Stil verbindet, schafft Ramos einen dynamischen Dialog zwischen den verehrten Traditionen der bildenden Kunst und den kühnen, grafischen Qualitäten der kommerziellen Bilderwelt. Dieses Werk ist ein Beispiel für Ramos' Fähigkeit, sich in der Kunstgeschichte und der zeitgenössischen Kultur zurechtzufinden, indem er die Anziehungskraft der weiblichen Nacktheit nutzt, um die gesellschaftliche Besessenheit von Schönheit, Begehren und Kommerzialisierung zu erkunden und zu persiflieren. Auf diese Weise wird Ramos' Werk zu einer Quintessenz der Pop Art, die in ihrer spielerischen Assoziation mit Duchamp schwelgt und gleichzeitig die visuelle Kultur ihrer Zeit kritisiert und feiert.

Akt, der eine Treppe hinabsteigt Nr. 2

70 x 52 1/8 Zoll.

Öl auf Leinwand

JEAN-MICHEL BASQUIAT - Ohne Titel (Anatomie der Taube) - Öl, Graphit und Kreide auf Papier - 22 x 30 Zoll.

JEAN-MICHEL BASQUIAT

Ohne Titel (Taubenanatomie)

Öl, Graphit und Kreide auf Papier

PIERRE BONNARD - Soleil Couchant - Öl auf Leinwand - 14 1/2 x 22 1/2 Zoll.

Soleil Couchant

14 1/2 x 22 1/2 Zoll.

Öl auf Leinwand

Die 1981 in Atlanta geborene und in Brooklyn lebende Shara Hughes wird für ihre unverwechselbare Herangehensweise an die Landschaftsmalerei gefeiert, die historische Einflüsse mit zeitgenössischer Sensibilität verbindet. Ihre jubilierende Farbpalette erinnert an Meister wie Henri Matisse, die sie mit der stilvollen, visuellen Kühnheit von David Hockney wiedergibt, während sie gleichzeitig eine breitere Tradition der Landschaftsmalerei anerkennt, die Einflüsse des Jugendstils, des Fauvismus und des deutschen Expressionismus einschließt. All the Pretty Faces ist eine moderne Synthese aus historischen Kunstbewegungen und aktueller digitaler Bildsprache, die dem Betrachter fesselnde, erfundene Welten präsentiert, die eine Brücke zwischen Vergangenheit und Gegenwart schlagen. Es spricht auch eines der markantesten Zitate von Hughes über ihre innovativen Landschaften voller fantastischer Elemente an: "Ich habe mir die Blumen und Bäume oft als Figuren vorgestellt. Manchmal nimmt sogar eine Welle oder eine Sonne auf dem Bild eine Persönlichkeit an, das hängt also davon ab, wie das Werk ausfällt."

All die hübschen Gesichter

Öl auf Leinwand

Katharine Grosse's Untitled von 2016 erweitert unsere Wertschätzung für eine Künstlerin, die dieselbe Energie, Kühnheit und Missachtung von Konventionen wie in ihren monumentalen architektonischen Installationen auf das traditionelle Medium der Farbe auf Leinwand überträgt. Die Farbe explodiert auf einer komplexen, reich geschichteten Oberfläche aus gegossenen Farbaufträgen, die verlaufen, nieseln oder spritzen, aus leuchtenden, transparenten Schleiern und sich überlagernden Farbbändern, die zu weichen Farbübergängen vernebelt werden. Das Ergebnis ist ein faszinierender Eindruck von räumlicher Tiefe und Dreidimensionalität. Es ist aber auch eine Meisterleistung, die Grosse's Brillanz in der Verbindung von Chaos und Kontrolle, Spontaneität und Absicht offenbart. Ihre Palette an Techniken schafft einen fesselnden Dialog zwischen dem Zufälligen und dem Geplanten, ein Markenzeichen ihres einzigartigen Stils.

KATHARINA GROSSE

118 x 78 3/4 Zoll.

Acryl auf Leinwand

WIFREDO LAM - Portrait / La Table I, coin d'atelier - Tempera auf Papier (doppelseitig) - 38 x 24 3/4 in.

Porträt / La Table I, Münze im Atelier

38 x 24 3/4 Zoll.

Tempera auf Papier (doppelseitig)

JEAN ARP - Skulptur Mythique - Bronze - 25 x 9 1/2 x 12 in.

Mythische Bildhauerei

25 x 9 1/2 x 12 Zoll.

Die künstlerische Entwicklung von Rouault, die von seinem frommen katholischen Glauben geprägt ist, ist einzigartig unter den Modernisten. Fasziniert von den leuchtenden Farben und der Art und Weise, wie das Licht durch die mittelalterlichen Kirchenfenster fällt, trug er dicke, satte Farbschichten auf und verstärkte die rohen und kühnen Formen, die von tiefen Blautönen durchzogen waren, mit schweren schwarzen Linien. Rouault unterstützte oft starke, wiederkehrende religiöse Themen, die der Macht der Erlösung gewidmet sind. Carlotta dient weder dieser höheren Berufung noch dem marginalisierten Leiden der Motive, zu denen Clowns, Prostituierte und Kreuzigungen gehören. Stattdessen ist Carlotta eine Gelegenheit, Rouaults subtilere Farbvariationen und das dynamische Zusammenspiel zwischen der rauen, taktilen Qualität des Impastos und der weicheren, diffuseren Wirkung der verkrümelten Passagen eines Modells zu bewundern, das nicht durch Themen des menschlichen Schmerzes und der Verzweiflung belastet ist.

GEORGES ROUAULT

15 7/8 x 12 1/4 Zoll.

Öl auf Leinwand

Max Weber zog 1905 nach Paris, als die Stadt das Epizentrum der künstlerischen Innovation war. Seine frühen Werke zeigen den gleichzeitigen Einfluss der kühnen Farbpalette des Fauvismus und der fragmentierten Darstellung der Realität durch den Kubismus. Weber imitierte diese Stile jedoch nicht einfach, sondern integrierte und interpretierte sie neu, um etwas Eigenes zu schaffen. Webers Bedeutung liegt nicht nur in seinen abstrakten Werken, sondern auch in seiner Rolle als Vermittler von Ideen der Moderne. Weber spielte eine entscheidende Rolle im transatlantischen Dialog, der die Entwicklung der amerikanischen Kunst im 20. Seine Darstellungen von Frauenfiguren stellen eine Synthese aus Abstraktion und Gegenständlichkeit dar, die das Wesen seiner Sujets einfängt und sich von den traditionellen figurativen Werken löst.

35 1/2 x 19 5/8 Zoll.

Öl auf Leinwand

Bei Munchs experimenteller und hochentwickelter "Puzzletechnik" wurde der Holzschnitt in einzelne Teile zerlegt, eingefärbt und gedruckt, bevor er sie zum endgültigen Bild wieder zusammensetzte. Das Verfahren führte zu einer Vielzahl von Farben, einzigartigen Drucken innerhalb einer Auflage und einer breiten Palette von Emotionen und Stimmungen. Die wellenförmigen Formen von House on the Coast I sind reichhaltig inszeniert und bestehen aus mehreren Farb- und Texturschichten, die jeweils zur Tiefe und räumlichen Komplexität des Bildes beitragen. Das Schnitzen und Aushöhlen von Holzschnitten, die ideal geeignet sind, Edvard Munchs oft brutale Arbeitsweise zum Ausdruck zu bringen, sprengte die Grenzen traditioneller Methoden und verstärkte sein Engagement für die Erforschung emotionaler und psychologischer Tiefe in seiner Kunst.

Haus an der Küste I

Holzschnitt auf Velin mit aquarellierten Handzusätzen des Künstlers

Jim Dine war ein amerikanischer Pop-Künstler, dessen Arbeit über Objekte mit kindlichem Appell meditierte, um eine universelle und nostalgische Sprache zu finden. Dine's Roben gehören zu den bekanntesten Bildern, die aus seiner langen und illustren Karriere entstanden sind. Sie wurden erstmals im Herbst 1964 in der Galerie Sidney Janis gezeigt - dies ist ein solches Beispiel. Double Silver Point Robes ist eine groß angelegte Mixed-Media-Assemblage. Die Arbeit ist in Silverpoint ausgeführt - eine Technik, bei der ein Silberstück als Zeicheninstrument auf einem speziell vorbereiteten Boden steht, auf dem es über einen Zeitraum von Monaten zu einem warmen Braunton oxidiert. Die beiden miteinander verbundenen Leinwände bestehen aus Holzblöcken anstelle der Stelle, an der sich die Köpfe befinden sollen, und einem hängenden Holzelement, das sich als Reaktion auf Luftströmungen bewegt.

