Todo el mundo necesita una fantasía: El arte pop en América

Utilizando una cita de Andy Warhol como título e inspiración, "Todo el mundo necesita una fantasía" explora el poder, el deseo y el placer del arte pop. La exposición abarca más de tres décadas de arte pop. Sumérjase en el mundo de Warhol, Roy Lichtenstein, Mel Ramos, Larry Rivers y Tom Wesselmann, entre otros.

Las obras de "Todo el mundo necesita una fantasía" se adentran tanto en el glamour como en las aristas ocultas del arte pop estadounidense. En marcado contraste con el expresionismo abstracto, que se convirtió en el estilo dominante en la década de 1960, el movimiento del arte pop ofreció una alternativa más soleada, aunque no menos reflexiva. Para ver el contraste y las similitudes entre el Pop Art y el Expresionismo Abstracto, visite nuestra otra exposición, "Modernismo Judío Parte 1".

A pesar de su brillo, el Pop Art ofrecía una mirada perspicaz a la psique estadounidense. Por ejemplo, no sólo estaba fascinado por la celebridad y la fama, sino que Warhol profundizó en estos temas para reflejar en América su propia visión: lo bello, lo brillante y lo traumático.

Para Mel Ramos, Tom Wesselmann y Larry Rivers, sus obras nos piden que consideremos el papel de la figura humana dentro de la historia del arte, el arte pop y la cultura de consumo. El Pop Art se convirtió en el espacio para combinar la seriedad y lo camp, la vanguardia y lo kitsch.

Incluso las piezas de Roy Lichtenstein inspiradas en los cómics suscitan sobrias cuestiones de apropiación, desdibujando las líneas de las llamadas bellas artes y la cultura dominante.

Como sugiere el título de la muestra, el arte pop ofrece fantasía y realidad a partes iguales, donde el placer está a una sola compra.

Andy Warhol

El más preeminente de los artistas pop, Warhol creó obras que, parafraseando a Oscar Wilde, eran a la vez superficie y profundidad. Judy Garland en el anuncio de Blackglama destaca tanto la fantasía deseable como la trágica realidad. La exposición presenta un conjunto completo de sus grabados de la Silla Eléctrica -derivados de su serie Muerte y Desastre- que ejemplifican su ocupación de la fama y la infamia en Estados Unidos.

Roy Lichtenstein

Junto con Warhol, Lichtenstein llegó a definir el arte pop y el arte americano del siglo XX a través de su apropiación de los cómics tanto en el tema como en el estilo. Lichtenstein reprodujo la precisión de sus composiciones que tanto documentaban como parodiaban. Su obra estuvo muy influenciada por la publicidad popular y, cerrando el círculo, ha inspirado la publicidad dominante: un ciclo de consumo del deseo.

Jim Dine

Las obras de Jim Dine meditan sobre objetos con atractivo infantil para encontrar un lenguaje universal y nostálgico. Las túnicas de Dine se encuentran entre las imágenes más reconocibles que han surgido de su larga e ilustre carrera. El uso de la plomada de plomo también habla de la propia experiencia infantil de Dine con las herramientas y la ferretería expresada a través de una lente Pop.

Alex Katz

Alex Katz es una figura fundamental del arte figurativo estadounidense. Sus retratos y pinturas coloridas, estilizadas y planas contrastan con el expresionismo abstracto en el que creció. Aunque no son minimalistas, sus figuras inexpresivas tienen cualidades que también se prestan a comparaciones con la cultura pop y el diseño comercial. Las obras de Katz transmiten una sensación de distanciamiento y de modernidad.

Robert Rauschenberg

El artista estadounidense Robert Rauschenberg contribuyó a revolucionar el arte del siglo XX con sus ensamblajes que incorporaban objetos encontrados y la cultura pop. La superposición de objetos y significados cuestionó la idea misma de arte y sus límites.

James Rosenquist

James Rosenquist es uno de los artistas pop más destacados. Sus lienzos a gran escala presentan imágenes de collage extraídas de la publicidad y la cultura comercial. Rosenquist, que se formó como pintor de vallas publicitarias, utilizó esta experiencia para crear enormes lienzos que se parecen a los anuncios que encontramos en la vida cotidiana. Aunque son estáticas, la desintegración angular y el reencuentro nos dan la impresión de que las imágenes parpadean a gran velocidad, como si estuviéramos navegando por un canal, conduciendo por una autopista de vallas publicitarias, o incluso saltando de un sitio web a otro. No es casualidad que Andy Warhol llamara a su amigo James Rosenquist su artista favorito.

Ed Ruscha

Ed Ruscha es uno de los artistas estadounidenses más destacados, en parte por sus exploraciones de los símbolos de América y la relación entre el lenguaje y el arte. El fin es un tema cinematográfico que el artista utilizó en las décadas de 1990 y 2000, apareciendo en pinturas, grabados y dibujos -en particular la pintura a gran escala de 1991 en el Museo de Arte Moderno-. Abordando el paso del tiempo y la obsolescencia, Ruscha hace uso de un tipo de letra anticuado y de una vieja tradición cinematográfica de utilizar el texto en las películas.

Mel Ramos

Ramos solía pintar desnudos femeninos yuxtapuestos a tótems comerciales como Coca-Cola o Del Monte, apropiándose y recontextualizando la publicidad dentro de la sociedad estadounidense. Nos enfrentamos a fantasías visuales y sabrosas. Al igual que su amigo Lichtenstein, Ramos aprovechó la proliferación de imágenes comerciales para ofrecer una interpretación de esta abundancia óptica. No se limitó a referirse a los referentes culturales, sino que incorporó referencias a los desnudos clásicos.

Larry Rivers

Considerado tanto el padrino del Pop Art como su enfant terrible, Rivers había estudiado en su momento con Hans Hofmann, el padre del expresionismo abstracto. Gracias a esta formación, Rivers se sintió obligado a tener siempre el toque del artista en sus obras, en contraste con Lichtenstein o Warhol, que favorecían las técnicas industriales o de fábrica para borrar. Sin embargo, sus obras ampliaron los límites del arte al fusionar la abstracción y la figuración con la cultura pop y de consumo.

George Segal

El hecho de que Segal se centrara en el cuerpo humano a tamaño natural contribuyó a contrarrestar el predominio del expresionismo abstracto. Además, estos yesos hechos con vendas de amigos y familiares, tienen una resonancia existencial. Personas suspendidas en el tiempo en acciones que no tienen fin ni principio. Nacido en el seno de una familia judía polaca, muchos de cuyos miembros murieron en el Holocausto, Segal crea figuras que son cascarones literales, recordatorios de la condición humana.

Tom Wesselmann

Al igual que Ramos, la obra de Tom Wesselmann hace referencia a los desnudos clásicos de la historia del arte que luego yuxtapone con objetos modernos. Incluso actualiza el desnudo para el público contemporáneo, como el uso de líneas de bronceado en bikini. Donde Ramos aporta un realismo a sus figuras, Wesselmann aporta un estilo gráfico vibrante. Este impulso a la abstracción crea una conexión aún más audaz entre el consumo visual y el comercial.