Jackson Hole Galerie - Sommer 2025

VERÖFFENTLICHT IN: Galerie Rundgänge

In der wilden Schönheit von Jackson Hole, Wyoming, mit den Nationalparks als atemberaubende Kulisse gelegen, bringt Heather James Jackson seit über einem Jahrzehnt Kunstwerke und Dienstleistungen von höchstem Niveau in das Intermountain West.

Heather James ist bestrebt, eine unvergleichliche Auswahl an Kunstwerken und Dienstleistungen für Einheimische und Besucher anzubieten, die Jackson Hole zu einem unvergleichlichen Ziel für die amerikanische Kultur und die freie Natur machen.

 

 

 

 

KUNSTWERKE, DIE DERZEIT IN HEATHER JAMES JACKSON HOLE ZU SEHEN SIND

 

 

ANDREW WYETH - Star Route - Aquarell auf Papier - 21 1/4 x 29 in.

ANDREW WYETH WYETH

RICHARD SERRA - Cape Breton Horizontal Reversal No. 16 - Litho-Kreide auf zwei Blättern handgeschöpften Papiers - 19 3/4 x 55 7/8 in.

RICHARD SERRA

<div><font face=Lato size=3>Andy Warhol’s "Marilyn #30" (1967) is part of the artist’s landmark Marilyn portfolio, one of his most celebrated and sought-after series. From an edition of 250 (this work numbered 138/250, with 26 artist’s proofs), the portfolio is represented in major institutions including the Museum of Modern Art, New York. </font></div><div><font face=Lato size=3> </font></div><div><font face=Lato size=3>Based on a publicity still from the 1953 film Niagara, Warhol’s Marilyns epitomize his fascination with celebrity, mass media, and the power of the reproduced image. Each print in the series was created with five screens—one carrying the photographic likeness and four for areas of color—deliberately layered with bold hues that are at times slightly off-register. This misalignment heightens the tension between glamour and artifice, echoing the fragile brilliance of Marilyn Monroe’s own persona. </font></div><div><font face=Lato size=3> </font></div><div><font face=Lato size=3>As one of Warhol’s defining bodies of work, the "Marilyn" prints remain icons of Pop Art, merging Hollywood stardom with silkscreen’s mechanical repetition to create a timeless meditation on fame, desire, and image. </font></div>

ANDY WARHOL

Alexander Calders Rouge Mouille (Wet Red) zeigt einen Hintergrund aus roten Kreisen, von denen sich einige wie Explosionen auflösen und ein Gefühl von energetischer Ausdehnung vermitteln, während andere nach unten laufen, als ob sie die Spuren eines Feuerwerks ziehen. Dieser animierte Hintergrund ist mit zahlreichen undurchsichtigen runden Kugeln geschmückt, die überwiegend schwarz sind, aber von auffälligen blauen, roten und dezent gelben Kugeln durchsetzt sind. Die strategische Platzierung der bunten Kugeln im Kontrast zu den explosiven Rottönen fängt die Ehrfurcht und das Spektakel eines Feuerwerks ein und verwandelt das Gemälde in eine visuelle Metapher für dieses schillernde und feierliche Ereignis. Das Kunstwerk strahlt Spannung und Lebendigkeit aus und fasst die vergängliche Schönheit in einem statischen Medium zusammen.

ALEXANDER KALANDER

"Wigwam rouge et jaune", ein fesselndes Gouache-Gemälde von Alexander Calder, ist eine lebendige Erkundung von Design und Farbe. Die Komposition wird von einem Gitter aus diagonalen Linien dominiert, die sich in der Nähe ihres Scheitelpunkts kreuzen, und strahlt ein dynamisches Gleichgewicht aus. Calder bringt mit roten und gelben Rautenformen ein Element der Laune ins Spiel, das dem Werk Verspieltheit verleiht und eine festliche Atmosphäre schafft. Rote Kugeln am Scheitelpunkt der rechten Linien erwecken einen skurrilen Eindruck, während kleinere graue Kugeln auf den linken Linien für Kontrast und Gleichgewicht sorgen. Calders meisterhafte Verschmelzung von Einfachheit und lebendigen Designelementen macht Wigwam rouge et jaune zu einem visuellen Vergnügen.