Doppelte Silberspitzenroben

53 1/2 x 96 in.

Silberstift und Acryl auf 2 verbundenen Leinwänden, Holz, Messer und Schnur im Künstlerrahmen

Genieve Figgis ist eine bemerkenswerte Figur in der zeitgenössischen irischen Kunstszene. Sie ist bekannt für ihre klugen und kritischen Gruppenporträts, die sich oft über längst vergangene gesellschaftliche Konventionen lustig machen. Als relative Späteinsteigerin in die Malerei erregte sie über Twitter die Aufmerksamkeit des amerikanischen Appropriation-Künstlers Richard Prince, der daraufhin eines ihrer Werke erwarb und sie in die einflussreichen Kreise der New Yorker Kunstszene einführte. Figgis' Werk kritisiert spielerisch die Konsumgewohnheiten der wohlhabenden Mittelschicht und den luxuriösen Lebensstil, wie er von Künstlern der Vergangenheit verewigt wurde, und holt diese Themen mit einer Mischung aus Satire und rohen, authentischen Darstellungen des Lebens in die Gegenwart. Figgis schlägt eine Brücke zu Daumier oder Hogarth, deren Werke häufig einen satirischen Blick auf die zeitgenössische Gesellschaft werfen, und schließt sich Künstlern an, die sich der Gesellschaftssatire verschrieben haben und für ihre scharfe Beobachtungsgabe bekannt sind.

31 1/2 x 39 3/8 Zoll.

Acryl auf Leinwand

DAVID SMITH - Ohne Titel - Öl auf Leinwand - 12 x 16 Zoll.

Öl auf Leinwand

Gottlieb was a first-generation member of the Abstract Expressionists. “Blue on Black” is from his trademark “Burst” series. Like fellow Ab Ex artists including Pollock who settled into their signature style late in their careers, it was not until 1956 that Gottlieb focused on these burst paintings.<br><br>This painting showcases the lyricism that he found within the “Burst” paintings by simplifying color and form. In this painting, the shapes and color coalesce to produce harmony and depth within the visual landscape of the canvas.<br><br>Gottlieb had an amazing 56 solo exhibitions during his long career and his works are included in over 140 museums throughout the world.

ADOLPH GOTTLIEB

Blau auf Schwarz

24 x 18 7/8 in.

Acryl auf Papier auf Leinwand gelegt

CAMILLE PISSARRO - Paysage avec batteuse a Montfoucault - Pastell auf Papier auf Karton aufgelegt - 10 3/8 x 14 3/4 in.

CAMILLE PISSARRO

Landleben mit einer Frau in Montfoucault

10 3/8 x 14 3/4 Zoll.

Pastell auf Papier auf Karton aufgelegt

Francisco Zúñiga begann schon als Junge mit der Bildhauerei, als er seinem Vater, einem lokalen Bildhauer von Holzsantos, assistierte. Nachdem er 1936 aus seinem Heimatland Costa Rica nach Mexiko gekommen war, wandte er sich endgültig der Bildhauerei zu und entwickelte ein breit gefächertes, auf der Figur basierendes Werk, das die direkte Schnitzerei in Holz, das Modellieren in Ton, die direkte Bearbeitung von hartem Stein und den Bronzeguss umfasst. "Desnundo Reclinado de Dolores" ist insofern ein Novum, als es weder sein Interesse an präkolumbianischer Kunst noch seine Beharrlichkeit widerspiegelt, indianisch aussehende Frauen mit übertriebenen Hüften und Bäuchen darzustellen. Stattdessen handelt es sich um eine klassisch modellierte Meisterleistung einer hüftdrehenden, auf die Unterarme gestützten knienden Frau, die Rodin mit Stolz als seine eigene bezeichnen würde.

FRANCISCO ZUNIGA

Desnudo reclinado de Dolores

21 x 43 1/4 x 21 1/2 Zoll.

Bronze mit grüner Patina

Roland Petersens Lunch ist ein Öl auf Leinwand aus dem Jahr 1961, einem kritischen Jahr für seine bekannteste Picnic-Serie. Sein Werk aus dieser Zeit ist geprägt von dickem Impasto und satter Farbe. Petersen wurde stark von Studien bei Hans Hoffman beeinflusst und experimentierte mit der Abstraktion, wobei er abstrakte und figurative Stile miteinander verband. Das Luncheon, das im Alter von 35 Jahren entstanden ist, liegt in einem Zeitrahmen, der seine ausverkaufte Einzelausstellung 1962 in der Staempfli Gallery, New York, seine Einzelausstellung in Esther-Robles, Los Angeles, und das Guggenheim-Stipendium, das die Möglichkeit zum Studium in Paris bot, umfasst.

ROLAND PETERSEN

Öl auf Leinwand

Roger Brown ist bekannt für seine persönliche und oft fantastische Bildsprache und seine stark stilisierten Gemälde mit Figuren und Objekten, die sein Interesse an alltäglichen Erfahrungen widerspiegeln. Acid Rain erforscht Themen des modernen Lebens und soziale Kommentare, die die Rolle des Künstlers in der Gesellschaft und das Potenzial der Kunst, Veränderungen zu bewirken, widerspiegeln. Auf einer persönlicheren Ebene kann das Thema des sauren Regens zersetzende emotionale oder psychologische Zustände symbolisieren, wie Depression, Angst oder das Gefühl, von Umständen überwältigt zu werden, die sich der eigenen Kontrolle entziehen. So wie der saure Regen ein weitgehend unsichtbares, aber verheerendes Umweltproblem darstellte, motivierte die Krise der aufkommenden HIV/AIDS-Epidemie Brown wahrscheinlich dazu, das Werk zu schaffen, um persönlichen Kummer zu verarbeiten, die unzureichende Reaktion der politischen Führung zu kritisieren und für Mitgefühl, Verständnis und medizinische Forschung einzutreten.

48 x 72 x 2 Zoll.

Öl auf Leinwand

Frank Stellas Bali-Skulpturenserie zeichnet sich durch schwebende und fließende Formen aus, die sich in den Raum des Betrachters erstrecken und zur Interaktion zwischen dem Objekt und seiner Umgebung einladen. Der "Dadap", eine Baumart, die in der balinesischen Kultur mit Wachstum und ritueller Bedeutung assoziiert wird, spiegelt die organische und dynamische Natur von Stellas Skulpturen wider. Mit dem Wechsel von Bambus zu Edelstahl und Aluminium hat Stella das Wesen der balinesischen Ästhetik bewahrt, die organische, fließende Formen preist, die sich dynamisch mit ihrem Raum verbinden. Dadap stellt eine Kontinuität in Stellas thematischer Erkundung dar, bei der der Geist seiner Arbeit über die Materialität hinausgeht. Metall bietet eine andere Textur, ein anderes Reflexionsvermögen und eine andere Interaktion mit Licht und Raum, hält aber dennoch an den Prinzipien von Bewegung und Interaktivität fest. Es handelt sich um eine kreative Übertragung von Form und Konzept über verschiedene Medien hinweg, wobei der Geist der ursprünglichen Inspiration beibehalten wird, während die Eigenschaften des neuen Materials diese Ideen in einem neuen Kontext zum Ausdruck bringen können.

66 1/2 x 50 1/4 x 19 Zoll.

Edelstahl und Aluminium

MARIO CARRENO - Guitarrista - Öl auf Karton - 20 x 24 Zoll.

JOAN MIRO - L'Oiseau - Bronze und Ziegelstein - 23 7/8 x 20 x 16 1/8 in.

23 7/8 x 20 x 16 1/8 Zoll.

Bronze und Schlackenstein

FERNANDO BOTERO - Autoretrato a la manera de Velázquez - Sanguine und Kreide auf Karton - 60 1/2 x 47 1/2 in.

FERNANDO BOTERO

Autoretrato a la manera de Velázquez

60 1/2 x 47 1/2 Zoll.

Sanguine und Buntstift auf Karton

Gerald Curtis Delano ist bekannt für seinen unverwechselbaren Malstil, den er "designten Realismus" nannte. Seine Ausbildung bei N. C. Wyeth ermöglichte es ihm, eine Reihe von illustrativen bis expressiven Ansätzen zu verwenden, immer mit sorgfältiger und tadelloser Gestaltung. Die Gemälde wie das Navajo Camp sind bekannt für ihre sanften, modulierten Farben, die klaren und anmutigen Kompositionen und die Einfachheit der Formen, die jedes Thema auf seine wesentliche Natur reduzieren. Sie zeigen Delanos scharfes Auge, sein Verständnis und seine Fähigkeit, die Farben und die Noblesse des Lebensstils der Navajos einzufangen. Wie in den meisten seiner Werke nimmt der Himmel einen großen Teil der Leinwand ein, und die Figuren verleihen der Szene einen gewissen Maßstab. Diese Elemente wirken zusammen, um ein Gefühl von Weite und Gelassenheit zu vermitteln.

