Era aceptable en los 80

Los años 80 han sido una piedra de toque cultural durante décadas que ha influido en la moda, el cine y la televisión, pero su influencia como nexo de unión del arte ha sido mayoritariamente un punto ciego. Pero si damos un paso atrás, la fuerza de la década se hace evidente, y si la situamos en un contexto sociopolítico, podemos ver una mezcla de acción y reacción a los movimientos anteriores.

La exposición hace un amplio recorrido por una década de rápidos cambios y reaccionismo. Trata de situar en su contexto y en yuxtaposición una serie de movimientos y grupos de artistas para comprender mejor el arte y los artistas, las relaciones que formaron y entender el trabajo de base que sentaron para las generaciones futuras. En este sentido, la muestra se centra en los artistas que surgieron o trabajaron en la década de los 80, al tiempo que mira hacia el futuro con algunas de las obras que producirían posteriormente.

Uno de los grupos más importantes que surgieron fueron los neoexpresionistas, entre los que se encontraban Julian Schnabel, Francesco Clemente, Mimmo Paladino y Sandro Chia. A pesar de la disparidad geográfica, lo que unía a los artistas era el uso excesivo de medios mixtos, la pincelada gestual autoconsciente y la figuración cruda, alineados en un impulso contra la dependencia del minimalismo y el conceptualismo de la década anterior. El alto concepto dio paso a obras de gran impacto, centradas menos en las ideas y más en la superficie. Detrás de esta "vuelta" a la pintura había una bravuconería y un machismo descarados, que reflejaban el conservadurismo de la década. Compárense con las artistas de Patrón y Decoración en nuestra exposición virtual, "Patrón y Decoración: Feminismo y Amistad", y se puede ver un retorno consciente al mito del arte "heroico" y del "genio" singular.

Pero ni el conceptualismo ni la colaboración terminaron. La Generación de las Imágenes, que surgió en los años 70 y en los 80, redefinió qué imágenes podían utilizarse en el arte y cómo podían utilizarse. Una asociación informal que incluía a Cindy Sherman y Richard Prince, al igual que los neoexpresionistas, surgió de una América más desilusionada, que se tambaleaba tras el Watergate, el final de la guerra de Vietnam y la estanflación de los años 70. En lugar de recurrir a la bravuconería excesiva, la Generación de las Imágenes recurrió a la teoría crítica recién surgida, como la deconstrucción promovida por escritores franceses como Michel Foucault. Utilizando los medios de comunicación de masas, Sherman, Prince y sus compañeros citaron, excavaron, reformularon, repensaron y volvieron a poner en escena las "imágenes" y la fotografía para cuestionar la autenticidad frente a la originalidad y el modo en que conforman nuestra percepción de nosotros mismos y del mundo. La identidad esencialista dio paso a la conceptualización de las construcciones sociales.

La obra producida es a la vez seductora y fríamente distante. "Untitled No. 110" recuerda la anterior serie de Sherman, Untitled Film Stills. La obra de Sherman aborda el papel y las identidades construidas de las mujeres. Por otro lado, Prince se apropia de palabras e imágenes, pidiéndonos que consideremos lo que estas imágenes significan para la cultura colectiva, al tiempo que cuestiona la autenticidad.

No fueron sólo los artistas más nuevos o emergentes los que conquistaron la década. A pesar de que su nombre es sinónimo del arte pop de la América de mediados de siglo, Andy Warhol alcanzó un nuevo nivel de fama y celebridad durante esta década. Más que nunca, Warhol dirigió su mirada hacia los ricos, los famosos y los infames iluminando lo que significa ser americano y lo que es la cultura americana. Su compañero en el arte pop, James Rosenquist, incluso hizo que uno de sus cuadros, "Escuela de Samba", apareciera en una película definitoria de la época: "Wall Street". Como la película señala de la cultura americana de la época, "... la codicia, a falta de una palabra mejor, es buena". Esta exuberancia material no es ajena a la aparición de los neoexpresionistas.

