Andy Warhol: Glamour al límite
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Heather James se enorgullece de exponer una selección de obras de Andy Warhol de los años sesenta a los ochenta, cuando Estados Unidos alcanzó un nuevo ápice de glamour y consumo. Warhol, el artista pop por excelencia, era conocido tanto por sus retratos como por sus productos de consumo. La exposición se sumerge en el irreverente mundo de Warhol para desgranar las capas de significado que crearon su visión de la sociedad americana. Cada una de las obras seduce con su bello encanto a la vez que constituye un profundo comentario sobre la fama, el capitalismo, la muerte, la cultura, la sociedad y la política.
El eje central de la exposición son las serigrafías que más han contribuido a consolidar la posición de Warhol como uno de los más destacados artistas estadounidenses y del Pop Art. Antes de convertirse en artista, Warhol trabajó como diseñador gráfico de gran éxito. Esta experiencia ayudó a Warhol a crear obras que comentaban el consumo masivo a través de la producción en masa. De hecho, su forma de crear las obras reflejaba la producción en masa, produciendo obras en volumen. Llamada The Factory, era también un lugar de encuentro para una mezcla de personas -celebridades, intelectuales, mecenas del arte-, cualquiera que quisiera ver y ser visto.
Las serigrafías abarcan tres décadas de la carrera de Warhol, desde sus icónicas latas de sopa Campbell de los años sesenta, pasando por las celebridades de los años setenta, hasta su serie más prolífica de los años ochenta. En el momento de su producción, estas serigrafías eran una forma asequible de poseer obras de arte. Las serigrafías, ya sea un grabado de Duhrer del siglo XVI o un Hogarth del siglo XVIII o incluso una obra contemporánea, eran una forma de producir obras para el pueblo llano y de difundirlas más fácilmente. Warhol lleva esto a la enésima potencia para crear obras que son a la vez desechables y duraderas, reflejando la naturaleza prescindible de los artículos de consumo y la cultura de consumo de la época.
Sin embargo, siempre hay una sensación de ironía. A pesar de que las serigrafías parecían hechas en fábrica, requerían una gran cantidad de trabajo. Warhol elegía la imagen, el recorte de la misma y los colores, mientras que sus ayudantes tenían que crear las pantallas para las impresiones y la ejecución de las mismas. Aunque sigue siendo un medio fácil de producir y reproducir, siempre hay un coste oculto. Quizá el ejemplo más arquetípico de la ironía de Warhol sean las latas de sopa. Un simple alimento de la despensa se convierte en arte; un artículo que alimenta el cuerpo se transforma en un artículo que alimenta la mente.
Pero esta ironía puede volverse oscura. Para alguien tan asociado a la chispa de la vida y la cultura de la ciudad, los animales y la naturaleza eran importantes para Warhol. De niño, Warhol dibujaba animales en sus clases de ciencias y se inspiraba en parques y conservatorios, mientras que las flores aparecen muchas veces en la obra de Warhol. Esta serie, encargada en la década de 1980 por Ronald y Frayda Feldman a raíz de las conversaciones mantenidas con el artista sobre cuestiones ecológicas, representa animales en vías de extinción. En esta serie hay una tensión entre el arte, el comercio y la naturaleza. Estos animales estuvieron a punto de desaparecer por culpa de los humanos, pero en una rara muestra de esperanza, muchos de estos animales se han recuperado.
En el extremo más ligero de las observaciones de Warhol sobre América y el consumo, la exposición presenta sus "Zapatos con polvo de diamante". Los zapatos pueden simbolizar el lujo, el glamour, la sensualidad y la frivolidad. Pensemos en el zapato de cristal de Cenicienta o en los Manolo Blahnik de Carrie de Sexo en Nueva York o incluso en el vídeo viral "Shoes" de Liam Kyle Sullivan. El calzado ocupa un foco central de consumo y, por tanto, está sujeto a soportar el peso de diversos significados. La capa añadida de polvo de diamante en estas obras enfatiza todas estas cualidades, pero el ojo de Warhol arroja un equívoco. Nos queda la duda de cómo debemos interpretar estas obras. Para saber más sobre estos zapatos, visite nuestra exposición virtual "Andy Warhol Polaroids", que contiene las fotografías que Warhol utilizaba a menudo como base para sus obras, entre las que se encuentra un juego de zapatos.