GERARD CURTIS DELANO

23 1/2 x 29 1/2 Zoll.

Öl auf dem Panel

WILLIAM B. EGGLESTON - Ohne Titel (Vom Wahlabend) - Archivpigmentdruck - 32 1/2 x 48 1/4 Zoll.

WILLIAM B. EGGLESTON

Ohne Titel (Vom Wahlabend)

32 1/2 x 48 1/4 Zoll.

archivalischer Pigmentdruck

Als Mitglied der legendären Gutai Art Association, die zwischen 1954 und 1972 ihre Blütezeit erlebte, tauchte Sadamasa Motonaga auf, als der post-atomare surrealistische Existenzialismus an der Spitze der künstlerischen Entwicklung in Japan stand. Doch er wählte einen anderen Weg. Er wandte sich von den Zerstörungen des Krieges ab und schuf ein Werk, das frisch, jubelnd und spielerisch war. "Ohne Titel" von 1966 ist in seinem klassischen Stil gehalten, der sich zeitgleich mit Morris Louis' sogenannten "Schleier"-Bildern entwickelte. Es könnte an den hell erleuchteten Kamm, das Auge und das gesprenkelte Gefieder eines Hühnervogels erinnern, aber solche Assoziationen sind wahrscheinlich willkürlich und unbeabsichtigt. Stattdessen handelt es sich um eine brillant gelungene Darstellung von Motonagas avantgardistischer Interpretation des traditionellen japanischen Tarashikomi - einer Technik, bei der die Leinwand in verschiedenen Winkeln gekippt wird, damit die Mischungen aus Harz und Emaille übereinander fließen können, bevor die Farbe vollständig getrocknet ist.

SADAMASA MOTONAGA

16 x 12 1/2 Zoll.

Öl auf Leinwand

Along with its companion work, "Untitled" (1991) was on display in the lobby of Chicago's Heller International Building at 500 West Monroe Street from the building's opening in 1992 until its renovation in 2015. This painting has remained in the same private collection since its creation. <br><br>The November 2018 sale of Schnabel's "Large Rose Painting, (Near Van Gogh's Grave)" for $1.2 million at auction demonstrates a strong demand for the artist's work. This major sale was only the second-highest price paid for a Schnabel at auction: the record was set in November of 2017 when "Ethnic Type #14" sold for $1.4 million. <br><br>A recent 2018 museum exhibition, "Julian Schnabel: Symbols of Actual Life" at the Legion of Honor, Fine Arts Museums of San Francisco, featured several of Schnabel's large-scale paintings.

JULIANISCHES SCHNABEL

Öl, Harz, Gesso, Stoff und Leder auf gesäumtem Tropfentuch

Während ihrer mehr als fünf Jahrzehnte umfassenden Karriere war Yvonne Thomas für ihren unverwechselbaren Ansatz bekannt, der die spontanen, gefühlsbetonten Qualitäten des Abstrakten Expressionismus mit einer klaren Verwendung von Formen und Farben als Ausdrucksmittel verband. Thomas schätzte die Farbe als eine Quelle tiefer Freude und komplexer Rätsel. Diese Sichtweise spiegelt sich in ihrer Kunst wider, in der sie eine vielfältige Farbpalette verwendet, um ihre Reaktionen auf Naturthemen hervorzurufen und zu vermitteln. Sie malte The Tower im Jahr 1954, einem Jahr, das einen wichtigen Meilenstein darstellte: ihre erste Einzelausstellung in der Hendler Gallery in Philadelphia. Ein Jahr später wurde Thomas' Kunst im Riverside Museum in New York City ausgestellt, wo ihre Werke neben namhaften Künstlern wie Franz Kline und Milton Avery zu sehen waren.

39 3/4 x 51 1/2 Zoll.

Ross Bleckner ist ein gefeierter amerikanischer Maler, dessen Werke auf Verlust, Erinnerung und Veränderung verweisen, wie z.B. Untersuchungen der Zelle während der AIDS-Epidemie oder als Reaktion auf die Krebsdiagnose seines Vaters. Die MoMA-Ausstellung von 1965, die die Op Art, The Responsive Eye, mit den Künstlern Richard Anuszkiewicz, Tadasky und Francis Celentano in den Vordergrund stellte, hatte einen tiefen Einfluss auf ihn als Künstler. Dieses Gemälde entfaltet, wie seine anderen immersiven, großformatigen Werke, eine kraftvolle, hypnotische, schwindelerregende Wirkung. Ästhetisch ansprechend, erforschen Bleckers Leinwände die Wahrnehmung - visuell, emotional, physisch, zeitlich. Bleckner gehört zur gleichen Generation und ist mit Julian Schnabel, David Salle, Eric Fischl und Peter Halley befreundet, die alle die malerische Technik auf die Leinwand zurückbringen.

Von West nach Ost

Öl auf Leinwand

Irving Norman was born in 1906 in Vilna, then part of the Russian Empire, now Lithuania. Norman's immigration to New York City in 1923 was short-lived, as he would return to Europe to fight as part of the Abraham Lincoln battalion against the Spanish dictator Francisco Franco. After the War, Norman would eventually settle in Half Moon Bay, California, where he embarked on a prolific studio practice. <br><br>Norman's work portrays the horrors of war and his firsthand knowledge of totalitarian dictatorships. Norman's work has been described as "Social Surrealism," and his grand scenes are immediate and arresting. The large-scale works of Norman truly capture the power of his lived experiences; they are as much a visual record as they are a warning for the future, intended to inspire change.

Amerikanische Straßenszene

Öl auf Leinwand

Manuel Neri war eine zentrale Figur in der figurativen Bewegung der Bay Area in den 1960er Jahren. Anstelle abstrakter Formen betonte die Gruppe die Emotionen durch die Kraft der menschlichen Form. Das vorliegende Werk, "Ohne Titel" (1982), erforscht die weibliche Form in Lebensgröße. Neri zog es vor, während seiner 60-jährigen Karriere mit nur einem Modell zu arbeiten, Maria Julia Klimenko. Das Fehlen eines Gesichts in vielen seiner Skulpturen verleiht ihm ein Element des Geheimnisses und der Mehrdeutigkeit. Der Schwerpunkt der Komposition in "Ohne Titel" liegt auf der Struktur und Form der Figur. Manuel Neri ist in zahlreichen Museumssammlungen weltweit vertreten, darunter die Addison Gallery/Phillips Academy, die Anderson Collection der Stanford University, das Art Institute of Chicago, das Cantor Arts Center der Stanford University, das Cincinnati Art Museum, das Crocker Art Museum, Sacramento, CA, das Denver Art Museum, das El Paso Museum of Art, Texas, die Fine Arts Museums of San Francisco, die Harvard University Art Museums, das Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, D.C.; Honolulu Museum of Art, The Metropolitan Museum of Art, New York und die National Gallery of Art, Washington, DC.

67 x 24 x 26 Zoll.

lackierte Bronze

Ed Ruscha ist einer der bedeutendsten amerikanischen Künstler, nicht zuletzt wegen seiner Erforschung der Symbole von Americana und der Beziehung zwischen Sprache und Kunst. The End ist ein filmisches Thema, das der Künstler in den 90er und 2000er Jahren verwendete und in Gemälden, Druckgrafiken und Zeichnungen auftauchte - insbesondere in der großformatigen Malerei 1991 im Museum für Moderne Kunst. Ruscha thematisiert den Lauf der Zeit und die Obsoleszenz und bedient sich einer antiquierten Schrift und einer alten filmischen Tradition der Verwendung von Text im Film. Das Konzept der Vergänglichkeit wird durch die Worte selbst, das Ende, und die Natur des Mediums selbst verstärkt; als futuristisch angesehen, als es in den 1960er Jahren entwickelt wurde, schafft die Lasertechnologie für Hologramme auch ein Gefühl der Vergänglichkeit, wenn sich die Bilder mit der Bewegung des Betrachters verändern. Während es in den sich verändernden Wörtern und Bildern eine angeborene Bewegung gibt, stellen diese Hologramme auch einen Punkt dar - einen flüchtigen Moment, der in der Zeit eingefroren ist.

Glas-Hologramm-Set

RODOLFO MORALES - Ohne Titel - Öl auf Leinwand - 37 1/4 x 39 1/4 Zoll.

RODOLFO MORALES

37 1/4 x 39 1/4 Zoll.

Öl auf Leinwand

LOUIS VALTAT - Vase de coquelicots - Öl auf Leinwand - 23 1/2 x 19 in.

