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Obras de arte en la galería de Palm Desert

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El 15 de mayo de 1886 nació un manifiesto visual para un nuevo movimiento artístico cuando se presentó la obra cumbre de Georges Seurat, Una tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte, en la Octava Exposición Impresionista. Seurat puede reivindicar el título de "Impresionista científico" original, trabajando de una manera que llegó a conocerse como Puntillismo o Divisionismo. Sin embargo, fue su amigo y confidente Paul Signac, de 24 años, y su diálogo constante lo que propició una colaboración en la comprensión de la física de la luz y el color y el estilo que surgió. Signac era un pintor impresionista sin formación, pero con un talento asombroso, cuyo temperamento se adaptaba perfectamente al rigor y la disciplina necesarios para lograr la pincelada y el color laboriosos. Signac asimiló rápidamente la técnica. También fue testigo del arduo viaje de dos años de Seurat construyendo miríadas de capas de puntos de color sin mezclar en La Grande Jatte, de tamaño colosal. Juntos, Signac, el extrovertido descarado, y Seurat, el introvertido reservado, estaban a punto de subvertir el curso del Impresionismo y cambiar el curso del arte moderno.

Les Andelys. L'Île à Lucas

Junio-Julio 1886

25 1/4 x 17 7/8 pulg.

óleo sobre lienzo

Led by a triumvirate of painters of the American Scene, Thomas Hart Benton, John Steuart Curry, and Grant Wood took on the task of exploring, defining, and celebrating the Midwest as a credible entity within the geographical, political, and mythological landscape of the United States. Their populist works were figurative and narrative-driven, and they gained widespread popularity among a Depression-weary American public. The landscapes Grant Wood painted, and the lithographs marketed by Associated American Artists were comforting reminders of traditional Midwestern values and the simplicity of country life. Yet, Wood's most iconic works, including American Gothic, were to be viewed through the lens of elusive narratives and witty ironies that reflect an artist who delighted in sharing his charming and humorous perspective on farm life. <br><br>In 1930, Wood achieved national fame and recognition with American Gothic, a fictionalized depiction of his sister, Nan, and his family dentist. Frequently regarded as the most famous American painting of the twentieth century, to fully grasp American Gothic's essential nature, one must recognize Wood's profound connection to his Iowan roots, a bond that borders on a singular fixation and the often-brutal confrontation between the moral and cultural rigidity of Midwest isolationism and the standards that prevailed elsewhere in America. This war of values and morality became dominant throughout Wood's oeuvre. Their fascination with American Gothic may have mystified the public, but the story, told in the attitude of a farmer and his wife, is as lean and brittle as the pitchfork he carries. Their attitude, as defiant as it is confrontational, is an unflinching dare to uppity gallery-goers to judge their immaculate well-scrubbed farm. American Gothic became an overnight sensation, an ambiguous national icon often interpreted as a self-effacing parody of midwestern life. Yet it also served as an unflinching mirror to urban elite attitudes and their often-derisive view of heartland values and way of life. In Grant Wood's hands, the people of the Midwest have stiffened and soured, their rectitude implacable.<br> <br>Portrait of Nan is Grant Wood's most intimate work. He may have been motivated to paint it to make amends for the significant scrutiny and harsh treatment his sister received as American Gothic's sternly posed female. Grant poured his heart into it as a sign of sibling love. Intent upon painting her as straightforward and simply as possible so as not to invite unintended interpretations, Wood's deep attachment to the portrait was significant enough for him to think of it as having irreplaceable value. When he moved from Cedar Rapids to Iowa City in 1935, he designed his entire living room around the work. It occupied the place of honor above the fireplace and was the only painting he refused to sell. <br> <br>The lithograph July Fifteenth, issued in 1938, proves his mystical vision of the Iowan heartland is anything but a pitchfork approach. Drawings assumed central importance in Wood's output, and this work is executed in meticulous detail, proving his drawings were at least as complex, if not more so, than his paintings. The surface of the present work takes on an elaborate, decorative rhythm, echoed throughout the land that is soft, verdant, and fertile. Structurally, it alludes in equal measure to the geometry of modern art and the decorative patterning of folk-art traditions. This is a magical place, a fulsome display of an idealized version of an eternal, lovely, and benign heartland. <br><br>The Young Artist, an en plein air sketch, may have been produced during, or slightly after, what Wood called his "palette-knife stage" that consumed him in 1925. Having not yet traveled to Munich where, in 1928, he worked on a stain-glass window commission and came under the influence of the Northern Renaissance painters that sparked his interest in the compositional severity and detailed technique associated with his mature works, here, he worked quickly, and decisively. The view is from a hilltop at Kenwood Park that overlooks the Cedar River Valley near Cedar Rapids, where he built a house for his sister, Nan.

35 1/2 x 29 1/2 x 1 pulg.

aceite en la masonita

<br>In Diego Rivera’s portrait of Enriqueta Dávila, the artist asserts a Mexicanidad, a quality of Mexican-ness, in the work along with his strong feelings towards the sitter. Moreover, this painting is unique amongst his portraiture in its use of symbolism, giving us a strong if opaque picture of the relationship between artist and sitter.<br><br>Enriqueta, a descendent of the prominent Goldbaum family, was married to the theater entrepreneur, José María Dávila. The two were close friends with Rivera, and the artist initially requested to paint Enriqueta’s portrait. Enriqueta found the request unconventional and relented on the condition that Rivera paints her daughter, Enriqueta “Quetita”. Rivera captures the spirit of the mother through the use of duality in different sections of the painting, from the floorboards to her hands, and even the flowers. Why the split in the horizon of the floorboard? Why the prominent cross while Enriqueta’s family is Jewish? Even her pose is interesting, showcasing a woman in control of her own power, highlighted by her hand on her hip which Rivera referred to as a claw, further complicating our understanding of her stature.<br><br>This use of flowers, along with her “rebozo” or shawl, asserts a Mexican identity. Rivera was adept at including and centering flowers in his works which became a kind of signature device. The flowers show bromeliads and roselles; the former is epiphytic and the latter known as flor de jamaica and often used in hibiscus tea and aguas frescas. There is a tension then between these two flowers, emphasizing the complicated relationship between Enriqueta and Rivera. On the one hand, Rivera demonstrates both his and the sitter’s Mexican identity despite the foreign root of Enriqueta’s family but there may be more pointed meaning revealing Rivera’s feelings to the subject. The flowers, as they often do in still life paintings, may also refer to the fleeting nature of life and beauty. The portrait for her daughter shares some similarities from the use of shawl and flowers, but through simple changes in gestures and type and placement of flowers, Rivera illuminates a stronger personality in Enriqueta and a more dynamic relationship as filtered through his lens.<br><br>A closer examination of even her clothing reveals profound meaning. Instead of a dress more in line for a socialite, Rivera has Enriqueta in a regional dress from Jalisco, emphasizing both of their Mexican identities. On the other hand, her coral jewelry, repeated in the color of her shoes, hints at multiple meanings from foreignness and exoticism to protection and vitality. From Ancient Egypt to Classical Rome to today, coral has been used for jewelry and to have been believed to have properties both real and symbolic. Coral jewelry is seen in Renaissance paintings indicating the vitality and purity of woman or as a protective amulet for infants. It is also used as a reminder, when paired with the infant Jesus, of his future sacrifice. Diego’s use of coral recalls these Renaissance portraits, supported by the plain background of the painting and the ribbon indicating the maker and date similar to Old Master works.<br><br>When combined in the portrait of Enriqueta, we get a layered and tense building of symbolism. Rivera both emphasizes her Mexican identity but also her foreign roots. He symbolizes her beauty and vitality but look closely at half of her face and it is as if Rivera has painted his own features onto hers. The richness of symbolism hints at the complex relationship between artist and sitter.

Retrato de Enriqueta G. Dávila

79 1/8 x 48 3/8 pulg.

óleo sobre lienzo

Según el catálogo razonado recopilado por el Brandywine River Museum of Art, el dibujo preliminar de Puritan Cod Fishers fue realizado por N. C. Wyeth antes de su muerte, en octubre de 1945. La entrada registra una imagen del boceto, así como las inscripciones del artista y su título, Puritan Cod Fishers, caracterizado por el catálogo como "alternativo". En cualquier caso, el lienzo a gran escala es una obra única que Andrew Wyeth recordaría más tarde que fue pintada únicamente por su mano, una colaboración delimitada del diseño y la composición del padre llevada a buen término por la ejecución de un hijo notable. Para Andrew, debió de ser una experiencia profundamente sentida y emotiva. Dada la atención de su padre a los detalles y la autenticidad, las líneas de la pequeña embarcación de vela representan un chalote, en uso durante el siglo XVI. Por otra parte, es probable que Andrew intensificara los matices del inquieto mar más de lo que lo hubiera hecho su padre, una elección que realza adecuadamente la peligrosa naturaleza de la tarea.

Andrew Wyeth y N. C. Wyeth

Pescadores de bacalao puritanos

108 1/2 x 157 1/2 in.