ALEXANDER KALANDER

© 2023 Calder Foundation, New York / Artists Rights Society (ARS), New York

ALEXANDER KALANDER

ALEXANDER CALDER - Die ovale Spirale - Gouache und Tinte auf Papier - 43 1/4 x 29 1/2 in.

ALEXANDER KALANDER

HARRY BERTOIA - Untitled (Sounding Sculpture) - Berylliumkupfer und Bronze mit Holzsockel - 36 1/2 x 8 x 8 in.

HARRY BERTOIA

HARRY BERTOIA - Weidenskulptur - Edelstahl - 61 1/2 x 39 x 39 Zoll.

HARRY BERTOIA

<div><font face=Calibri size=3 color=black>Harry Bertoia was an authentic visionary in art, and they are rare. Of those whose métier is sculpture, Alexander Calder and Harry Bertoia are the twentieth-century American standouts. They are engineers of beauty; their creative currency is feats of invention and pure artistry that honor our experience of them (if we are willing to quiet our mind) as if a sacred event. It was Duchamp who suggested Calder call his kinetic works “mobiles”, but it was up to Bertoia himself to coin a word to describe something for which there was little precedent. Visually precise, kinetic, and offering resonant, vibratory sound, a “Sonambient” sculpture is at once a metaphor for our sentient experience in the world yet capable of inducing an aura of transcendent experience. Given that insight, it is easy to understand Bertoia’s view that “I don’t hold onto terms like music and sculpture anymore. Those old distinctions have lost all their meaning.”</font></div><div> </div><div><font face=Calibri size=3 color=black>The present “Sonambient” sculpture is a forty-eight-inch-tall curtain of thin-gauged tines. Once activated, it becomes a 15 3/4 inch long, 8 inches deep wall of sound. Five rows of narrow tines are staggered in number, alternating between 30 and 29 tines that, when activated, present as an undulating wall of sound. When touched or moved by air currents, the rods produce a sound that, while metallic, does not betray its source of inspiration: the serene connection Bertoia felt in observing the gentle undulating movement of desert grasses. As always, this is a Bertoia sculpture that invites participation in the experience of changing shapes and sounds, a participatory work that asks us to be present in the moment, to connect across time with the object and its creator.</font></div>

HARRY BERTOIA

Die essentielle und dramatische Aussage „Es werde Licht“ aus der Genesis ist nicht weit entfernt von Mary Corses Erinnerung an den Moment im Jahr 1968, als die späte Nachmittagssonne die reflektierenden Straßenmarkierungen von Malibu elektrisierte, während sie nach Osten fuhr. In einem Augenblick lieferten die leuchtenden Asphaltmarkierungen ihr die Erkenntnis, dass sie „Licht in das Gemälde bringen und nicht nur ein Bild von Licht schaffen“ konnte. Unter Verwendung derselben Glasmikrokügelchen, die auch von Straßenmeistereien verwendet werden, schichtet und bettet sie das prismatische Material in Bändern und geometrischen Konfigurationen ein und schafft so nuancierte, schimmernde abstrakte Felder, die sich verändern, wenn sich der Betrachter im Verhältnis zum Werk bewegt. Bewegt man sich zur Seite, hellt sich die Dunkelheit auf. Wenn man hin und her geht, spürt man möglicherweise einen wellenförmigen Effekt aufgrund der schimmernden, prismatischen Effekte. Ein fotografisches Abbild eines Gemäldes mit Mikrokugeln von Mary Corse ist nicht nur eine langweilige Darstellung, sondern verfehlt auch den Sinn – es handelt sich um eine erlebnisabhängige Kunst, die Beteiligung erfordert, um „zu sein”. Natürlich widersetzt sich „Untitled” (1975) dieser statischen Ein-Punkt-Perspektive und setzt stattdessen auf eine interaktive Kunsterfahrung in Echtzeit, die das Bewusstsein für den Körper im Raum schärft, während der Betrachter Veränderungen der Netzhautstimulation, der Empfindung und des Gefühls erlebt. Es ist ein seltenes Werk. Mit einer ungewöhnlich kleinen Größe von zwei Fuß im Quadrat widersprechen sein Design, seine Geometrie und seine Farbe ihrer früheren Offenbarung, die zu einer Hingabe an ihre übliche reduzierte Farbpalette führte. Stattdessen ist es ein kühnes Statement in glitzernden Farben, dessen Mittelfeld an den Ecken von einem funkelnden roten Stufenmotiv begrenzt wird, das es von den sternenklaren Eckzwickeln trennt. Es enthält zwar kein Sternmotiv, aber es hat den Glamour und die Präsenz, die zum Hollywood Walk of Fame gehören.