Vase de coquelicots

23 1/2 x 19 Zoll.

Öl auf Leinwand

Deborah Butterfield ist eine amerikanische Bildhauerin, die vor allem für ihre Skulpturen von Pferden aus Holz, Metall und anderen gefundenen Objekten bekannt ist. Das 1981er Stück Ohne Titel (Pferd) besteht aus Sticks und Papier auf Drahtarmatur. Die beeindruckende Größe dieses Stückes erzeugt eine bemerkenswerte Wirkung in Person und stellt ein eindrucksvolles Beispiel für Butterfields gefeiertes Thema dar. Butterfield schuf die Pferde ursprünglich aus Holz und anderen Materialien, die auf ihrem Grundstück in Bozeman, Montana, zu finden waren, und sah die Pferde als metaphorisches Selbstporträt, das die emotionale Resonanz dieser Formen aufgreift.

DEBORAH BUTTERFIELD

Ohne Titel (Pferd)

100 x 157 x 36 Zoll.

Sticks und Papier auf Drahtarmatur

"A drawing is simply a line going for a walk."<br>-Paul Klee<br><br>A significant draftsman, Paul Klee's works on paper rival his works on canvas in their technical proficiency and attention to his modern aesthetic. As an early teacher at the Bauhaus school, Klee traveled extensively and inspired a generation of 20th Century Artists. <br><br>Klee transcended a particular style, instead creating his own unique visual vocabulary. In Klee's work, we see a return to basic, geometric forms and a removal of artistic embellishment. "Der Hafen von Plit" was once owned by Alfred H. Barr, Jr., the First Director of the Museum of Modern Art, New York.

der Hafen von Plit

14 1/4 x 19 1/2 Zoll.

Feder und Tinte auf Büttenpapier, auf Velin aufgezogen

LE PHO - Blumen - Öl auf Leinwand - 28 3/4 x 21 1/4 Zoll.

28 3/4 x 21 1/4 Zoll.

Öl auf Leinwand

Geprägt von seiner Heimat Italien und seiner Wahlheimat Amerika, erforschte Joseph Stella eine außergewöhnliche Bandbreite an Stilen und Medien in Kunstwerken von erstaunlicher Vielfalt und Originalität. Im Jahr 1911 ritt Stella auf der Avantgarde-Welle der fauvistischen, kubistischen und futuristischen Strömungen, doch er war der einzige amerikanische Modernist, der täglich mit den italienischen Alten Meistern zusammenlebte. Die Pose und Handhabung von "Reclining Nude" bezieht sich auf eine Reihe von Werken, die Stella in den 1920er Jahren malte und in denen er verführerische Frauen aus mythologischen oder fantastischen Quellen darstellte, wie "Leda und der Schwan" und Ondine, eine schöne Wassernymphe aus einem beliebten romantischen deutschen Märchen des 19. Der Liegende Akt, der in den 1930er Jahren gemalt wurde, spiegelt diese ernüchternde Zeit angemessener wider, da er ohne florale oder symbolistische Bilder dargestellt ist.

50 x 52 1/2 Zoll.

Öl auf Leinwand

MARC QUINN - Lovebomb - Fotolaminat auf Aluminium - 108 1/4 x 71 3/4 x 37 3/4 Zoll.

108 1/4 x 71 3/4 x 37 3/4 Zoll.

Fotolaminat auf Aluminium

FRITZ SCHOLDER - Amerikanisches Porträt Nr. 14 - Öl auf Leinwand - 40 x 30 Zoll.

Amerikanisches Porträt Nr. 14

Öl auf Leinwand

A veteran of the battle of Verdun, Fernand Leger witnessed the horror and staggering loss of over 1 Million of his fellow countrymen during World War I. This horrific experience of fighting in the trenches of Europe left an indelible mark on the artist. The modern and mechanized aspects of this new form of warfare, with tanks, modern artillery, and gruesome tactics, inspired Leger to create some of his greatest masterpieces. <br><br>The Present drawing, executed in 1930, is a relic from the decade following the First World War. Untitled (1930) was purchased from the Katherine Kuh galley in Chicago- and has been impeccably preserved by the family of the original purchaser. It is exceedingly rare to find drawings like Untitled outside of Museum collections.

8 1/4 x 11 3/4 Zoll.

Holzkohle auf Papier

The essential and dramatic declaration “Let there be light” of Genesis is not so far removed from Mary Corse’s recollection of the moment in 1968 when the late afternoon sun electrified the reflective road markings of Malibu as she drove east. In an instant, the glowing asphalt markings provided the oracle she needed to realize she could ‘put light in the painting and not just make a picture of light’. Using the same glass microbeads utilized by road maintenance services, she layers and embeds the prismatic material in bands and geometric configurations creating nuanced glimmering abstract fields which shift as the viewer moves in relationship to the work. Move to one side and dimness brightens to light. Walk back and forth and you might feel a rippling effect from its shimmering, prismatic effects.<br><br>A photographic image of a Mary Corse microsphere painting is not only a dull representation, but it also misses the point – it is experience dependent art that requires participation to ‘be’. Of course, “Untitled” (1975) defies that one-point static perspective and instead, depends upon a real time, interactive art experience which heightens awareness of the body in space as the viewer experiences shifts of retinal stimulation, sensation and feeling. It is a rare bird. Unusually petite at two-foot square, its design, geometry and color belie her earlier revelation that led to a devotion to her usual reductive palette. Instead, it is a bold statement in sequined color, its center field bounded at the corners by a sparkling red stepped motif that separates it from its starry night sky corner spandrels. It may not include a star motif, but it has the glamour and presence that belongs along Hollywood’s Walk of Fame.

Acryl und Diamantstaub auf Leinwand

Richard Tuttle ist ein wegweisender amerikanischer postminimalistischer Künstler. Tuttle's Arbeit ist konzeptuell und meditativ, überschreitet die Grenzen von Skulptur, Malerei und Poesie und fordert den Betrachter oft heraus. Ohne Titel (Cloth and Paint Work #2) von 1973, einer entscheidenden Phase in der Karriere des Künstlers, erinnert an den früheren Minimalismus seiner Karriere und drängt auf materialbasierte Konzeptkunst. In seiner Arbeit würdigt er die Readymades von Marcel Duchamp. Textilien spielen, wie in diesem Stück, eine große Rolle in seinem Werk und werden zu Orten, an denen Performance, Engagement und Bedeutung im Mittelpunkt stehen.

Ohne Titel (Arbeit aus Stoff und Farbe Nr. 2)

15 1/2 x 16 Zoll

Seil und Öl auf Leinwand

Jaudon was one of the founders of the Pattern and Decoration movement. With a foundation of feminist theory, Jaudon repositioned what were considered trivial art forms and minor visual images. These forms and symbols were relegated because of their association with the feminine or non-Western. <br><br>At the same time, Palmyra exemplifies the ability of Jaudon to create aesthetically beautiful works. Jaudon interweaves shades of red into ornate arabesques recalling gothic stonework, celtic knots, and Islamic calligraphy. The crispness of the lines against the impasto and the layering of red tones makes it appear that the lines are carved like stone.

Öl auf Leinwand

Magic Wands is a 2004-2005 creation by India’s most renowned contemporary artist, Subodh Gupta. The work seamlessly blends a sculptural approach with an installation art aesthetic to create a statement on his heritage and universal themes. Since Gupta’s first installation in 1996, “Twenty-nine Mornings,” the artist has been driven to incorporate daily, utilitarian objects into his work. Bicycles, wands, pans all play heavily in the work of Gupta. <br><br>Gupta’s work often reflects the economic transformations in India- and provides a view into the lives of those whose lives are changed by the rise of the country as a global economic power. Gupta is widely collected as the pre-eminent Indian Contemporary artist. His work is included in the permanent collections of the MFA Houston and Victoria and Albert Museum, London, among many others.

62 x 1 7/8 x 1 7/8 Zoll pro Stück.

verchromtes Aluminium

Unter den japanischen Gutai-Künstlern, die sich in den 1950er Jahren formierten, arbeitete keiner so schnell und furchtlos wie Kazuo Shiraga. Seine Gemälde zeichnen sich durch dynamische, gestische Pinselstriche aus, die oft auf unkonventionelle Art und Weise entstehen. Shiraga setzte bekanntlich seinen Körper als Malwerkzeug ein und trug oft Farbe mit seinen Füßen auf Leinwand oder Papier auf, während er an einem Seil hing. Die Texturen sind in der Regel dick, aber immer sehr taktil, mit Farbschichten, die dem Werk Tiefe und Körperlichkeit verleihen. Auf der anderen Seite setzt Taki auf rohe Streifen aus bunten Farben, die eine ungezügelte Energie und ein Gefühl von Freiheit und Rebellion hervorrufen, für das er bekannt ist, indem er traditionelle künstlerische Konventionen in Frage stellt und die Grenzen des kreativen Ausdrucks verschiebt.