óleo sobre lienzo

WILLEM DE KOONING - Mujer en un bote de remos - óleo sobre papel colocado sobre masonita - 47 1/2 x 36 1/4 in.

WILLEM DE KOONING

Mujer en un bote de remos

47 1/2 x 36 1/4 in.

óleo sobre papel colocado en masonita

Alexander Calder was a key figure in the development of abstract sculpture and is renowned for his groundbreaking work in kinetic art; he is one of the most influential artists of the Twentieth Century. "Prelude to Man-Eater" is a delicately balanced standing sculpture that responds to air currents, creating a constantly changing and dynamic visual experience.<br><br>Calder's Standing Mobiles were a result of his continuous experimentation with materials, form, and balance. This Standing Mobile is a historically significant prelude to a larger work commissioned in 1945 by Alfred Barr, the first director of the Museum of Modern Art in New York. "Prelude to Maneater" is designed to be viewed from multiple angles, encouraging viewers to walk around and interact with it.<br><br>The present work is a formal study for Man-Eater With Pennant (1945), part of the permanent collection of the Museum of Modern Art in New York. The work is also represented in "Sketches for Mobiles: Prelude to Man-Eater; Starfish; Octopus", which is in the permanent collection of the Harvard Fogg Museum.<br><br>Calder's mobiles and stabiles can be found in esteemed private collections and the collections of major museums worldwide, including the Museum of Modern Art in New York, the National Gallery of Art in Washington, D.C., the Whitney Museum of American Art, New York, the Art Institute of Chicago, and the Tate Gallery in London among others.

ALEXANDER CALDER

Preludio a la devoradora de hombres

59 x 42 x 18 pulg.

chapa, alambre, pintura

N.C. Wyeth’s extraordinary skills as an illustrator were borne of impeccable draftsmanship and as a painter, his warmly rich, harmonious sense of color, and ability to capture the quality of light itself. But it is his unmatched artistry in vivifying story and character with a powerful sense of mood that we admire most of all — the ability to transport himself to the world and time of his creation and to convey it with a beguiling sense of conviction. That ability is as apparent in the compositional complexities of Treasure Island’s “One More Step, Mr. Hands!” as it is here, in the summary account of a square-rigged, seventeenth-century merchant ship tossed upon the seas. The Coming of the Mayflower in 1620 is a simple statement of observable facts, yet Wyeth’s impeccable genius as an illustrator imbues it with the bracing salt air and taste that captures the adventuresome spirit of the men and women who are largely credited with the founding of America. That spirit is carried on the wind and tautly billowed sails, the jaunty heeling of the ship at the nose of a stiff gale, the thrusting, streamed-limned clouds, and the gulls jauntily arranged to celebrate an arrival as they are the feathered angels of providence guiding it to safe harbor.<br><br>The Coming of the Mayflower in 1620 was based on two studies, a composition drawing in graphite and a small presentation painting. The finished mural appears to have been installed in 1941.

La llegada del Mayflower en 1620

104 1/2 x 158 3/4 in.

óleo sobre lienzo

TOM WESSELMANN - Fumador nº 21 - óleo sobre lienzo perfilado - 74 1/2 x 67 1/2 pulg.

74 1/2 x 67 1/2 pulg.

óleo sobre lienzo perfilado

Between Île-de-France and Burgundy and on the edge of the Fontainebleau Forest lies the medieval village of Moret-sur-Loing, established in the 12th century. When Alfred Sisley described its character to Monet in a letter dated 31 August 1881 as “a chocolate-box landscape…” he meant it as a memento of enticement; that its keep, the ramparts, the church, the fortified gates, and the ornate facades nestled along the river were, for a painter, a setting of unmatched charm. An ancient church, always the most striking townscape feature along the Seine Valley, would be a presence in Sisley’s townscape views as it was for Corot, and for Monet at Vétheuil. But unlike Monet whose thirty views of Rouen Cathedral were executed so he could trace the play of light and shadow across the cathedral façade and capture the ephemeral nature of moment-to-moment changes of light and atmosphere, Sisley set out to affirm the permanent nature of the church of Notre-Dame at Moret-sur-Loing. Monet’s sole concern was air and light, and Sisley’s appears to be an homage keepsake. The painting exudes respect for the original architects and builders of a structure so impregnable and resolute, it stood then as it did in those medieval times, and which for us, stands today, as it will, for time immemorial.<br><br>Nevertheless, Sisley strived to show the changing appearance of the motif through a series of atmospheric changes. He gave the works titles such as “In Sunshine”, “Under Frost”, and “In Rain” and exhibited them as a group at the Salon du Champ-de-Mars in 1894, factors that suggest he thought of them as serial interpretations. Nevertheless, unlike Monet’s work, l’église de Moret, le Soir reveals that Sisley chose to display the motif within a spatial context that accentuates its compositional attributes — the plunging perspective of the narrow street at left, the strong diagonal recession of the building lines as a counterbalance to the right, and the imposing weight of the stony building above the line of sight.

L'Église de Moret, le Soir

31 1/4 x 39 1/2 in.

lienzo al óleo

VINCENT VAN GOGH - La iglesia nueva y las casas antiguas de La Haya - óleo sobre lienzo sobre tabla - 13 5/8 x 9 3/4 pulg.

VINCENT VAN GOGH

La Iglesia Nueva y las Casas Viejas de La Haya

13 5/8 x 9 3/4 pulg.

óleo sobre lienzo sobre tabla

Alexander Calder executed a surprising number of oil paintings during the second half of the 1940s and early 1950s. By this time, the shock of his 1930 visit to Mondrian’s studio, where he was impressed not by the paintings but by the environment, had developed into an artistic language of Calder’s own. So, as Calder was painting The Cross in 1948, he was already on the cusp of international recognition and on his way to winning the XX VI Venice Biennale’s grand prize for sculpture in 1952. Working on his paintings in concert with his sculptural practice, Calder approached both mediums with the same formal language and mastery of shape and color.<br><br>Calder was deeply intrigued by the unseen forces that keep objects in motion. Taking this interest from sculpture to canvas, we see that Calder built a sense of torque within The Cross by shifting its planes and balance. Using these elements, he created implied motion suggesting that the figure is pressing forward or even descending from the skies above. The Cross’s determined momentum is further amplified by details such as the subject’s emphatically outstretched arms, the fist-like curlicue vector on the left, and the silhouetted serpentine figure.<br><br>Calder also adopts a strong thread of poetic abandon throughout The Cross’s surface. It resonates with his good friend Miró’s hieratic and distinctly personal visual language, but it is all Calder in the effective animation of this painting’s various elements. No artist has earned more poetic license than Calder, and throughout his career, the artist remained convivially flexible in his understanding of form and composition. He even welcomed the myriad interpretations of others, writing in 1951, “That others grasp what I have in mind seems unessential, at least as long as they have something else in theirs.”<br><br>Either way, it is important to remember that The Cross was painted shortly after the upheaval of the Second World War and to some appears to be a sobering reflection of the time. Most of all, The Cross proves that Alexander Calder loaded his brush first to work out ideas about form, structure, relationships in space, and most importantly, movement.

ALEXANDER CALDER

28 3/4 x 36 1/4 in.

óleo sobre lienzo

Trained as a woodcarver, Emil Nolde was almost 30 years old before he made his first paintings. The early paintings resembled his drawings and woodcuts: grotesque figures with bold lines and strong contrasts. The style was new, and it inspired the nascent movement Die Brücke (The Bridge), whose members invited Nolde to join them in 1906. But, it was not until the garden became his locus operandi by 1915 that he built upon his mastery of contrasting luminosities to focus on color as the supreme means of expression. Later, Nolde claimed “color is strength, strength is life,” and he could not have better characterized why his flower paintings reinvigorate our perception of color.<br><br>Much of the strength of Nolde’s dramatic, Wagnerian-like color sensibilities is the effect of staging primary colors, such as the deep reds and golden yellows of Sonnenblumen, Abend II, against a somber palette. The contrast highlights and deepens the luminosity of the flowers, not just visually, but emotionally as well. In 1937, when Nolde’s art was rejected, confiscated, and defiled, his paintings were paraded as “degenerate art” throughout Nazi Germany in dimly lit galleries. Despite that treatment, Nolde’s status as a degenerate artist gave his art more breathing space because he seized the opportunity to produce more than 1,300 watercolors, which he called “unpainted pictures.” No novice in handling watercolor, his free-flowing style of painting had been a hallmark of his highly-charge, transparent washes since 1918. Sonnenblumen, Abend II, painted in 1944, is a rare wartime oil. He let his imagination run wild with this work, and his utilization of wet-on-wet techniques heightened the drama of each petal.<br><br>Nolde’s intense preoccupation with color and flowers, particularly sunflowers, reflects his continuing devotion to van Gogh. He was aware of van Gogh as early as 1899 and, during the 1920s and early 1930s, visited several exhibitions of the Dutch artist’s work. They shared a profound love of nature. Nolde’s dedication to expression and the symbolic use of color found fullness in the sunflower subject, and it became a personal symbol for him, as it did for Van Gogh.