MARY CORSE

<div><font face=Lato size=3>Andy Warhol’s <span style='font-style: italic;'>Mao</span> (1972) is one of the artist’s most iconic and provocative screenprints, reflecting his fascination with the intersection of political power and celebrity culture. This impression, numbered 244/250, comes from the regular edition of 250, in addition to 50 artist’s proofs. Warhol based the image on the widely circulated official portrait of Chairman Mao Zedong, a figure whose likeness was omnipresent in China during the Cultural Revolution. By reimagining the image through his vivid Pop palette, Warhol transformed a symbol of political authority into a mass-produced cultural icon. </font></div><div><font face=Lato size=3> </font></div><div><font face=Lato size=3>In this version, Mao’s face is rendered in a striking deep blue, offset by a green shirt and set against a turquoise background. The bold chromatic choices infuse the portrait with both drama and irony, destabilizing the original propagandistic authority of the image. Warhol further heightens this tension by juxtaposing flat, mechanical silkscreen layers with painterly flourishes, blurring the line between mass production and individual expression. </font></div><div><font face=Lato size=3> </font></div><div><font face=Lato size=3>The <span style='font-style: italic;'>Mao </span>series marked a new chapter in Warhol’s career in the 1970s, shifting from Hollywood stars to figures of global influence. Today, these works are regarded as essential statements on the nature of power, fame, and the pervasive reach of the image in contemporary culture. </font></div>

ANDY WARHOL

Ray Parkers frühe Beiträge zur Farbfeldmalerei aus den späten 1950er bis Mitte der 1960er Jahre zeichnen sich durch ihre lebendige, frische Qualität aus. Parker arrangierte zwei oder mehr robuste, grobkantige Farbblöcke mit einer kräftigen, pinselartigen Technik auf großen, mit Gesso vorbereiteten Leinwänden. Diese Blöcke, die in gesättigten und doch subtil leuchtenden Farben wiedergegeben werden, weisen eine ausgeprägte Energie auf. Parkers Kompositionen erinnern zwar an Rothkos, doch die Art und Weise, wie die Farben eingesetzt werden - solide und kraftvoll - unterscheidet sie von diesen. Unter Beibehaltung des großen Maßstabs und der Dynamik der New York School weicht Parkers Arbeit von der emotionalen Intensität ab, die oft mit dem Abstrakten Expressionismus assoziiert wird, und umfasst eine Vision der Bewegung, die frei von ihrem typischen Pathos ist.

