Nacido en 1885, el arco de la carrera de Milton Avery se sincronizó con la exposición más importante celebrada en Estados Unidos: el Armory Show de 1913. Este acontecimiento actuó sobre la complacencia estadounidense con una fuerza impactante. También sentó las bases de una revolución artística de la que podía surgir un artista como Avery. Avery ha sido caracterizado a menudo como el Matisse americano, pero es más apropiado considerarlo como un inconformista que comprendía su naturaleza interior y tenía una visión definida, así como una determinación preternatural de la que nunca se apartó. Artista estadounidense por excelencia, su espíritu independiente se manifestó en su arte y en sus propios términos: formas grandes, sin énfasis en la luz y la sombra ni en el pesado modelado, formas entrelazadas aplanadas y simplificadas y colores y relaciones cromáticas no asociados.
En los años anteriores a que un grupo de artistas más jóvenes le siguiera con atención, Avery estaba solo. Para ilustrar este hecho, su esposa Sally recordaba con humor que "empezó a dibujarme mucho e hizo una gran figura, una figura sentada. Y el hombre que le prestó a Milton su estudio... entró y dijo: "¡Milton! Te estás volviendo perezoso. No has terminado este cuadro". Y Milton dijo: "Pero lo he terminado". Ese es su, ya sabes, quiero decir, "desde mi punto de vista está terminado". (Entrevista con Sally Michel Avery, 3 de noviembre de 1967, Archivos de Arte Americano, Institución Smithsoniana)
La mujer de azul fue pintada durante los duros años de la Depresión, cuando incluso el gasto de un solo tubo de pintura era una carga. Avery bromeaba diciendo que podía hacer que un tubo de pintura durara más que cualquier otro. Probablemente era cierto. En cualquier caso, su respuesta a esa circunstancia resultó serendípica y contribuyó a uno de los aspectos más destacados de su genio como pintor puro: su insuperable capacidad para lograr un color brillante a través de lavados hábiles. Pintada a finales de la década de 1930, La mujer de azul es una obra que se deleita con una tonalidad más rica de lo que muchos aficionados a la obra de Avery pueden estar acostumbrados a ver. Sin embargo, demuestra ampliamente la luminosa transparencia de la que era capaz, evidente aquí en las profundas pinceladas de color zafiro azulado que envuelven la totalidad de la figura vestida. Pero Avery es igualmente experto en demostrar los efectos de la utilización de las relaciones de opacidad relativas con gran efecto. Obsérvese, por ejemplo, cómo el elemento floral opaco aplicado generosamente "salta" y atrae la mirada hacia el cigarrillo blanco desmenuzado, y hacia abajo, a lo largo del antebrazo, hasta sus dedos apoyados en el brazo de la silla. Es innegable que Avery sintió una sincera conexión con Matisse cuando visitó la exposición individual del maestro francés en el Museo de Arte Moderno en 1931. Pero es su profunda y sofisticada comprensión del color a través del conocido proverbio "la necesidad es la madre de la invención" y su optimista y distintiva vena de humor lo que diferencia a Avery de todos los demás.
El impacto de su color brillante y sus formas simplificadas en los artistas más jóvenes no sólo fue impactante, sino que tiene mucho que ver con la forma en que vemos a estos artistas hoy en día. Como relató Mark Rothko: "No puedo decir lo que significó para nosotros durante aquellos primeros años ser acogidos en aquellos memorables estudios de Broadway, la calle 72 y la avenida Columbus. Estábamos allí, tanto como sujetos de sus cuadros como su público idólatra". ¿Sería Rothko sin Avery? Probablemente no. Pero quizá baste con declarar a los dos como los más grandes coloristas del siglo XX.
En última instancia, el conmovedor elogio de Rothko pronunciado poco después de la muerte de Avery, a principios de enero de 1965, señaló lo que hacía que sus cuadros fueran tan especiales: "Avery es, en primer lugar, un gran poeta. La suya es la poesía de la belleza pura, de la belleza pura. Gracias a él, este tipo de poesía ha podido sobrevivir en nuestro tiempo. Esto sólo requirió un gran valor en una generación que sentía que sólo podía ser escuchada a través del clamor, la fuerza y la demostración de poder. Pero Avery tenía ese poder interior en el que la dulzura y el silencio resultaban más audibles y conmovedores". (Mark Rothko, ensayo conmemorativo pronunciado en la New York Society for Ethical Culture, 7 de enero de 1965, reimpreso en Adelyn D. Breeskin, Milton Avery, 1969).