Sonnenblumen, Abend II

26 1/2 x 35 3/8 in.

óleo sobre lienzo

Widely recognized as one of the most consequential artists of our time, Gerhard Richters career now rivals that of Picasso's in terms of productivity and genius. The multi-faceted subject matter, ranging from slightly out-of-focus photographic oil paintings to Kelly-esque grid paintings to his "squeegee" works, Richter never settles for repeating the same thought- but is constantly evolving his vision. Richter has been honored by significant retrospective exhibitions, including the pivotal 2002 show, "Gerhard Richter: Forty Years of Painting," at the Museum of Modern Art, New York. <br><br>"Abstraktes Bild 758-2" (1992) comes from a purely abstract period in Richter's work- where the message is conveyed using a truly physical painting style, where applied paint layers are distorted with a wooden "Squeegee" tool. Essentially, Richter is sculpting the layers of paint, revealing the underlayers and their unique color combinations; there is a degree of "art by chance". If the painting does not work, Richter will move on- a method pioneered by Jackson Pollock decades earlier. <br><br>Richter is included in prominent museums and collections worldwide, including the Tate, London, The Museum of Modern Art, New York, and the San Francisco Museum of Modern Art, among many others.

GERHARD RICHTER

Abstraktes Bild 758-2

24 1/2 x 32 1/4 pulg.

óleo sobre lienzo

Tom Wesselmann was a leader of the Pop Art movement. He is best remembered for large-scale works, including his Great American Nude series, in which Wesselmann combined sensual imagery with everyday objects depicted in bold and vibrant colors. As he developed in his practice, Wesselmann grew beyond the traditional canvas format and began creating shaped canvases and aluminum cut-outs that often functioned as sculptural drawings. Continuing his interest in playing with scale, Wesselmann began focusing more closely on the body parts that make up his nudes. He created his Mouth series and his Bedroom series in which particular elements, rather than the entire sitter, become the focus.<br> <br>Bedroom Breast (2004) combines these techniques, using vivid hues painted on cut-out aluminum. The work was a special commission for a private collector's residence, and the idea of a bedroom breast piece in oil on 3-D cut-out aluminum was one Wesselmann had been working with for many years prior to this work's creation. The current owner of the piece believed in Wesselmann's vision and loved the idea of bringing the subject to his home.<br><br>It's one of, if not the last, piece Wesselmann completed before he passed away. The present work is the only piece of its kind - there has never been an oil on aluminum in 3D at this scale or of this iconography.

Pecho dormitorio

80 x 76 x 10 in.

aceite en aluminio recortado

An outstanding example of Churchill’s North African scenes, one in which he deftly captures the scenery and light that his artistic mentor, John Lavery, had told him about in the mid 1930s. Another artist mentor, Walter Sickert, taught Churchill how to project photo images directly on to a canvas as an aid in painting, a technique used to advantage in this instance. The Studio Archives at Chartwell include 5 photographs, one of the camel and four others, that Churchill used as aids.<br><br>With the visual aids, Churchill could focus on the vibrant colors, the tan of the sand and buildings contrasting with the brilliant blue skies, splashes of green adding energy to the painting. A different Marrakech scene, “Tower of the Koutoubia Mosque”, set an auction record for Churchill when it sold in 2021 for $11 million USD.

SIR WINSTON CHURCHILL

Marrakech con un camello (C 453)

óleo sobre lienzo

Painted from an unusually high vantage, “Riviera Coast Scene” vividly conveys the formidable distance and breadth of the scene from the perch where he set his easel. Interestingly, Paul Rafferty did not include this painting in his book Winston Churchill: Painting on the French Riviera, believing it could likely be a scene from the Italian Lake District, where Churchill also painted in the same time period.<br><br>Paintings by Churchill can function as a glimpse into his extensive travels and his colorful life. Churchill most likely painted “Riviera Coast Scene” during a holiday at Chateau de l’Horizon, home of Maxine Elliot, a friend of his mother. Elliot, originally from Rockland, Maine, was a successful actress and socialite.<br><br>Within this painting, we see the influence of the Impressionists who utilized unusual viewpoints, modeled after Japanese woodblock prints, but also evidence of their attempts to push the boundaries of the landscape genre

SIR WINSTON CHURCHILL

Escena de la Costa Azul (C 295)

25 1/8 x 30 1/8 pulg.

óleo sobre lienzo

The frame of reference for Irish American Sean Scully’s signature blocks and stripes is vast. From Malevich’s central premise that geometry can provide the means for universal understanding to Rothko’s impassioned approach to color and rendering of the dramatic sublime, Scully learned how to condense the splendor of the natural world into simple modes of color, light, and composition. Born in Dublin in 1945 and London-raised, Scully was well-schooled in figurative drawing when he decided to catch the spirit of his lodestar, Henri Matisse, by visiting Morocco in 1969. He was captivated by the dazzling tessellated mosaics and richly dyed fabrics and began to paint grids and stipes of color. Subsequent adventures provided further inspiration as the play of intense light on the reflective surfaces of Mayan ruins and the ancient slabs of stone at Stonehenge brought the sensation of light, space, and geometric movement to Scully’s paintings. The ability to trace the impact of Scully’s travels throughout his paintings reaffirms the value of abstract art as a touchstone for real-life experience.<br><br><br>Painted in rich, deep hues and layered, nuanced surfaces, Grey Red is both poetic and full of muscular formalism. Scully appropriately refers to these elemental forms as ‘bricks,’ suggesting the formal calculations of an architect. As he explained, “these relationships that I see in the street doorways, in windows between buildings, and in the traces of structures that were once full of life, I take for my work. I use these colors and forms and put them together in a way that perhaps reminds you of something, though you’re not sure of that” (David Carrier, Sean Scully, 2004, pg. 98). His approach is organic, less formulaic; intuitive painter’s choices are layering one color upon another so that contrasting hues and colors vibrate with subliminal energy. Diebenkorn comes to mind in his pursuit of radiant light. But here, the radiant bands of terracotta red, gray, taupe, and black of Grey Red resonate with deep, smoldering energy and evoke far more affecting passion than you would think it could impart. As his good friend, Bono wrote, “Sean approaches the canvas like a kickboxer, a plasterer, a builder. The quality of painting screams of a life being lived.”

óleo sobre aluminio

El mundo de Marc Chagall no puede ser contenido ni limitado por las etiquetas que le ponemos. Es un mundo de imágenes y significados que forman su propio discurso espléndidamente místico. Les Mariés sous le baldaquin (Los novios bajo el baldaquín) fue iniciado cuando el artista entraba en su nonagésimo año, un hombre que había conocido la tragedia y la lucha, pero que nunca olvidó los momentos de placer arrebatador de la vida. Aquí, las delicias de ensueño de una boda en un pueblo ruso, con sus arreglos de asistentes bien vestidos, se nos presentan con un ingenio tan feliz y una inocencia tan alegre que no hay quien se resista a su encanto. Utilizando una emulsión de tonos dorados que combina óleo y aguada opaca al agua, la calidez, la alegría y el optimismo del positivismo habitual de Chagall se envuelven en un resplandor luminoso que sugiere la influencia de los iconos religiosos dorados o de la pintura del Renacimiento temprano que pretendía transmitir la impresión de luz divina o iluminación espiritual. Utilizar una combinación de óleo y gouache puede ser todo un reto. Pero aquí, en Les Mariés sous le baldaquin, Chagall lo emplea para dar a la escena una calidad de otro mundo, casi como si acabara de materializarse a partir del ojo de su mente. La delicadeza de su textura crea la impresión de que la luz emana de la propia obra y confiere un carácter espectral a las figuras que flotan en el cielo.

Les mariés sous le baldaquin

23 1/2 x 31 7/8 pulg.

óleo y gouache sobre lienzo

Located on the French Riviera between Nice and Monte Carlo, the Bay of Eze is renowned for its stunning location and spectacular views. As you can see on pages 80-81 of Rafferty's book, this painting skillfully captures the dizzying heights, set just west of Lou Sueil, the home of Jacques and Consuelo Balsan, close friends of Winston and Clementine.<br> <br>The painting manipulates perspective and depth, a nod to the dramatic shifts of artists including Monet and Cézanne, who challenged traditional vantage points of landscapes. The portrait (i.e. vertical) orientation of the canvas combined with the trees, and the rhyming coastline channels the viewer’s gaze. The perceived tilting of the water's plane imbues the painting with dynamic tension.