10 3/4 x 8 5/8 Zoll.

Öl auf Leinwand

ARMAND GUILLAUMIN - Roquebrune, Le Matin - Öl auf Leinwand - 25 x 31 1/4 Zoll.

ARMAND GUILLAUMIN

Roquebrune, Le Matin

25 x 31 1/4 Zoll.

Öl auf Leinwand

"Ray Gun became a catch title for all sorts of things. Looking down on the street, I would find this angle in the shape of a ray gun everywhere. And I would collect the ray guns. They became quite an obsession."<br>-Claes Oldenburg<br><br>"Two Ray Guns" (1964) was initially sold through the venerable Sidney Janis Gallery. The work draws upon Oldenburg's keen observational sense and fascination with science fiction and popular American culture. The fascination with Ray Guns became a conceptual art practice for Oldenburg; he would not construct them in the traditional sense but instead, find objects that could be reduced into the form. Ray Gun Examples exist in plastic, bronze, plaster, and many different media. <br><br>Our example from the Ray Gun series has been in the same important American collection for many years. Several examples from this series are in prominent museum collections worldwide, including the Museum of Modern Art, New York.

CLAES OLDENBURG

Zwei Strahlenkanonen

25 x 21 x 2 Zoll.

bemalter Gips und farbiges Acryl

FRANCIS CELENTANO - Wellenförmige Einheiten - Acryl auf Leinwand - 36 x 90 in.

FRANCIS CELENTANO

Wellenförmige Einheiten

Acryl auf Leinwand

Nathan Olivera wird oft mit den figurativen Malern der Bay Area in Kalifornien in Verbindung gebracht, aber in Wirklichkeit zeigt sein Werk sein Interesse an Willem de Kooning, Alberto Giacometti und Francis Bacon. Diese Einflüsse sind die hervorstechenden Merkmale von Nude Stepping from the Carpet. Dieses Gemälde, das Olivera mit Anfang 30 gemalt hat, ist genau die Art von Gemälde, die seinen frühen Ruf für eindringliche Darstellungen von isolierten Figuren in einem improvisierten Stil begründet hat. Oliveiras späteres Werk spiegelt de Koonings einflussreiche Bemerkung über die Herausforderung wider, visuelle Erinnerungen zu malen und Figurationen zu schaffen, die eine schwache Präsenz haben, doch die starke Horizontlinie, die dieser Landschaft zugrunde liegt, verleiht der Figur eine körperlichere Präsenz als üblich.

NATHAN OLIVEIRA

Nude Stepping aus dem Teppich

Öl auf Leinwand

Ed Moses war fast 70 Jahre lang eine wichtige Figur in der Kunstszene von Los Angeles. Er stellte erstmals 1949 aus und gehörte 1957 zur ursprünglichen Künstlergruppe der Ferus-Galerie - sein Kollege Cool School Artist Ed Ruscha hatte dort auch 1963 seine erste Einzelausstellung. Die großräumige und tryptische Formation von "Franco-Del #1 & #3" von 2006 ist für Moses selten. Das Stück ist in Erdtönen von Braun, Grau, Schwarz, Schwarz, Rost und Kieferngrün ausgeführt. Als Maler, der immer mit Prozessen arbeitet und mit Materialien experimentiert, wurde Moses für seine mutige Komposition und Innovation kritisch gelobt.

Franco-Del Nr. 1 & Nr. 3

79 1/2 x 110 1/2 Zoll.

Acryl auf Leinwand

JOSEPH KLEITSCH - Missionskreuzgänge, San Juan Capistrano - Öl auf Leinwand - 22 1/8 x 27 in.

JOSEPH KLEITSCH

Missionskreuzgänge, San Juan Capistrano

22 1/8 x 27 in.

Öl auf Leinwand

EDGAR ALWIN PAYNE - Venezianische Boote auf Sotto Marino - Öl auf Platte - 23 3/8 x 26 1/4 Zoll.

EDGAR ALWIN PAYNE

Venezianische Boote im Sotto Marino

23 3/8 x 26 1/4 Zoll.

Öl auf dem Panel

MARILYN MINTER - After Hours - Chromogener Druck - 85 1/2 x 55 3/4 Zoll.

Nach Feierabend

85 1/2 x 55 3/4 Zoll.

Die Fotos von Ansel Adams sind © The Ansel Adams Publishing Rights Trust. Reproduziert mit Genehmigung.

Espen, Nördliches New Mexico

15 1/4 x 19 1/4 Zoll.

Gelatine Silberdruck

Harry Bertoias Willow-Skulptur wirkt wie ein Ausdruck von Anmut und Zartheit; Eigenschaften, die den üblichen Assoziationen widersprechen, die wir mit den intrinsischen Eigenschaften der Legierung haben, aus der sie hergestellt ist. Diese hängende Version - die seltene Version von Willow - scheint eine selbstbewusste Präsenz zu haben; eine, die sich an diesem Kontrast der Eigenschaften erfreut. Und doch lädt sie zu nichts weiter ein als zu existenziellem Vergnügen bei ihrer Betrachtung. Stellen Sie sich Willow als eine kühn artikulierte Version von Calder vor, wenn der letztere Meister eine organischere oder körperlichere Evokation im Sinn hatte. Aufgehängt, beherrscht sie ihren Bereich und respektiert dennoch ihre räumliche Beziehung zu ihrer Umgebung. Licht, Form, Raum - das sind die konzeptionellen Werkzeuge des Bildhauers. Aber wer sonst käme auf die Idee, ein reflektierendes Material zu verwenden, das man eher mit Unflexibilität und Spannkraft assoziiert, um einen Strauß kaskadenförmiger Stränge aus Edelstahl zu schaffen, die im Raum schweben, floramäßig und so anmutig schön?

Ohne Titel (Hängende Weide)

123 x 39 x 39 Zoll.

Stahl und Stahldraht

TADASUKE (Tadasky) KUWAYAMA - B-139 - Acryl auf Leinwand - 47 x 47 in.

TADASUKE (Tadasky) KUWAYAMA

Acryl auf Leinwand

Op Art evolved as an alternative trend in painting to the abstract expressionist movement of the 1950s. The genesis of the movement was in the 1960s, when artists such as Victor Vasarely, Bridget Riley, and Richard Anuszkiewicz embraced a more structured and geometric approach to their painting, often using visual tricks to create a sense of movement. While the artistic and spiritual predecessors to OP Art, such as Josef Albers (!888-1976), utilized a softer and more subdued approach, the Op Artists were using bold, large-scale works with variable dimensions to create their visual statement. <br><br>A student of Albers, Richard Anuszkiewicz, used enamel and acrylic paint on wood in such a way to create his uncompromising and exact compositions. A great sense of action can be felt in the present work, "Translumina". The sister piece to "Translumina," "Translumina II" (1986), is in the permanent collection of the Albright-Knox Art Gallery, Buffalo.

RICHARD ANUSZKIEWICZ

SE OK SUH - Ohne Titel - Tintenwäsche auf Papier - 40 x 44 in.

Tintenwaschen auf Papier

Richard Diebenkorn erklärte einmal: "Alle Gemälde entstehen aus einer Stimmung heraus, aus einer Beziehung zu Dingen oder Menschen, aus einem vollständigen visuellen Eindruck." Bekannt für seine prägende Rolle in der Bay Area Figurative Art-Bewegung, einer Gegenbewegung zur Abstraktion, die im New York der Nachkriegszeit dominierte, oszillierte Diebenkorn oft zwischen Figuration und Abstraktion. 1952 nahm er für ein akademisches Jahr einen Lehrauftrag an der University of Illinois in Urbana an. Dort unterrichtete er Architekturstudenten im Zeichnen und nutzte eines der Schlafzimmer in seinem Haus als Atelier. Diese Periode von 1952-53, bekannt als die Urbana-Serie, war eine produktive und entscheidende Zeit in der Entwicklung von Diebenkorns Stil. Seine innovative Erforschung der Figuration durch Abstraktion begann in diesen entscheidenden frühen Jahren und sollte in seiner weithin gefeierten Ocean Park-Serie der späten 1960er bis 80er Jahre zur vollen Entfaltung kommen.

RICHARD DIEBENKORN

Ohne Titel (Urbana-Serie)

13 7/8 x 11 Zoll.