Si los zapatos representan el extremo más ligero de las sutiles investigaciones de Warhol, las Sillas Eléctricas representan a Warhol en su punto más álgido. Como hizo a menudo a lo largo de su carrera, Warhol recurrió a la Silla Eléctrica como tema, primero en forma de pinturas en 1964 y luego como un conjunto de grabados en 1971. La Silla Eléctrica, que forma parte de su serie "Muerte y Desastre", que incluía accidentes de coche y latas de comida contaminadas, es un acto artístico en la cuerda floja. Por un lado, las obras son una confección de color que seduce al espectador en una superficie estéticamente agradable. Por otro, el conjunto representa un método de pena capital. Warhol se basó en una fotografía de prensa de la cámara de la muerte de la prisión de Sing Sing en 1953, el mismo año, lugar e incluso silla donde Julius y Ethel Rosenberg fueron ejecutados por espionaje. Warhol parece sugerir una fascinación particularmente estadounidense y una obsesión tal vez incómoda. Los colores brillantes pero antinaturales y el tema inquietan al espectador, haciéndonos a la vez observadores externos y participantes cómplices.
No es sólo el tema lo que convirtió a Warhol en un artista pionero, sino su proceso. Como se demuestra en la suite Silla Eléctrica, Warhol a menudo se basaba en imágenes de la prensa, desvirtuando la capacidad de los medios de comunicación de informar para revelar la corriente subyacente de voyeurismo y sensacionalismo. No sólo debemos preguntarnos cómo consumimos cosas como una lata de sopa, sino también cómo consumimos y entendemos los medios visuales, incluso algo tan inocuo como una imagen de las noticias.
"La sombra (de los mitos)" es tanto un franco autorretrato como una metáfora. Imaginándose a sí mismo como el luchador contra el crimen de la radio de los años 30, Warhol se enfrenta a la mitificación del pasado de Estados Unidos. La gloria y la sombra se mezclan en una danza incierta.
Al observar a Warhol, muchos pasan por alto o infravaloran la importancia del retrato. En una ocasión se refirió a sí mismo como "un simple pintor de sociedad ambulante". Por un lado, Warhol se refería a la larga tradición de artistas que viajaban por todo Estados Unidos pintando retratos rápidamente para los mecenas. Por otro, Warhol se vincula descaradamente a los grandes retratistas de sociedad, entre los que se encuentran Joshua Reynolds, Thomas Lawrence y John Singer Sargent. La exposición incide en este aspecto con la inclusión de retratos de Muhammed Ali y Mick Jagger. Jagger era amigo de Warhol, y colaboraron muchas veces a lo largo de sus carreras. En ambas suites, Warhol capta la celebridad y el simbolismo de ambos hombres. A diferencia de sus obras anteriores, incorporó formas geométricas de gran colorido, lo que les dio más profundidad y expresión. Estas piezas se basan en las Polaroids que Warhol tomó. Las Polaroids desempeñaron un papel importante en el proceso artístico de Warhol y en su vida. Conozca más en nuestra exposición "Andy Warhol Polaroids: Wicked Wonders".
Las dos últimas obras de la exposición forman un interesante dúo que examina la política y la propaganda, la creación de imágenes y la ideología. Al reunir las serigrafías de Nixon y Mao, la exposición destila el proceso de Warhol y las ideas que vertebran toda su obra. Nixon y Mao no sólo representan a dos superpotencias internacionales, sino también el modo en que cada una de ellas elaboró, o no, su imagen. Uno piensa en la trascendental ocasión en la que el Presidente Nixon visitó China, aliviando las relaciones entre las dos naciones. La reunión en sí tuvo menos importancia que las imágenes creadas y difundidas a partir de la visita.
Yendo más allá, la imagen de Mao se ha difundido por todo el mundo, convirtiéndose menos en la imagen de un hombre y más en un icono literal. A esto se contrapone el retrato de Nixon, en el que Warhol altera su rostro hasta convertirlo en un rostro inquietante con tonos verdes y azules. Las implicaciones de esto son numerosas, con un significado sutil como referencia al debate presidencial de 1960 entre Nixon y John F. Kennedy, el primero en ser televisado. Nixon se mostró infamemente poco elegante. La apariencia y la imagen adquirieron de repente un nuevo nivel de importancia en la política.
Glamurosas y llamativas, estas obras tienen un significado ambiguo. Es esta ambigüedad la que acentúa su atractivo y nos recuerda que Warhol tenía una visión más aguda de la sociedad estadounidense, muchos de cuyos problemas seguimos tratando en la actualidad. Como señaló su amigo Jagger en un homenaje a Warhol a su muerte: "Lo que parecía poder hacer era capturar la sociedad, cualquier parte de ella que quisiera retratar, con bastante precisión. Esa es una de las cosas que hacen los artistas, mostrar a la gente después cómo era".
"Un día entero de vida es como un día entero de televisión. La televisión nunca deja de emitirse una vez que empieza el día, y yo tampoco lo hago. Al final del día todo el día será una película. Una película hecha para la televisión". - Andy Warhol