SIR WINSTON CHURCHILL

Bahía de Eze (C 490)

óleo sobre lienzo

Tom Wesselmann will undoubtedly be remembered for associating his erotic themes with the colors of the American flag. But Wesselmann had considerable gifts as a draftsman, and the line was his principal preoccupation, first as a cartoonist and later as an ardent admirer of Matisse. That he also pioneered a method of turning drawings into laser-cut steel wall reliefs proved a revelation. He began to focus ever more on drawing for the sake of drawing, enchanted that the new medium could be lifted and held: “It really is like being able to pick up a delicate line drawing from the paper.”<br><br>The Steel Drawings caused both excitement and confusion in the art world. After acquiring one of the ground-breaking works in 1985, the Whitney Museum of American Art wrote Wesselmann wondering if it should be cataloged as a drawing or a sculpture. The work had caused such a stir that when Eric Fischl visited Wesselmann at his studio and saw steel-cut works for the first time, he remembered feeling jealous. He wanted to try it but dared not. It was clear: ‘Tom owned the technique completely.’<br><br>Wesselmann owed much of that technique to his year-long collaboration with metalwork fabricator Alfred Lippincott. Together, in 1984 they honed a method for cutting the steel with a laser that provided the precision he needed to show the spontaneity of his sketches. Wesselmann called it ‘the best year of my life’, elated at the results that he never fully achieved with aluminum that required each shape be hand-cut. “I anticipated how exciting it would be for me to get a drawing back in steel. I could hold it in my hands. I could pick it up by the lines…it was so exciting…a kind of near ecstasy, anyway, but there’s really been something about the new work that grabbed me.”<br><br>Bedroom Brunette with Irises is a Steel Drawing masterwork that despite its uber-generous scale, utilizes tight cropping to provide an unimposing intimacy while maintaining a free and spontaneous quality. The figure’s outstretched arms and limbs and body intertwine with the petals and the interior elements providing a flowing investigative foray of black lines and white ‘drop out’ shapes provided by the wall. It recalls Matisse and any number of his reclining odalisque paintings. Wesselmann often tested monochromatic values to discover the extent to which color would transform his hybrid objects into newly developed Steel Drawing works and, in this case, continued with a color steel-cut version of the composition Bedroom Blonde with Irises (1987) and later still, in 1993 with a large-scale drawing in charcoal and pastel on paper.

Dormitorio moreno con lirios

105 3/4 x 164 5/8 pulg.

aceite en aluminio recortado

Still lifes like Oranges and Lemons (C 455) give us an insight to the rich and colorful life of Churchill, just as his landscapes and seascapes do. Churchill painted Oranges and Lemons at La Pausa. Churchill would often frequent La Pausa as the guest of his literary agent, Emery Reves and his wife, Wendy. Reves purchased the home from Coco Chanel. While other members of the Churchill family did not share his enthusiasm, Churchill and his daughter Sarah loved the place, which Churchill affectionately called “LaPausaland”.<br><br>To avoid painting outside on a chilly January morning, Wendy Reves arranged the fruit for Churchill to paint. Surrounded by the Reves’s superb collection of Impressionist and Post-Impressionist works, including a number of paintings by Paul Cézanne, Oranges and Lemons illuminates Churchill’s relationships and the influence of Cézanne, who he admired. The painting, like Churchill, has lived a colorful life, exhibited at both the 1959 Royal Academy of Art exhibition of his paintings and the 1965 New York World’s Fair.

SIR WINSTON CHURCHILL

Naranjas y limones (C 455)

óleo sobre lienzo

No es difícil comprender cómo la brillante disposición en dos filas de cuatro letras de Robert Indiana llegó a contribuir a potenciar un movimiento durante la década de 1960. Su origen surgió de una profunda exposición a la religión y de su amigo y mentor Ellsworth Kelly, cuyo estilo de bordes duros y color sensual y sin acentos causó una impresión duradera. Pero como Indiana exclamó, fue un momento de kismet que simplemente sucedió cuando "¡EL AMOR me mordió!" y el diseño le llegó nítido y centrado. Indiana, por supuesto, sometió el diseño a muchas pruebas, y entonces el logotipo empezó a brotar por todas partes. El mensaje, que se transmite mejor en forma de escultura, está presente en ciudades de todo el mundo y se ha traducido a varios idiomas, entre ellos su iteración italiana, "Amor", con su fortuita "O" también inclinada hacia la derecha. Pero en lugar de ser pateada por el pie de la "L", esta versión confiere a la "A" superior un efecto de tambaleo bellamente escenificado. Da una impresión nueva, pero no menos profunda, del amor y de su naturaleza emocionalmente cargada. En cualquier caso, la "O" inclinada de Love imparte inestabilidad a un diseño por lo demás estable, una profunda proyección de la crítica implícita de Indiana al "sentimentalismo a menudo hueco asociado con la palabra, que metafóricamente sugiere anhelo y decepción no correspondidos en lugar de afecto sacarino" (Robert Indiana's Best: A Mini Retrospective, New York Times, 24 de mayo de 2018). La repetición, por supuesto, tiene la mala costumbre de empañar nuestro aprecio por el genio de la simplicidad y el diseño innovador. A finales de su vida, Indiana se lamentó de que "fue una idea maravillosa, pero también un terrible error. Se hizo demasiado popular. Y hay gente a la que no le gusta la popularidad". Pero nosotros, habitantes de un mundo plagado de divisiones y sumido en la confusión, se lo agradecemos. "Love" y sus muchas versiones nos recuerdan con fuerza nuestra capacidad de amar, y esa es nuestra mejor esperanza eterna de un futuro mejor.

AMOR (Rojo Amarillo)

96 x 96 x 48 pulg.

aluminio policromado

JEAN-MICHEL BASQUIAT - Sin título (Anatomía de una paloma) - óleo, grafito y tiza sobre papel - 22 x 30 pulg.

JEAN-MICHEL BASQUIAT

Sin título (Anatomía de la paloma)

óleo, grafito y tiza sobre papel

PIERRE BONNARD - Soleil Couchant - óleo sobre lienzo - 14 1/2 x 22 1/2 in.

Soleil Couchant

14 1/2 x 22 1/2 in.

óleo sobre lienzo

Sin título, de Katharine Grosse, de 2016, amplía nuestra apreciación de una artista que aporta al medio tradicional de la pintura sobre lienzo la misma energía, audacia y desprecio por lo convencional que se observa en sus monumentales instalaciones arquitectónicas. El color estalla, levantado de una superficie compleja, ricamente estratificada de aplicaciones vertidas de pintura que corren, lloviznan o salpican, velos transparentes radiantes y tiras superpuestas de color nebulizadas para crear suaves transiciones de gradiente. El resultado es una fascinante impresión de profundidad espacial y tridimensionalidad. Pero también es una proeza que revela la brillantez de Grosse a la hora de combinar caos y control, espontaneidad e intención. Su abanico de técnicas crea un convincente diálogo entre lo accidental y lo deliberado, sello distintivo de su estilo único.

KATHARINA GROSSE

118 x 78 3/4 pulg.

acrílico sobre lienzo

Simpático en su retrato de los granjeros y trabajadores del campo y favoreciendo los temas de dedicación y trabajo duro, Thomas Hart Benton creó cientos de estudios que describen la lucha por la existencia que era la brutal vida cotidiana de tantos estadounidenses en ese momento. Hoeing Cotton tiene mucho de la palidez oscura y melancólica que evoca las dificultades de la agricultura sureña durante la Gran Depresión. Escenificado como si estuviera suspendido en anticipación de una tormenta inminente, Benton utiliza la interacción dinámica entre el cielo y el paisaje para profundizar el impacto temático de la vida rural en el sur profundo. Estos elementos ponen de relieve la conexión entre las personas y su entorno y el espíritu duradero de resiliencia.

THOMAS HART BENTON

Algodón escardado

9 1/8 x 13 pulg.

óleo sobre lata

JEAN ARP - Escultura Mythique - bronce - 25 x 9 1/2 x 12 in.

Escultura mítica

25 x 9 1/2 x 12 pulg.

A major figure in both the Abstract Expressionist and American Figurative Expressionist movements of the 1940s and 1950s, Elaine de Kooning's prolific output defied singular categorization. Her versatile styles explored the spectrum of realism to abstraction, resulting in a career characterized by intense expression and artistic boundary-pushing. A striking example of de Kooning's explosive creativity is Untitled (Totem Pole), an extremely rare sculptural painting by the artist that showcases her command of color. <br><br>She created this piece around 1960, the same period as her well-known bullfight paintings. She left New York in 1957 to begin teaching at the University of New Mexico in Albuquerque, and from there would visit Ciudad Juárez, where she observed the bullfights that inspired her work. An avid traveler, de Kooning drew inspiration from various sources, resulting in a diverse and experimental body of work.

ELAINE DE KOONING

Sin título (Totem Pole)

97 x 12 3/8 x 12 3/8 pulg.