Tinte auf Papier

Chuck Closes Serie von vier Glashologrammen stellt eine faszinierende Überschneidung seiner anhaltenden Erforschung des Selbstporträts und seines Interesses an innovativen künstlerischen Medien dar. Das Selbstporträt ist ein Eckpfeiler in Closes Schaffen, der es ihm ermöglicht, sich tief in die Feinheiten der menschlichen Identität und des künstlerischen Schaffensprozesses zu vertiefen. Die Hologramme verändern sich mit der Position des Betrachters und schaffen eine dynamische Erfahrung, die an Close' verpixelte Werke erinnert, jedoch mit einer zusätzlichen physischen Präsenz. Holography zeigt das Engagement des Künstlers, seine künstlerische Sprache weiterzuentwickeln, indem er die traditionelle Porträtmalerei geschickt mit modernen technologischen Fortschritten kombiniert, um die Grenzen der visuellen Repräsentation immer wieder herauszufordern und neu zu definieren.

CHUCK CLOSE SCHLIEßEN

14 x 11 Zoll. ea.

4er-Pack Glas-Hologramme

LARRY BELL - Thron der Patrioten - Öl und Metall auf Leinwand - 63 x 41 1/2 x 1 1/4 Zoll.

63 x 41 1/2 x 1 1/4 Zoll.

Öl und Metall auf Leinwand

Wayne Thiebaud wird weithin als Maler bewundert. Doch seine Fähigkeiten als Zeichner sind ebenso überzeugend und werden besonders in der Lithografie deutlich, einem autografischen Medium, das dafür bekannt ist, jede Geste eines Künstlers zu dokumentieren. Wie "Paint Cans" zeigt, bietet die Lithografie auch die Freiheit, Texturen und Farben zu überlagern, um die Intentionen des Künstlers gekonnt darzustellen. In der Komposition zeigt "Paint Cans" Thiebauds ausgeprägten Sinn für Ordnung, der sich aus der Betonung von Brennpunkten und Richtungslinien ergibt, die die einzigartigen Möglichkeiten aufzeigen, mit denen er eine Gruppierung von Alltagsgegenständen hervorheben kann. Es ist ein weiteres Werk, das den Betrachter mit seiner hochdetaillierten Technik und seinem Können verblüfft.

38 3/4 x 29 1/8 Zoll.

Farblithographie auf Velinpapier

"Bouquets de Fleurs" (1901) is a glowing Post-Impressionist still life. As the revolutionary wave of Impressionism receded from its apex, artists such as Henri Manguin, Henri Matisse, Kees van Dongen, Louis Valtat, and others emerged as part of the new avant-garde in Europe. These “Fauves,” or roughly translated “wild beasts,” would attack their canvases with a bold and vibrant new palette. This completely new way of painting was not initially celebrated by critics, or the artistic elite, but is today recognized among the most innovative and original artistic movements of the 20th Century. <br><br>The present work, painted just before the revolution of Fauvism took hold, demonstrates a critical transitionary period in Modern Art. The subject is depicted with a masterful compositional sense and attention to spatial relationships. Manguin’s competency in composition would allow him to experiment freely with color during the first decade of the 20th Century. The slightly later but comparable Manguin still life “Flowers” (1915) is in the permanent collection of the Hermitage Museum, St. Petersburg, Russia.

Blumensträuße

25 7/8 x 21 5/8 Zoll.

Öl auf Leinwand

JAN JOSEPHSZOON VAN GOYEN - Flusslandschaft mit einer Windmühle und einer Kapelle - Öl auf Platte - 22 1/2 x 31 3/4 Zoll.

JAN JOSEPHSZOON VAN GOYEN

Flusslandschaft mit Windmühle und Kapelle

22 1/2 x 31 3/4 Zoll.

Öl auf dem Panel

SALOMON VAN RUYSDAEL - Eine Dünenlandschaft mit rastenden Figuren und einem Paar zu Pferd, dahinter ein Blick auf die Kathedrale von Nimwegen - Öl auf Leinwand - 26 1/2 x 41 1/2 Zoll.

SALOMON VAN RUYSDAEL

Eine Dünenlandschaft mit rastenden Figuren und einem Paar zu Pferd, dahinter der Blick auf die Kathedrale von Nimwegen

26 1/2 x 41 1/2 Zoll.

Öl auf Leinwand

DAVID MORRIS - Journey - Edelstahl, Stahlfuß - 132 x 36 x 48 in.

DAVIDE MORRISSE

132 x 36 x 48 in.

Edelstahl, Stahlfuß

Als Dorothy Hood 1962 nach Houston zurückkehrte, machte die NASA zu ihrer Freude eine folgenschwere Ankündigung: Das neue Raumfahrtzentrum sollte in Houston entstehen. Die Idee der Raumfahrt entsprach ihrem langjährigen Interesse an der Kosmologie, und das heroische Streben nach einer Landung auf dem Mond weckte in der Künstlerin ein neues Interesse. Diese neue Grenze beeinflusste ihre Arbeit und ermutigte sie, größer zu arbeiten. Sie gab zu: "Die Entdeckung, was ich mit (großen Leinwänden) machen kann, ist das Wichtigste, was in meinem Leben als Malerin je passiert ist." So sehr Space Signals eine Meisterleistung der Farbfeldmalerei ist, ihre Bildsprache stammte aus anderen Quellen: regelmäßige Bilder von Raumsonden, astronomischen Objekten und ihren vielen Gesprächen mit Wissenschaftlern und Astronauten, die ihre Fantasie beflügelten. Auf den Flügeln dieser Inspiration schuf sie diese hinreißend schönen, dünn gemalten Zonen aus dampfenden Phthaloblau-Tönen.

Raumfahrt-Signale

Öl auf Leinwand

OLAF WIEGHORST - Apachen - Öl auf Leinwand - 20 x 24 Zoll.

Öl auf Leinwand

Carl Andre ist ein amerikanischer Künstler, der bei der Entwicklung der minimalistischen Skulptur half und der Ehemann der berühmten und gefeierten Künstlerin Ana Mendieta war. Es handelt sich um ein klassisches Textstück aus den frühen 1960er Jahren, das typisch für seine Gedichte ist, die sich zusammensetzen, indem man einzelne Wörter aus Quelltexten auswählt und sie dann auf der Seite nach einfachen und selbstverständlichen Kriterien ordnet, was in diesem Fall durch alphabetische Auflistung erfolgt. Der Flieger Charles Lindbergh faszinierte Carl Andre, zu dem er als Quelle für seine Gedichte zurückkehrte. Dieses Werk mit seiner strukturierten Wiederholung wie seine berühmten Skulpturen spiegelt den Minimalismus und Post-Minimalismus wider, der sich in den 1960er und 1970er Jahren herausgebildet hat, darunter der Betondichter Christopher Knowles.

Fünfhundert Bedingungen für Charles A. Lindbergh

8 x 6 1/8 Zoll.

Tinte auf Papier auf Karton

Signed, titled and dated ‘81 verso<br>JR-198-81

Neue Synthese Nr. 15

Acryl auf Leinwand

Der 1944 geborene Thomas Nozkowski schuf kleine, farbenprächtige Gemälde, die die gegensätzlichen Einflüsse der Abstrakten Expressionisten und Bauhaus-Flüchtlinge widerspiegeln, bei denen er an der Cooper Union studierte. Er verwendet einen kleinen Pinsel und schabt und reibt die Farbe auf eine Art und Weise ab, die sich im fertigen Werk niederschlägt. Er entwickelte ein unverwechselbares, breit gefächertes Vokabular, in dem er biomorph anmutende geometrische Formen in unterschiedlichen Farbschemata und einer Vielzahl von Assoziationen einsetzt: von Fliesenböden über Zellcluster bis hin zu Architektur und Weltraum. Oft sind sie aus seinen eigenen Erinnerungen und Erfahrungen destilliert. Nozkowski kommentierte dieses spezielle Gemälde (Ohne Titel, 1994) mit den Worten, dass es seine Faszination für die mythologischen Szenen widerspiegelt, die auf die Kassettentruhen der Renaissance gemalt sind. Er bezeichnete es als das beste von drei oder vier 15" x 30" großen Tafeln dieser Serie. Nozkowski wurde viele Jahre lang von der Pace Gallery betreut. Er ist 2019 verstorben.

THOMAS NOZKOWSKI

Öl auf Leinen auf Platte

LEONID LAMM - State Power - Öl auf Leinwand - 68 3/8 x 66 x 1 in.

68 3/8 x 66 x 66 x 1 in.

Öl auf Leinwand

Provenance:<br>Purchased in 1985 from The Gallery Wall<br>Private Collection, CA

Tewa Plaza in der First Mesa

Öl auf Leinwand

JOANNA POUSETTE-DART - Ohne Titel (Red Desert Study) - Acryl auf Holzplatte - 33 1/2 x 42 x 3/4 Zoll.