El dinero tocó otras partes de la época. Conocida como la "Década de los diseñadores", la tendencia predominante era el posmodernismo. Las superficies y la apariencia primaban sobre la funcionalidad, y el deseo del consumidor se subvertía a la vez que se mantenía el atractivo comercial. Esta tendencia a la teatralidad y el brillo se alejó de la subversión y la ironía cuando se unió al auge del consumismo y el interés de las corporaciones. En esta intersección, artistas como Jeff Koons saltaron a la fama. Koons eleva los objetos cotidianos que socavan nuestras expectativas al tiempo que subraya su propia naturaleza kitsch. Las obras de la exposición recuerdan a los huevos de Fabergé pasados por un filtro brillante y hortera. ¿Es una imitación barata? ¿Es una continuación de la historia de la artesanía y el arte? ¿Interroga Koons el consumismo, lo celebra o es algo intermedio?

De aspecto caricaturesco y ligeramente monstruoso, los retratos de George Condo son una maravillosa expresión del arte y el pensamiento posmodernos. Como describe el V&A, "el objeto posmoderno reflejaba el deseo de combinar declaraciones subversivas con un atractivo comercial". En esta declaración está el corazón palpitante de los cuadros de Condo. Condo pinta de memoria y, al contemplar su obra, el espectador puede imaginarse cómo estos cuadros son imágenes refractadas y recolectadas de la memoria de Condo de la historia del arte y de los estados psicológicos. Todo lo viejo se convierte en nuevo.

Sin embargo, en contraste con el genio mítico del artista singular en el movimiento neoexpresionista (y en la historia del arte en general), la colaboración tuvo una importancia crítica en este periodo. Observando la fotografía de Tseng Kwong Chi y Warhol, vemos cómo los artistas mantenían importantes diálogos entre ellos. En la foto de Grace Jones, vemos una conversación a tres bandas entre Grace Jones, el fotógrafo Kwong Chi y Keith Haring, que pintó a Jones.

Esta exposición se cierra con el más nebuloso de los movimientos de la época. Tan amorfo es que se le ha denominado de diversas formas: posconceptualismo, neoconceptual, neogeométrico (neogeo) y abstracción posabstracta. Entre los artistas que se engloban en este gran paraguas se encuentran Jenny Holzer, Donald Sultan, Christopher Wool, Peter Halley y Ross Bleckner, entre otros. Lo que unía a estos diversos artistas era la idea de que el concepto podía primar sobre el producto final en extremo, y había un aire de "simulación" en ellos. Por ejemplo, las obras de Halley parecen una continuación de las obras minimalistas en la línea de Frank Stella. Sin embargo, la pintura es una crítica al consumo y al industrialismo. Al igual que Halley, los cuadros de Bleckner cooptan la estética del minimalismo o del Op Art, al tiempo que hacen declaraciones emocionales y políticas, de forma conmovedora, sobre la destrucción de la crisis del sida. Incluso cuando los cuadros son más representativos, pintores como Sultan examinaron el consumo tanto de la imagen como del objeto artístico. La abstracción no es sólo abstracción. Adquiere nuevos significados en nuevos entornos.

Aunque Koons y Condo podrían considerarse los más emblemáticos del posmodernismo, muchos de los demás artistas del posconceptualismo podrían considerarse posmodernos, un sentido de subversión, contradicción e ironía revestido de teatralidad y reforzado por lo teórico. La escultura de Holzer es atractiva por el uso de materiales, su forma e incluso las palabras grabadas en el asiento, pero si se mira más de cerca, el truismo confunde y perturba. La obra de Holzer subvierte nuestros impulsos consumistas.

La dinámica década resultó ser una época fértil para el arte. Los artistas se movían en diferentes direcciones en asociaciones poco definidas de forma aparentemente contradictoria, y sin embargo los diálogos entre ellos se impulsaban. Estos artistas no se limitaron a romper con el pasado, sino que se cuestionaron lo que significaba para el presente. No es casualidad que estudiar en la New York Studio School, fundada por la artista Mercedes Matter, tuviera una profunda influencia en Christopher Wool. Conozca más sobre la escuela y Matter en nuestra exposición virtual Merceds Matter: Una calidad milagrosa. De Koons a Sherman y a Holzer, los artistas miraban a la vez hacia atrás y hacia delante con un sentido del estilo y de la ironía.