óleo sobre lienzo estirado sobre cilindros de cartón

Influido por su devota fe católica, la evolución artística de Rouault fue única entre los modernistas. Cautivado por los vibrantes colores y por cómo la luz atraviesa las vidrieras medievales, aplicó gruesas y ricas capas de pintura y amplificó las formas crudas y audaces inundadas de azules profundos dentro de pesadas líneas negras. Rouault apoyaba a menudo fuertes temas religiosos recurrentes dedicados al poder de la redención. Carlotta no está al servicio de esa vocación superior ni del sufrimiento marginado de los sujetos, que incluían payasos, prostitutas y crucifixiones. En cambio, Carlotta es una oportunidad para admirar las variaciones de color más sutiles de Rouault y la interacción dinámica entre la calidad áspera y táctil del empaste y el efecto más suave y difuso de los pasajes desmenuzados de un modelo libre de temas de dolor y desesperación humanos.

GEORGES ROUAULT

15 7/8 x 12 1/4 pulg.

óleo sobre lienzo

Experimental y muy sofisticada, la innovadora "técnica del rompecabezas" de Munch consistía en cortar la plancha de madera en piezas separadas, entintarlas e imprimirlas individualmente antes de volver a ensamblarlas para crear la imagen final. El proceso produjo una variedad de colores, impresiones únicas dentro de la misma edición y una amplia gama de emociones y estados de ánimo. Ricamente orquestadas, las formas ondulantes de Casa en la costa I se construyen mediante capas de color y textura que presentan múltiples planos, cada uno de los cuales contribuye a su profundidad y complejidad espacial. La talla y el tallado de las xilografías, ideales para expresar la mentalidad de trabajo a menudo brutal de Edvard Munch, ampliaron los límites de los métodos tradicionales y reforzaron su compromiso con la exploración de la profundidad emocional y psicológica en su arte.

Casa en la costa I

xilografía sobre papel ondulado con añadidos a mano de acuarela del artista

ANDY WARHOL - Superman (II.260) - serigrafía - 38 x 38 in.

Supermán (II.260)

38 x 38 pulgadas.

Max Weber se trasladó a París en 1905, cuando la ciudad era el epicentro de la innovación artística. Sus primeras obras demuestran la influencia contemporánea de la audaz paleta de colores del fauvismo y la representación fragmentada de la realidad del cubismo. Sin embargo, Weber no se limitó a imitar estos estilos; Los integró y reinterpretó para crear algo propio. La importancia de Weber radica no sólo en sus obras abstractas, sino también en su papel como conducto de las ideas modernistas. Weber desempeñó un papel crucial en el diálogo transatlántico que ayudó a dar forma al curso del arte estadounidense en el siglo XX. Sus representaciones de figuras femeninas muestran una síntesis de lo abstracto y lo representativo, capturando la esencia de sus temas al tiempo que rompe con las obras figurativas tradicionales.

Modelo parisino

35 1/2 x 19 5/8 pulg.

óleo sobre lienzo

ANDY WARHOL - Mickey (II.265) - serigrafía con polvo de diamante - 38 x 38 pulg.

Mickey (II.265)

38 x 38 pulgadas.

serigrafía con polvo de diamante

ALFRED SISLEY - Vaches au paturage sur les bords de la Seine - pastel sobre papel - 11 1/4 x 15 1/2 pulg.

Vaches au paturage sur les bords de la Seine

11 1/4 x 15 1/2 pulg.

pastel sobre papel

HERB ALPERT - Punta de flecha - bronce - 201 x 48 x 48 in.

Cabeza de flecha

201 x 48 x 48 pulg.

Well known for his candor and pragmatic sensibility, Alexander Calder was as direct, ingenious, and straight to the point in life as he was in his art. “Personnages”, for example, is unabashedly dynamic, a work that recalls his early love of the action of the circus as well as his insights into human nature. The character of “Personnages” suggests a spontaneous drawing-in-space, recalling his radical wire sculptures of the 1920s.<br>© 2023 Calder Foundation, New York / Artists Rights Society (ARS), New York

ALEXANDER CALDER

29 1/2 x 43 1/4 in.

témpera y tinta sobre papel

CAMILLE PISSARRO - Paysage avec batteuse a Montfoucault - pastel sobre papel verjurado sobre tabla - 10 3/8 x 14 3/4 pulg.

CAMILLE PISSARRO

Paysage avec batteuse a Montfoucault

10 3/8 x 14 3/4 pulg.

pastel sobre papel colocado sobre tabla

De los muchos tótems espirituales de Herb Albert, fundidos en bronce y patinados en negro sedoso, pocos tienen la sensación claramente masculina del Guerrero. Rematado con una corona descendente y dentada que podría referirse tanto a la cresta de un ave de presa como al tocado de un jefe de los indios de las llanuras, el título "Guerrero" es una descripción acertada que se refiere a los atributos de fuerza, valor y espíritu inquebrantable, entre otros. Al igual que la obra de Henry Moore, esas asociaciones dependen, en parte, del espacio negativo para crear la impresión dinámica y fuerte que produce esta formidable escultura.

161 x 40 x 40 pulg.

La serie de esculturas Bali de Frank Stella se caracteriza por sus formas flotantes y fluidas, que se extienden por el espacio del espectador e invitan a la interacción entre el objeto y su entorno. El "dadap", un tipo de árbol asociado al crecimiento y al significado ritual en la cultura balinesa, refleja la naturaleza orgánica y dinámica de las esculturas de Stella. Al cambiar el bambú por el acero inoxidable y el aluminio, Stella ha preservado la naturaleza esencial de la estética balinesa, que ensalza las formas orgánicas, fluidas y dinámicas. Dadap presenta una continuidad en la exploración temática de Stella en la que el espíritu de su obra trasciende la materialidad. El metal ofrece una textura, una reflectividad y una interacción con la luz y el espacio diferentes, pero se adhiere a los principios del movimiento y la interactividad. Se trata de una transferencia creativa de forma y concepto a través de diferentes medios, que conserva el espíritu de la inspiración inicial al tiempo que permite que las propiedades del nuevo material expresen estas ideas en un contexto nuevo.

66 1/2 x 50 1/4 x 19 pulg.

acero inoxidable y aluminio

JOAN MIRO - L'Oiseau - bronce y bloque de hormigón - 23 7/8 x 20 x 16 1/8 in.

23 7/8 x 20 x 16 1/8 in.

bronce y bloque de hormigón

© 2023 Calder Foundation, Nueva York / Artists Rights Society (ARS), Nueva York

ALEXANDER CALDER

Tres Pirámides + Bola Azul

29 1/2 x 43 1/4 in.

témpera y tinta sobre papel

Andy Warhol es sinónimo del arte estadounidense de la segunda mitad del siglo XX y es conocido por sus icónicos retratos y productos de consumo, que mezclan la cultura popular y las bellas artes, redefiniendo lo que puede ser el arte y cómo nos acercamos a él. Aunque muchas de las obras de Warhol no representan a personas famosas, sus representaciones de objetos inanimados elevan a sus sujetos a un nivel de celebridad. Warhol representó por primera vez los zapatos al principio de su carrera, cuando trabajaba como ilustrador de moda, y volvió a tratar el tema en la década de 1980, combinando su fascinación por el consumismo y el glamour. Con su constante deseo de fusionar la alta y la baja cultura, Warhol eligió destacar algo tan omnipresente como los zapatos. El tema puede denotar pobreza o riqueza, función o moda. Warhol da un toque de glamour a los zapatos, cubriéndolos con una pátina de polvo de diamante brillante, difuminando aún más el significado entre la necesidad utilitaria y la pieza estilizada.

Zapatos de polvo de diamante (blanco y negro)

40 x 59 1/2 in.

serigrafía con polvo de diamante

Deborah Butterfield ocupa un lugar importante dentro del panteón de los escultores estadounidenses, reconocida por su espíritu pionero y su dominio de diversos medios. Fabricado en acero moldeado, "Beacon" es un testimonio de su audacia y dedicación a superar los límites artísticos. Butterfield aceptó los desafíos de este exigente medio, y es una fusión de innovación y tradición. Con su estética moderna caracterizada por líneas amplias y elegantes, esta escultura de caballo es una fuente de encanto, que invita a los espectadores a un reino donde el arte contemporáneo converge con la belleza atemporal. Beacon honra la gracia clásica de la forma equina y reafirma la posición de Butterfield como un visionario dentro del paisaje de la escultura moderna.

DEBORAH BUTTERFIELD

45 1/2 x 54 x 13 1/2 pulg.

acero conformado y soldado

Cuando un caballo se acuesta, es porque se siente seguro, lo cual, para Deborah Butterfield, es una forma de decir que está bien hacernos vulnerables. "Echo", construida de manera que respeta sus habilidades de búsqueda de alimento y su habilidad para soldar metales, no se adhiere a una representación tradicional de un caballo, sino que revela algo de su naturaleza esencial. Construida a partir de láminas de acero ensambladas, algunas onduladas, otras plegadas o engarzadas, es una pieza que lleva la marca del tiempo, envejecida hasta una pátina marrón óxido, imperfecciones celebradas en lugar de ocultas. La elección deliberada de los materiales y su tratamiento por parte de Butterfield añaden profundidad y carácter, transformando Untitled, Echo en algo más que una simple representación equina: refleja la belleza robusta y la resistencia del animal que representa.