JOANNA POUSETTE-DART

Ohne Titel (Studie Rote Wüste)

33 1/2 x 42 x 3/4 Zoll.

Acryl auf Holzplatte

SETH KAUFMAN - Lignum Spire - Bronze mit grüner Patina - 103 1/2 x 22 x 17 in.

Lignum-Turmspitze

103 1/2 x 22 x 17 Zoll.

Bronze mit grüner Patina

Karl Benjamin und seine Kollegen Lorser Feitelson, Frederick Hammersley und John McLaughlin nehmen in der Geschichte der amerikanischen abstrakten Kunst einen besonderen Platz ein. Sie sind bekannt für ihre präzisen, geometrischen Formen und sauberen, die Flächigkeit betonenden Kanten und gehören zu den kalifornischen Hard-Edge-Malern, die in den späten 1950er Jahren aufkamen. Im Gegensatz zu Ellsworth Kelly beispielsweise spiegeln ihre Werke eine Helligkeit, Klarheit und Farbpalette wider, die eher auf die natürliche und gebaute Umgebung Kaliforniens als auf die eher urbanen und industriellen Einflüsse der Ostküste verweisen. Darüber hinaus war die kalifornische Gruppe im Vergleich zur konkurrierenden Kunstszene an der Ostküste eine relativ kleine und eng verbundene Gemeinschaft von Künstlern mit einem Sinn für Zusammenarbeit und gemeinsame Erkundungen, die zu einer zusammenhängenden Bewegung mit einer eigenen Identität beitrugen.

Öl auf Leinwand

ELAINE DE KOONING - Der Matador - Gouache auf Papier - 7 3/4 x 9 1/2 Zoll.

ELAINE DE KOONING

7 3/4 x 9 1/2 Zoll.

Gouache auf Papier

FIONA RAE - Ohne Titel (gelb, rot + braun) - Öl auf Leinwand - 72 x 78 in.

Ohne Titel (gelb, rot + braun)

Öl auf Leinwand

ARNE HIERSOUX - Ohne Titel - Acryl und Papier auf Leinwand - 71 x 94 in.

Acryl und Papier auf Leinwand

ROBERT NATKIN - Apollo XL - Acryl auf Leinwand - 88 x 116 1/4 Zoll

88 x 116 1/4 Zoll

Acryl auf Leinwand

WILLIAM WENDT - Kalifornische Landschaft - Öl auf Leinwand - 23 1/2 x 31 3/4 Zoll.

Kalifornische Landschaft

23 1/2 x 31 3/4 Zoll.

Öl auf Leinwand

Born in Onomichi in Hiroshima Prefecture, Teraoka studied at what is now Otis College of Art and Design in Los Angeles. His works are inspired by Japanese Ukiyo-e woodcut prints. However, Teraoaka infuses the style and techniques of the traditional art with American Pop Art. The mass-produced nature of Japanese woodcut prints alligns with the obsession with mass production and consumption of Pop Art. Additionally, Ukiyo, meaning “the floating world” in Edo period Japan reflected the transitory nature of Kabuki theater and pleasure houses. This transitory sense of consumerism and pleasure was also evoked in the works by Pop Artists. Teraoka’s works are a collision of two cultures and histories of art finding affinities through similar themes.<br><br>Teraoka’s pieces blend humor and social commentary. He has often touched upon subjects as diverse and urgent as the AIDs crises, consumerism, the attacks on September 11th, and more. Teraoka notes of his own work, “Integrating reality with fantasy, humor with commentary, and history with the present became my challenge.”<br><br>Works by Teraoka can be found in the Tate Modern, the Metropolitan Museum of Art, the San Francisco Museum of Modern Art, the Smithsonian, the Los Angeles County Museum of Art, the Walker Art Center, and more.

MASAMI TERAOOKA

Wave Series/Tattooed Woman at Sunset Beach

14 7/8 x 10 Zoll.

Aquarell auf Papier

FRANCIS PICABIA - Trois personnages nus - schwarze Konterfei-Kreide auf chamoisfarbenem Papier - 11 1/2 x 8 in.

FRANCIS PICABIA

Trois personnages nus

11 1/2 x 8 Zoll.

schwarze Konterfei-Kreide auf chamoisfarbenem Papier

FRANK TENNEY JOHNSON - Scouting - Öl auf Leinwand - 13 1/2 x 17 Zoll.

FRANK TENNEY JOHNSON

13 1/2 x 17 Zoll.

Öl auf Leinwand

"Interior" ist eine von Maurice Askenazys moderneren Kompositionen, die an das Werk von Bonnard oder Vuillard erinnern. Die intime Szene zeigt ein nacktes weibliches Modell, das dramatisch im Profil zu sehen ist und für einen Maler in einem sonnenverwöhnten Studio posiert. Die Tür zum Raum ist offen und erweckt den Eindruck, dass der Betrachter einen Blick auf eine private Interaktion zwischen Künstler und Modell wirft. Ein geschickt platzierter Spiegel auf der Rückseite der offenen Tür offenbart das Spiegelbild des Malers, den wir als Askenazy selbst bei der Arbeit nehmen sollen. Askenazy legt großen Wert darauf, die Details des Raumes darzustellen, vom gemusterten Ottoman bis hin zu den gerahmten Gemälden an den Wänden, die jeweils ein Mosaik von impressionistischer Farbe sind.

MAURICE ASKENAZYY

Akt mit einem japanischen Faltleinwand

Öl auf Leinwand

THEASTER GATES - Ohne Titel (Bodenbelag) - Weißzement, Schutt, Bodenbelag - 35 x 35 x 3 in.

Ohne Titel (Bodenbelag)

35 x 35 x 35 x 3 Zoll.

Weißzement, Schutt, Bodenbeläge

Robert Rauschenberg, along with Jasper Johns, Andy Warhol, and Roy Lichtenstein, started the revolution of Pop Art in the 1960s. Rauschenberg's later career was a time for the artist to work on experimental and innovative projects, including the 1993 "Prime Pump from ROCI USA (Wax Fire Works Series)." This series comes from the artist's philanthropic project, "ROCI USA," demonstrating "Rauschenberg's belief in the power of art as a catalyst for positive social change." The reference to "wax fire" in the title is Rauschenberg's term for encaustic - hot wax with colored pigments - which he used in other works from the series. <br><br>Executed in a small edition of just 17 examples, this piece incorporates printmaking, a medium to which he often returned to explore new modes for layering imagery. Rauschenberg worked on editions since the early 1960s when he was a fixture at the ULAE and Gemini G.E.L. printshops. Rauschenberg's printmaking and editioned works were an extension of the creative act for the artist; he could achieve sculptural and 3D effects through his editions.

ROBERT RAUSCHENBERG

Ansaugpumpe von ROCI USA (Wax Fire Works Series)

63 1/2 X 44 1/4 ZOLL.

Farbsiebdruck auf Papier und Lexan

ROBERTO MATTA - L'epreuve - Öl auf Leinwand - 29 1/2 x 25 1/2 in.

29 1/2 x 25 1/2 Zoll.

Öl auf Leinwand

The Arts and Crafts Movement in Great Britain and the corresponding ripples that made their way across the Atlantic Ocean were felt in the work of Jesse Arms Botke (1883-1971). Botke was born in Chicago, Illinois but found her home in California, where she had a successful career working first in Carmel and later in Southern California. <br><br>Rich textures, extensive use of gold leaf, and highly stylized birds would become synonymous with Botke's mature work as she established herself as one of the West Coast’s leading decorative mural painters of the 20th century.<br><br>"The White Peacock" (1922) shows an idyllic landscape with Botke's signature bird subject matter; the white peacock and cockatoos were among her favorite aviary subjects. Her work today can be found in countless museum collections, including the Art Institute, Chicago.

JESSIE ARMS BOTKE

Der weiße Pfau

Öl auf Leinwand

HASSEL SMITH - 9000 und 9 Nächte - Acryl und Graphit auf Leinwand - 68 x 68 1/8 in.

9000 und 9 Nächte

68 x 68 1/8 Zoll.

Acryl und Graphit auf Leinwand

Obwohl Chiyu Uemae nicht als Aktionsmaler gilt, ist er für verschiedene Ansätze bekannt, die sich auf Form, Textur und das Zusammenspiel von Farben konzentrieren. Wie in dem vorliegenden Beispiel ohne Titel trägt er die Farbe häufig mit einem Spachtel auf und erzeugt so strukturierte Schichten, die Farbpartikel wie vergrabene Juwelen direkt unter der Erde zum Leuchten bringen. Bevor er sich der Gutai-Gruppe anschloss, studierte Uemae Nan Ga, die südliche Schule der chinesischen Malerei, und er gibt an, dass seine intensive Erfahrung mit dem Kyoto-Stil des Färbens und seine Nähdisziplin seinen ausgereiften Stil geprägt haben. Uemaes Arbeiten erforschen die Materialität der Farbe und die Möglichkeiten der Leinwand und spiegeln eine tiefe Auseinandersetzung mit dem Akt des Malens selbst wider.