RAY PARKER

RUSSELL YOUNG – Elvis Heartbreak Hotel (Diptychon) – Acryl- und Ölfarbe sowie Diamantstaub, handgefertigter Siebdruck auf Leinen – 160 x 239 cm

RUSSELL YOUNG

Diese gut erhaltene Glocke ist eine der größten bekannten Bronzen aus der südostasiatischen Bronzezeit und wurde allgemein nach der Dongson-Stätte in Nordvietnam benannt. Das wirbelnde Banddesign ist fein und klar gegossen. Dongson-Bronzetrommeln wurden auch in Südchina, Thailand, Laos, Westmalaysia und Indonesien sowie im Fernen Osten bis nach Westjava im Iran gefunden. Die Dong-Son-Kultur ist eine bronzezeitliche Kultur, die von etwa 1000 bis 1 v. Chr. ganz Südostasien und den indomalaiischen Archipel umfasste. Die Dong Son, deren Zentrum das Tal des Roten Flusses in Vietnam war, waren hochentwickelte Bauern, die Reis anbauten und Büffel züchteten. Die Dong Son entstanden wahrscheinlich aus lokalen neolithischen Kulturen wie den Phung Nguyen und Dong Dau. Die Dong Son werden mit der Van Lang-Dynastie identifiziert, der ersten Herrscherdynastie Vietnams. Im zweiten Jahrhundert v. Chr. wurden die Auswirkungen der Han-Dynastie in China spürbar, und historischen Aufzeichnungen zufolge wurden die Dong Son in das Gebiet der Han-Dynastie eingegliedert.

SÜDOSTASIATISCH

<div><font face=Lato size=3 color=black>Wayne Thiebaud’s <span style='font-style: italic;'>Breakfast</span>, from an edition of 50, demonstrates the artist’s signature blend of Pop-inflected realism and painterly intimacy. Executed in colored drypoint, the work captures the simple subject of a morning meal with a remarkable freshness: hatching lines soften and blur the composition, creating a pastel-like effect that distinguishes it from the crispness of commercial print design. Though slightly faded, the impression retains the playful chromatic sensibility and softly modeled shadowing that became hallmarks of Thiebaud’s style.</font></div><div><font face=Lato size=3> </font></div><div><font face=Lato size=3 color=black>Since the early 1960s, Thiebaud has been celebrated for his depictions of food—cakes, pies, gumball machines, and diner counters—rendered not as literal meals but as cultural icons, at once nostalgic and idealized. In <span style='font-style: italic;'>Breakfast</span>, the modest meal is transformed into a subject of contemplation and delight, celebrating the pleasures of everyday American life while evoking memory and desire. The combination of precision and informality speaks to Thiebaud’s ability to merge the immediacy of drawing with the enduring resonance of painting.</font></div><div><font face=Lato size=3> </font></div><div><font face=Lato size=3 color=black>Institutional recognition of the work’s importance is reflected in its inclusion within the National Gallery of Art, Washington, affirming its role within Thiebaud’s larger project of elevating common objects into images of enduring cultural significance.</font></div>

WAYNE THIEBAUD

ELLSWORTH KELLY - Ohne Titel, (aus der Mappe Eight by Eight to celebrate the Temporary Contemporary) - Lithografie auf Bogenpapier - 28 3/4 x 40 3/4 Zoll.

ELLSWORTH KELLY

ALEX KATZ - Vivien - Siebdruck auf Museumskarton - 39 x 41 Zoll.

ALEX KATZ

ELLSWORTH KELLY - Rote Kurve - Farblithographie - 10 x 7 1/2 Zoll.

ELLSWORTH KELLY

ELLSWORTH KELLY - Rote Kurve (Schwarzer Staat) - Farblithographie - 10 x 7 1/2 Zoll.

ELLSWORTH KELLY

JOSEF ALBERS - Rezeptur: Artikulation - Siebdruck - links: 10 x 17 1/2 Zoll, rechts: 6 x 10 1/2 Zoll.

JOSEF ALBERS

JOSEF ALBERS - Rezeptur: Artikulation - Siebdruck - 12 x 11 3/4 in. ea.

JOSEF ALBERS

LAWRENCE SCHILLER - End of the Day, Marilyn Monroe, "Something's Got to Give" - Silbergelatineabzug - 20 x 24 Zoll.

LAWRENCE SCHILLER