DEBORAH BUTTERFIELD

26 x 107 x 76 pulg.

acero y estaño

FREDERICK CARL FRIESEKE - Colina en Giverny - óleo sobre lienzo - 25 1/4 x 31 1/4 in.

FREDERICK CARL FRIESEKE

Colina de Giverny

25 1/4 x 31 1/4 pulg.

óleo sobre lienzo

Las primeras obras de papel maché de Manuel Neri abrieron camino en la técnica escultórica, y su enfoque de la pintura de sus esculturas refleja su profundo compromiso con el potencial expresivo del color y la forma. La elección y colocación de los colores en Hombre Colorado II crea una respuesta particularmente visceral que refleja su comprensión matizada de la dimensión psicológica y emocional del color. Conceptualizado y producido en 1958, Hombre Colorado II refleja una época en la que Neri y su esposa Joan Brown estaban involucrados en un rico intercambio artístico de creatividad y contribuyeron significativamente a la evolución de sus respectivos estilos y al Movimiento Figurativo del Área de la Bahía, en el que desempeñaron un papel vital.

Hombre Colorado II

65 1/2 x 27 x 10 pulg.

A lo largo de su dilatada carrera de más de cinco décadas, Yvonne Thomas fue conocida por su enfoque distintivo que fusionaba las cualidades espontáneas y emotivas del Expresionismo Abstracto con un uso articulado de las formas y los colores como medio de expresión. Thomas valoraba el color como fuente de profunda alegría y de complejos rompecabezas. Esta perspectiva se refleja en su arte, en el que utilizó una paleta diversa para evocar y comunicar sus reacciones ante temas naturales. Pintó La torre en 1954, un año marcado por un hito importante: su primera exposición individual en la Hendler Gallery de Filadelfia. Un año después, el arte de Thomas se expuso en el Riverside Museum de Nueva York, donde su obra se exhibió junto a la de artistas notables como Franz Kline y Milton Avery.

39 3/4 x 51 1/2 in.

óleo sobre lino

"Wigwam rouge et jaune", una cautivadora pintura al gouache de Alexander Calder, es una vibrante exploración del diseño y el color. Dominada por un entramado de líneas diagonales que se cruzan cerca de su cúspide, la composición destila un equilibrio dinámico. Calder introduce un elemento de capricho con rombos rojos y amarillos, que infunden a la pieza un carácter lúdico y crean un ambiente festivo. Las bolas rojas en el vértice de las líneas inclinadas a la derecha evocan una impresión caprichosa, mientras que las esferas grises más pequeñas sobre las líneas inclinadas a la izquierda ofrecen contraste y equilibrio. La magistral fusión de simplicidad y elementos de diseño vitales de Calder hace de Wigwam rouge et jaune una delicia visual.

ALEXANDER CALDER

Wigwam rouge et jaune

29 1/2 x 43 1/4 in.

témpera y tinta sobre papel

PAUL JENKINS - Fenómenos Por Regreso - acrílico sobre lienzo - 104 3/4 x 49 5/8 in.

Fenómenos por retorno

104 3/4 x 49 5/8 pulg.

acrílico sobre lienzo

Manuel Neri fue una figura central del movimiento figurativo de la zona de la bahía en la década de 1960. En lugar de las formas abstractas, el grupo hacía hincapié en la emoción a través del poder de la forma humana. La presente obra, "Sin título" (1982), explora la forma femenina a escala real. Neri prefirió trabajar con una sola modelo a lo largo de sus 60 años de carrera, Maria Julia Klimenko. La ausencia de un rostro en muchas de las esculturas añade un elemento de misterio y ambigüedad. El centro de la composición en "Sin título" es la estructura y la forma de la figura. Manuel Neri está representado en numerosas colecciones de museos de todo el mundo, como la Addison Gallery/Phillips Academy; la Colección Anderson de la Universidad de Stanford; el Instituto de Arte de Chicago; el Centro de Arte Cantor de la Universidad de Stanford; el Museo de Arte de Cincinnati; el Museo de Arte Crocker de Sacramento (California); el Museo de Arte de Denver; el Museo de Arte de El Paso (Texas); los Museos de Bellas Artes de San Francisco; los Museos de Arte de la Universidad de Harvard; el Museo y Jardín de Esculturas Hirshhorn de Washington, D.C.; Honolulu Museum of Art, The Metropolitan Museum of Art, Nueva York y la National Gallery of Art, Washington, DC.

67 x 24 x 26 in.

© 2023 Calder Foundation, Nueva York / Artists Rights Society (ARS), Nueva York

ALEXANDER CALDER

29 1/2 x 43 1/4 in.

témpera y tinta sobre papel

RICHARD ANUSZKIEWICZ

acrílico sobre lienzo

Deborah Butterfield es una escultora estadounidense, mejor conocida por sus esculturas de caballos hechas de objetos que van desde madera, metal y otros objetos encontrados. La pieza de 1981, Sin título (Caballo), está compuesta por palos y papel sobre armadura de alambre. La impresionante escala de esta pieza crea un efecto notable en persona, presentando un ejemplo sorprendente de la célebre temática de Butterfield. Butterfield originalmente creó los caballos de madera y otros materiales encontrados en su propiedad en Bozeman, Montana y vio a los caballos como un autorretrato metafórico, minando la resonancia emocional de estas formas.

DEBORAH BUTTERFIELD

Sin título (Caballo)

100 x 157 x 36 pulg.

palos y papel sobre armadura de alambre

Conocido por su fascinación por la fama, las celebridades y los iconos culturales, Andy Warhol en ocasiones fue más allá de sus contemporáneos para incluir figuras históricas. De especial interés son las teorías de Goethe sobre el color, que hacían hincapié en cómo se perciben los colores y en su impacto psicológico, en contraste con la concepción newtoniana del color como fenómeno científico, basada en la física. Aunque no existe una relación directa entre la teoría del color de Goethe y el hecho de que Warhol se inspirara directamente en él para elegirlo como tema, sí destaca temáticamente la forma en que consideramos que el arte de Warhol se relaciona con las tradiciones históricas para simbolizar un vínculo entre sus respectivos campos y épocas. En este sentido, la obra sirve de homenaje y colaboración intertemporal, al vincular el lenguaje visual de Warhol con la conciencia de Goethe del color como elemento potente y estimulante de la percepción.

38 x 38 pulgadas.

serigrafía en colores

ANDY WARHOL - Goethe - serigrafía en colores - 38 x 38 in.

38 x 38 pulgadas.

serigrafía en colores

HERB ALPERT - Inspirado - bronce - 100 x 20 x 12 in.

100 x 20 x 12 pulg.

LE PHO - Flores - óleo sobre lienzo - 28 3/4 x 21 1/4 pulg.

28 3/4 x 21 1/4 pulg.

óleo sobre lienzo

A finales de la década de 1990, Manuel Neri comenzó a transformar numerosas esculturas de escayola en bronce, volviendo con frecuencia a obras anteriores para producir nuevas versiones imaginadas de cada pieza. Estas series, casi indistinguibles en forma y superficie, exploran el impacto de diferentes combinaciones de color y marcas que implican diversas acciones, como incisiones, cepillados, raspados o capas de materiales. Experimentando con distintas técnicas de marcado, Neri pudo explorar la interacción entre forma, color, textura y luz. En el contexto de la Figura de pie n.º 3, Neri limitó su paleta a un esquema cromático análogo, diluyendo la pintura para crear sutiles gradaciones que realzan el exterior elegante y refinado de la escultura.

Figura de pie nº 3 sin título

66 3/4 x 19 x 13 1/2 pulg.

MARC QUINN - Lovebomb - foto laminado sobre aluminio - 108 1/4 x 71 3/4 x 37 3/4 in.

108 1/4 x 71 3/4 x 37 3/4 in.

laminado fotográfico sobre aluminio

ANDY WARHOL - Coche Ford - grafito sobre papel - 11 1/2 x 15 3/4 in.

11 1/2 x 15 3/4 in.

grafito sobre papel

ARMAND GUILLAUMIN - Roquebrune, Le Matin - óleo sobre lienzo - 25 x 31 1/4 in.

ARMAND GUILLAUMIN

Roquebrune, Le Matin

25 x 31 1/4 pulg.

óleo sobre lienzo

Richard Diebenkorn explicó en una ocasión: "Todos los cuadros parten de un estado de ánimo, de una relación con cosas o personas, de una impresión visual completa". Conocido por su papel definitorio en el movimiento de arte figurativo de la zona de la bahía, una contraposición a la abstracción que dominaba la ciudad de Nueva York en la posguerra, Diebenkorn oscilaba a menudo entre la figuración y la abstracción. En 1952, aceptó un puesto de profesor en la Universidad de Illinois en Urbana durante un año académico. Allí enseñó a los estudiantes de arquitectura a empezar a dibujar y utilizó una de las habitaciones de su casa como estudio. Este periodo de 1952-53, conocido como la serie de Urbana, fue un momento productivo y crucial en el desarrollo del estilo de Diebenkorn. Su innovadora exploración de la figuración a través de la abstracción comenzó en estos primeros años cruciales y llegaría a su plena realización en su ampliamente celebrada serie Ocean Park de finales de los años 60-80.