31 3/8 x 19 3/4 Zoll.

Öl auf dem Panel

DONALD SULTAN - Gelbe Tulpe Nr. 18 - Öl und Teer auf Papier - 20 x 20 Zoll.

Gelbe Tulpe Nr. 18

Öl und Teer auf Papier

HENRY MOORE - Emperor's Heads - Bronze mit brauner Patina - 6 3/4 x 8 1/4 x 4 1/2 in.

6 3/4 x 8 1/4 x 4 1/2 Zoll.

Bronze mit brauner Patina

FRANCISCO TOLEDO - Ohne Titel - Mischtechnik auf Papier - 8 x 10 1/4 Zoll

FRANCISCO TOLEDO

8 x 10 1/4 Zoll.

Mischtechnik auf Papier

Hand blown glass with multiple incalmo of colored glass and filligrana. Switching the axel of the glass bubble and adjoining two glass bubbles with raticallo technique. Engraved partially on the surface with different patterns.<br><br>Lino Tagliapietra, a native to Murano, is one of the world's preeminent glass artists.

LINO TAGLIAPIETRA

13 x 11 x 3 Zoll.

KAREL APPEL - Kopf im Sturm - Öl auf Leinwand - 10 x 14 1/4 Zoll.

10 x 14 1/4 Zoll.

Öl auf Leinwand

LEROY NEIMAN - Equestrian Horseman - Mischtechnik auf Papier - 22 x 28 Zoll.

Reiter und Reiterin

Mischtechnik auf Papier

PABLO PICASSO - La Danse - weißer Keramikteller aus Essgeschirr, teilweise graviert, mit farbiger Engobe und Glasur - 12 1/2 x 15 Zoll.

12 1/2 x 15 Zoll.

weißer Keramikteller aus Essgeschirr, teilweise graviert, mit farbiger Engobe und Glasur

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Bildung ist bei Heather James Art Advisory von größter Bedeutung. Egal, ob Sie ein erfahrener Sammler sind oder gerade erst anfangen, wir wollen mit unseren Kunden wachsen und glauben fest daran, dass wir unseren Kunden Informationen und Einblicke geben, damit sie lernen und ihre Kunstinteressen kultivieren können.

Kuratieren

Heather James Art Advisory verfügt über jahrzehntelange Erfahrung als Kuratorin und wird dabei von unseren leitenden Kuratoren unterstützt, die weltweit Ausstellungen in Museen, Galerien und in Privatwohnungen organisiert haben. Indem wir ästhetische und kunsthistorische Elemente zusammenbringen, helfen wir Ihrer Sammlung und Ihrem Zuhause, Ihre künstlerischen Interessen widerzuspiegeln.

Logistik

HJ Art Advisory bietet eine komplette Logistik für die Handhabung, den Transport und die Überwachung der Kunstwerke unserer Kunden. Unsere Beaufsichtigung umfasst jeden Aspekt der Betreuung des Kunstwerks. Wir beaufsichtigen jeden Schritt des Prozesses beim Transport, der Installation und der Lagerung von Kunstwerken. Wir beraten und unterstützen bei der Gestaltung von Rahmen, Beleuchtung, Sicherheitsanforderungen, Konservierung und Zustandsbewertung.

Dokumentation

Beim Kauf von Kunstwerken recherchiert HJ Art Advisory die Herkunft des Kunstwerks und holt Zusicherungen und Garantien des Verkäufers ein, dass der Verkäufer über gültige Eigentumsrechte verfügt und dass das Objekt frei von Pfandrechten, Ansprüchen und Belastungen ist.
HJ Art Advisory wird eine Entschädigung für die volle Rückerstattung des Kunstwerkes im Falle einer Verletzung der Garantie verlangen (möglicherweise mit dieser Zeile???).
Private Verkäufe und Auktionsverfahren: Zu den wichtigen Informationen, die erfasst werden müssen, gehören: Künstler, Titel des Kunstwerks, Datum, Medium, Abmessungen, Preis, Bild, Anbieter, Provenienz, Zertifikate, Rechnung (wenn möglich), Zustandsbericht, Pfandrechte, Rechtsstreitigkeiten, Eigentumstitel.

Museum Leihgaben

Heather James hatte die Ehre, Leihgaben an führende Museen in der ganzen Welt zu vermitteln, darunter das MoMA, das Centre Pompidou und andere. HJ Art Advisory kümmert sich um den gesamten notwendigen Papierkram und die Logistik für unsere Sammler, die sich entschließen, ein Kunstwerk für eine Museumsausstellung zu leihen.

Authentifizierung

HJ Art Advisory hält die höchsten Standards der Sorgfaltspflicht ein, indem es vor dem Erwerb von Objekten Nachforschungen anstellt und deren Herkunft prüft, um sicherzustellen, dass ein klares Eigentumsrecht erworben werden kann. Solche Nachforschungen beinhalten, sind aber nicht beschränkt auf, die Bestimmung:

Eigentumsgeschichte des Objekts
Länder, in denen das Objekt gefunden wurde und wann.
Ausstellungsgeschichte des Objekts
Geschichte der Veröffentlichung des Objekts
Etwaige Eigentumsansprüche, falls sie geltend gemacht wurden
Datenbanken mit gestohlenen Gegenständen, die für das Objekt relevant sind
Die Umstände, unter denen der Gegenstand angeboten wird
Einschlägige Forschungsquellen, einschließlich: Das ArtLoss Register oder andere Datenbanken.
Garantie- und Entschädigungserklärungen des Verkäufers, die sicherstellen, dass der Verkäufer über gültige Eigentumsrechte verfügt und das Objekt frei von Pfandrechten, Forderungen und Belastungen ist
Forschung und Dokumentation zur Zeit des Nationalsozialismus und des Zweiten Weltkriegs gemäß den Leitlinien für den Erwerb von Objekten, die sich wahrscheinlich zwischen 1933 und 1945 im von den Deutschen besetzten Europa befunden haben

Finanzen

HJ Art Advisory unterstützt Kunden bei Asset-Backed-Lending, dem Erwerb von Kunst für Trusts und der Nachlassplanung. Wir bieten unser Fachwissen über den Kunstmarkt an, um unsere Kunden bei der Entscheidungsfindung für ihre Sammlung bestmöglich zu unterstützen. Wir arbeiten mit Nachlässen, Rechtsteams und Finanzberatern zusammen, um unsere Kunden und ihre Ziele bestmöglich zu unterstützen.
Heather James Fine Art ist kein eingetragener Anlage-, Rechts- oder Steuerberater. Alle von Heather James Fine Art geäußerten Anlage- und Finanzmeinungen sind Meinungen, die auf persönlichen Recherchen beruhen. Die Wertentwicklung in der Vergangenheit ist weder eine Garantie für zukünftige Erträge noch ist sie notwendigerweise ein Indikator für die zukünftige Wertentwicklung.

Verkäufe und Akquisitionen

HJ Art Advisory konzentriert sich auf die Beschaffung von Kunstwerken für potenzielle Ankäufe aus Privatverkäufen, Auktionshäusern und Künstleraufträgen. HJ Art Advisory beobachtet kontinuierlich den privaten und öffentlichen Markt auf der Suche nach bedeutenden Kunstwerken, die den Interessen unserer Kunden entsprechen und ihre Sammlungen bereichern. Wir verhandeln im Auftrag eines Sammlers den Verkaufs- oder Verkaufspreis, um für unsere Kunden das bestmögliche Geschäft zu erzielen.

Wert & Versicherung

Die HJ Art Advisory Group bewertet und schätzt Kunstsammlungen im Hinblick auf die Bewertung durch Versicherungen, den Erwerb und die Deakzession. Dazu gehört eine eingehende Untersuchung des privaten und öffentlichen Kunstmarktes, um den Wert zu ermitteln.

Kennerschaft

HJ Art Advisory arbeitet mit und im Namen von Kunden, die neue Sammlungen aufbauen oder über gut etablierte Sammlungen verfügen, und bietet Beratung und ein umfassendes Dienstleistungsangebot. Unser umfangreiches Wissen und unsere langjährige Erfahrung im Kunstgeschäft versetzen unsere hochqualifizierten und erfahrenen Mitarbeiter in die Lage, Beratung und Orientierung auf mehreren Ebenen zu bieten.

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