RICHARD DIEBENKORN

Sin título (Serie Urbana)

13 7/8 x 11 in.

tinta sobre papel

La serie de latas de sopa Campbell de Andy Warhol marca un momento crucial en su carrera y en el movimiento del arte pop. La serie, compuesta por 32 lienzos, cada uno con un sabor diferente, revolucionó el mundo del arte al elevar los bienes de consumo cotidianos y mundanos a la categoría de arte elevado. La serigrafía Pepper Pot, de 1968, emplea su característico estilo de colores vivos y planos e imágenes repetidas, característico de la producción en masa y la cultura de consumo. La serigrafía, una técnica comercial, concuerda con el interés de Warhol por desdibujar los límites entre el arte elevado y el arte comercial, desafiando los valores y percepciones artísticos.

Pimienta de la sopa Campbell

serigrafía en colores

"Bouquets de Fleurs" (1901) is a glowing Post-Impressionist still life. As the revolutionary wave of Impressionism receded from its apex, artists such as Henri Manguin, Henri Matisse, Kees van Dongen, Louis Valtat, and others emerged as part of the new avant-garde in Europe. These “Fauves,” or roughly translated “wild beasts,” would attack their canvases with a bold and vibrant new palette. This completely new way of painting was not initially celebrated by critics, or the artistic elite, but is today recognized among the most innovative and original artistic movements of the 20th Century. <br><br>The present work, painted just before the revolution of Fauvism took hold, demonstrates a critical transitionary period in Modern Art. The subject is depicted with a masterful compositional sense and attention to spatial relationships. Manguin’s competency in composition would allow him to experiment freely with color during the first decade of the 20th Century. The slightly later but comparable Manguin still life “Flowers” (1915) is in the permanent collection of the Hermitage Museum, St. Petersburg, Russia.

Ramos de flores

25 7/8 x 21 5/8 pulg.

óleo sobre lienzo

Wayne Thiebaud es muy admirado como pintor. Sin embargo, su habilidad como dibujante es igualmente convincente y particularmente evidente en la litografía, un medio autográfico célebre por documentar cada gesto de un artista. Como Paint Cans demuestra plenamente, la litografía también proporciona la libertad de superponer texturas y colores para lograr una representación astuta de las intenciones articuladas de un artista. En cuanto a la composición, "Latas de pintura" muestra el agudo sentido del orden de Thiebaud, que se deriva de un énfasis en los puntos focales y las líneas direccionales que demuestran las formas únicas en que puede resaltar un grupo de elementos cotidianos. Es otra obra que sorprende al espectador con su técnica y habilidades altamente detalladas.

Latas de pintura

38 3/4 x 29 1/8 pulg.

litografía en colores sobre papel tejido

Cuando Dorothy Hood regresó a Houston en 1962, para su deleite, la NASA hizo un anuncio trascendental: el nuevo Centro de Naves Espaciales estaría en Houston. La idea de viajar al espacio resonaba con su interés de larga data en la cosmología, y la aspiración heroica de lograr un aterrizaje en la luna abrió algo en la artista. Esta nueva frontera influyó en su trabajo y la animó a trabajar más grande. Ella admitió: "El descubrimiento de lo que podía hacer con (lienzos grandes) es lo más importante que me ha pasado en mi vida como pintora". Por mucho que Space Signals sea un tour de force de pintura de campos de color, su lenguaje visual provino de otras fuentes: imágenes periódicas de sondas de naves espaciales, objetos astronómicos y sus muchas conversaciones con científicos y astronautas que dispararon su imaginación. Creó estas zonas deslumbrantemente hermosas, finamente pintadas, de vaporosos tonos azul ftalo, en las alas de esa inspiración.

Señales espaciales

89 3/4 x 70 pulg.

óleo sobre lienzo

Al principio de su maduración, Hood se estableció como una artista de imágenes cargadas metafísicamente que se involucró con varias cosmologías a su regreso a Houston en 1962. Aguas azules es una de esas obras que reflejan su persistente búsqueda de sustento espiritual. Una banda de azul saturado y opaco se extiende hacia adelante en una esfera de azul límpido, que recuerda a un globo terráqueo acuoso. Esta intrusión audaz pero armoniosa se asemeja a un brazo etéreo que transforma un estado fluido en un hipnotizante verde ftalo, su opulencia y su brillo sugieren una intervención divina que evoca la metáfora de "la mano de Dios", animando la esencia de la vida. El uso magistral del color y la forma de Hood a menudo invita a interpretaciones de un abrazo cósmico o espiritual dentro del mundo natural. Sin embargo, sus límpidos lavados de color vertido no demuestran aleatoriedad o incertidumbre, sino su notable dominio y control que agrega otro elemento de asombro a Blue Waters.

óleo sobre lienzo

El enfoque de Dorothy Hood a menudo aborda la naturaleza esencial de la belleza. Con A pesar de Homenaje a Arshile Gorky, la belleza sirve como un conducto que intensifica nuestra participación consciente, introduciendo ideas complejas a través de presentaciones visualmente impactantes, nada de lo cual sería posible si Hood no fuera un técnico tan pulido. Las transiciones de "rubor y florecimiento" dentro de los dos territorios rojos son increíblemente hermosas. Sin embargo, Hood también es un maestro de los efectos ilusionistas que juegan con nuestra percepción. Al introducir un cambio de color dentro del canal de (llamémoslo) malva claro de luna con matices azulados a un rosa opaco más claro, el efecto depende de cómo la percepción del color del espectador percibe una división. El primer efecto, arriba, tiene la ilusión de un abismo, el segundo de una barrera visual que separa los dos bloques de color que el espectador puede reconocer fácilmente. Este efecto opuesto se acentúa aún más colocando formas cristalizadas y heladas sobre la losa roja cerca de la parte inferior del plano de la imagen y, en contraste, parches escondidos debajo de la losa izquierda para enfatizar el efecto de un canal.

Duro homenaje a Arshile Gorky

89 3/4 x 50 pulg.

óleo sobre lienzo

Hood a menudo reconocía que Arshile Gorky, Edvard Munch, Henri Matisse, Pablo Picasso y Max Ernst influyeron en su capacidad para transmitir conceptos e ideas en abstracción no representacional. Pero fueron sus estudios intensivos del mito, la ciencia, la naturaleza, la espiritualidad y las habilidades prodigiosas las que nos llevaron a los límites de nuestras percepciones y experiencias. Untitled no comparte la cualidad delicada y etérea de las flores botánicas de Georgia O'Keefe y, en cambio, reconoce la intensidad transformadora que subyace a la creación de las cosas terrenales. Para Hood, la transformación de semilla a capullo, de flor a semilla es un ciclo de finalización y un estado perpetuo de metamorfosis moldeado por el paso del tiempo y la interacción de los reinos físico y espiritual. Es uno de sus temas más potentes al que volvía a menudo.

óleo sobre lienzo

En el centro de la vida y el arte de Dorothy Hood está su tiempo en México entre 1941 y 1962, cuando estuvo al frente y al centro de la encrucijada cultural, política y social. Entre sus amigos se encontraban las surrealistas Remedios Varo y Leonora Carrington y los pintores nativos Rufino Tamayo y José Clemente Orozco, con quienes desarrolló una profunda amistad. Cuando regresó a Houston para pintar los lienzos épicos por los que siempre será más conocida, se le abrieron portales a reinos fantásticos y elusivos. Las formas evocadoras de Black Vessel anticipan la superposición, el corte y la reorganización del material para producir los collages visualmente estimulantes que a menudo la ocupaban en la década de 1980. Intencionada o no, la disposición y los patrones recíprocos sugieren una pagoda birmana recortada contra el cielo nocturno. Una pagoda se utiliza principalmente como monumento para albergar reliquias, y la estructura escalonada simboliza las enseñanzas budistas.

Recipiente negro

70 1/8 x 60 1/8 x 1 1/4 pulg.

óleo sobre lienzo

Para Hood, el mar y la extensión infinita del cosmos son reflejos el uno del otro. Encarnan la fuerza formidable que es atractiva para la mente y hace alarde de nuestras ilusiones de tener el control. El vacío es una fuerza ilimitada y primigenia que trasciende nuestra comprensión de su verdadera naturaleza. Para Hood, el desafío de enmarcar el infinito dentro de los límites finitos de un lienzo se convirtió en el trabajo de su vida. En The Face in the Sea, las zonas negras crean la impresión de un espacio negativo, al igual que la inmensidad del espacio mismo, donde los estallidos rojos improvisados son como fenómenos celestes; nebulosas, cometas y galaxias y emergen dentro de ese vacío. Los bordes afilados del negro actúan como horizontes de sucesos que oscurecen y, sin embargo, definen, insinuando dimensiones invisibles más allá, un vacío que refleja la inmensidad desorientadora del espacio. El efecto es cosmológico y psicológico, una obra que captura la emocionante dualidad del espacio, el potencial infinito que se encuentra con un misterio incognoscible.

La cara en el mar

óleo sobre lienzo

SETH KAUFMAN - Lignum Spire - bronce con pátina verde - 103 1/2 x 22 x 17 in.

103 1/2 x 22 x 17 in.

bronce con pátina verde

A menudo pasados por alto, los dibujos en tinta y color de Warhol muestran su habilidad para reducir motivos y elementos a su naturaleza esencial utilizando una economía de línea y una maravillosa jovialidad que caracteriza a cada uno de ellos. A menudo nos recuerdan que el arte puede ser el mejor proveedor de humor y capricho si no se complica y fluye libremente. Sin título, Flores es un anticipo de su famoso diseño para Vogue de 1960, que combina dibujos de flores en colores fluorescentes. Anticipa la temprana inclinación de Warhol a separar la línea del color, un recurso que más tarde daría a sus imágenes serigrafiadas su inmediatez abstracta.

Sin título (Flores)

15 1/4 x 12 3/8 pulg.

tinta y acuarela sobre papel

A medida que Hood avanzaba hacia los últimos años de su arte y su vida, permaneció sostenida por exploraciones del espacio exterior e interior, y su recuerdo de México continuó siendo una fuente. En consecuencia, las pinturas de los años 90 destilan una energía juvenil que desmiente la edad del artista. Enfrentarse a estas obras es sentirse en el primer estallido de luz primigenio o en el fin del mundo. Gravity's Rainbow II encapsula la evolución del contexto espacial y la orientación psicológica distintivos de Hood, evocando un campo de energía expansivo y franjas de colores radiantes y explosivos. El título hace referencia a la novela de Thomas Pynchon ambientada principalmente en Europa durante el final de la Segunda Guerra Mundial. Comprende hilos de una narrativa sobre el desarrollo y despliegue del cohete V-2. Es probable que Hood se sintiera atraído por la cita del científico Wernher von Braun: "La naturaleza no conoce la extinción; Lo único que conoce es la transformación. Todo lo que la ciencia me ha enseñado y me sigue enseñando fortalece mi creencia en la continuidad de nuestra existencia espiritual después de la muerte".

Gravity's Rainbow II

óleo sobre lienzo

Durante las décadas de 1980 y 1990, la devoción de Hood por la idea del vacío no encontró el favor de una generación gobernada por el neopop, el posmodernismo o el debate sobre la validez del arte de apropiación. Walter Darby Bannard, un reconocido pintor de campos de color, reconoció el enorme talento de Dorothy Hood y le aconsejó que abandonara su interés esotérico por algo sin límites y más allá de la comprensión. Hood, como sabemos, se mantuvo firme. Como ella misma declaró: "El negro puede ser pintado para expresar una gran luz, porque en el vacío de la negrura surge todo principio. Las formas están en la gravedad, o están suspendidas sin tiempo, o sin la prisa del movimiento". El virtuosismo de Hood en el manejo del negro está en plena exhibición con Untitled (Black Beauty), una obra maestra más potente cuando se ve a través de la lente de su incesante búsqueda para descubrir la unidad cósmica.

Sin título (Belleza negra)

óleo y acrílico sobre lienzo

ANDY WARHOL - The Shadow (from Myths) - serigrafía en color con polvo de diamante sobre papel - 37 1/2 x 37 1/2 in.

La sombra (de Mitos)

37 1/2 x 37 1/2 in.

serigrafía en color con polvo de diamante sobre papel

DONALD SULTAN - Tulipán amarillo nº 18 - óleo y alquitrán sobre papel - 20 x 20 pulg.

Tulipán amarillo nº 18

aceite y alquitrán sobre papel

FRANCISCO TOLEDO - Sin título - técnica mixta sobre papel - 8 x 10 1/4 in.

FRANCISCO TOLEDO

8 x 10 1/4 pulg.

técnica mixta sobre papel

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La educación es de suma importancia en Heather James Art Advisory. Tanto si eres un coleccionista experimentado como si acabas de empezar, nuestro objetivo es crecer con nuestros clientes y creemos plenamente en proporcionar información y conocimientos para ayudar a nuestros clientes a aprender y cultivar sus intereses artísticos.

Curación

Heather James Art Advisory aporta décadas de experiencia curatorial con la orientación de nuestro personal curatorial senior que ha organizado exposiciones a nivel mundial en museos, galerías y residencias privadas. Aunando elementos estéticos e históricos del arte, ayudaremos a que su colección y su hogar reflejen sus intereses artísticos.

Logística

HJ Art Advisory proporciona una logística completa a la hora de manipular, transportar y supervisar las obras de arte de nuestros clientes. Nuestra supervisión abarca todos los aspectos del cuidado de las obras de arte. Supervisamos cada paso del proceso de transporte, instalación y almacenamiento de las obras de arte. Asesoramos y facilitamos el diseño del marco, la iluminación, los requisitos de seguridad, la conservación y la evaluación del estado.

Documentación

A la hora de comprar obras de arte, HJ Art Advisory investiga la procedencia de la obra y solicita declaraciones y garantías al vendedor de que éste posee un título válido y de que el objeto está libre de cargas, reclamaciones y gravámenes.
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Ventas privadas y proceso de subasta: La información crítica a capturar incluye: Artista, Título de la obra, Fecha, Medio, Dimensiones, Precio, Imagen, Entidad oferente, Procedencia, Certificados, Factura (cuando sea posible), Informe de estado, Gravámenes, Litigios, Título de propiedad.

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Heather James ha tenido el honor de facilitar préstamos a los mejores museos de todo el mundo, como el MoMA o el Centro Pompidou, entre otros. HJ Art Advisory se encarga de todo el papeleo y la logística necesarios para nuestros coleccionistas que deciden prestar una obra de arte para una exposición en un museo.

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HJ Art Advisory mantiene los más altos estándares de diligencia debida a través de la indagación, la investigación y la procedencia de los objetos antes de la adquisición para determinar que se puede obtener un título claro. Dicha investigación incluye, pero no se limita a, determinar:

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Países en los que se ha localizado el objeto y cuándo.
Historia de la exposición del objeto
Historial de publicación del objeto
Cualquier reclamación objeto de propiedad si se han hecho
Bases de datos de objetos robados relevantes para el objeto
Las circunstancias en las que se ofrece el objeto
Fuentes de investigación pertinentes, entre ellas El Registro ArtLoss u otras bases de datos.
Declaraciones de garantía e indemnización del vendedor, asegurando que el vendedor tiene un título válido y que el objeto está libre de cargas, reclamaciones y gravámenes.
Investigación y documentación sobre la época nazi y la Segunda Guerra Mundial siguiendo las directrices relativas a la adquisición de objetos que puedan haber estado en la Europa ocupada por Alemania entre 1933 y 1945.

Finanzas

HJ Art Advisory ayuda a sus clientes con préstamos respaldados por activos, adquisición de obras de arte para fideicomisos y planificación patrimonial. Ofrecemos nuestra experiencia en el mercado del arte para posicionar mejor a nuestros clientes a la hora de tomar decisiones para su colección. Trabajamos con patrimonios, equipos jurídicos y asesores financieros para apoyar mejor a nuestros clientes y sus objetivos.
Heather James Fine Art no es un asesor registrado de inversiones, legal o fiscal. Todas las opiniones financieras y de inversión expresadas por Heather James Fine Art son opiniones basadas en investigaciones personales. Rentabilidades pasadas no garantizan rentabilidades futuras, ni son necesariamente indicativas de rentabilidades futuras.

Ventas y adquisiciones

HJ Art Advisory se centra en la búsqueda de obras de arte para posibles adquisiciones en ventas privadas, casas de subastas y encargos de artistas. HJ Art Advisory supervisa continuamente el mercado privado y público en busca de obras de arte significativas que pertenezcan a los intereses de nuestros clientes y que puedan enriquecer sus colecciones. Negociamos la venta o el precio de venta en nombre de un coleccionista con el fin de lograr el mejor acuerdo posible para nuestros clientes.

Valor y seguro

El grupo HJ Art Advisory evalúa y valora colecciones de arte para su tasación en seguros, adquisición y cesión. Esto implica una investigación en profundidad del análisis del mercado del arte privado y público para determinar el valor.

Conocimientos

HJ Art Advisory trabaja con, y en nombre de, clientes que están desarrollando nuevas colecciones o con colecciones bien establecidas, proporcionándoles asesoramiento y una oferta de servicios en profundidad. Nuestros amplios conocimientos y experiencia, junto con muchos años en el negocio del arte, sitúan a nuestro personal altamente cualificado y experimentado para proporcionar orientación y dirección en múltiples niveles.

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