Esta exposición virtual reúne a Theaster Gates, Sam Gilliam y Rodney McMillian que exploran la abstracción a través de materiales poco convencionales pero comunes. A través de este uso de la materialidad, Gates, Gilliam y McMillian trascienden la planitud estéril del arte abstracto. Esta estratificación de lo material y, por tanto, de lo significativo, al chocar con la no representación, rompe con la influencia del historiador del arte Clement Greenberg, quien acorraló el arte abstracto fuera de contexto y en una insistencia dogmática de la llanura.

Más que un artista, Theaster Gates también trabaja como curador, planificador urbano y facilitador de proyectos. De la escultura a la pintura, de la instalación a los proyectos públicos, las obras de Gates son centros en los que cuestionar la mano de obra y las mercancías, a la vez que ponen de relieve a la gente y las cosas que a menudo no se ven y no se escuchan. El arte de Gates a menudo toma las cualidades formales del arte abstracto o hace referencia a movimientos artísticos que luego utiliza como vehículo para abordar cuestiones más amplias de raza, clase y género en la sociedad estadounidense con el principio más amplio del arte arraigado en la acción y la responsabilidad social. A primera vista, las esculturas de la exposición parecen esculturas abstractas arraigadas en el minimalismo. Sin embargo, en el material y en el proceso de creación, estas esculturas se revelan como objetos que reflexionan sobre el trabajo y la raza; una exploración de la materialidad no es sólo una exploración en sí misma, como lo habrían hecho los minimalistas y artistas abstractos anteriores, sino una exploración en espiral para examinar su contexto dentro de la sociedad.

Por ejemplo, Convex Concave toma ladrillos hechos a la medida que Gates había usado previamente para Black Vessel para un Santo en el Walker Art Center y los vuelve a utilizar en una escultura pintoresca que hace referencia a artistas minimalistas como Sol LeWitt, la labor de hacer ladrillos y el contexto original de los ladrillos para la instalación en el Walker.

En Untitled (Flooring) y Stand-Ins for a Period of Wreckage 25, Gates ha elevado materiales humildes que parecen marcados en tótems minimalistas. No se trata sólo de una investigación sobre el minimalismo y los materiales, sino de cuestiones industriales y, en el caso de los Stand-Ins, de lo que queda de los edificios que han sido demolidos.

Sam Gilliam entró en el mundo del arte como un expresionista abstracto en el modo de campo de color. Nacido en 1933 en Tupelo, Mississippi, Gilliam finalmente encontró su camino a Washington, D.C. donde se convirtió en parte de la poco agrupada Washington Color School que incluía a Morris Louis, Kenneth Noland, Anne Truitt y Alma Thomas. Se hizo famoso por ser el primer pintor en crear la idea de lienzos sin soporte. A lo largo de su carrera, Gilliam pasó de estos lienzos drapeados a collages inspirados en el jazz para cortar lienzos cubiertos de impasto fuertemente incrustado.

En las obras de la exposición, el espectador puede ver una síntesis de la carrera de Gilliam, que incluye soportes con forma y campos de color que se convierten en estructuras interactivas. En su composición, uno puede incluso ver una influencia continua de músicos de jazz como Miles Davis y John Coltrane. A lo largo de cada fase de su carrera y tal y como se ejemplifica en estas obras es un enfoque sobre el color, la forma y la estructura que trasciende la idea de que en el cenit de la abstracción la mano del artista desaparece. Aquí, en sus bordes en bruto y con forma y capa de colores, la mano de Gilliam es clara y presente.

Rodney McMillian es un artista multidisciplinario que trabaja en escultura, pintura, performance y video. Nacido en Carolina del Sur, McMillian ha vivido en el sur de California desde el año 2000 donde enseña en UCLA. El artista plasma su obra en torno a la historia socio-política de los Estados Unidos, incluso a través de la abstracción. A primera vista, Lollipop and Flag parece ser una continuación del expresionismo abstracto en su flujo de pintura en capas. Para estas obras, como los expresionistas abstractos de antaño, McMillian vierte y gotea pinturas. Sin embargo, si se observa más de cerca, las obras parecen sugerir un mapa o paisaje y, por lo tanto, la historia de lucha y poder inherente a la cartografía y a la pintura paisajística. ¿Quién hace mapas y para quién? ¿Qué representa una bandera? ¿Quién es el dueño de la tierra y a qué costo? ¿Qué pasa en esa tierra? Además, al utilizar pintura para el hogar, ropa de tiendas de segunda mano y otros materiales industriales, McMillian explota cuestiones de economía, accesibilidad e incluso temporalidad, ya que los materiales son intrínsecamente inestables y no archivables. La monumentalidad de las obras hace que el espectador sea más consciente de su propio cuerpo y, en Flag, el "objeto post-consumo" del traje y las sábanas enfatiza aún más el cuerpo humano, en particular de los cuerpos negros, al tiempo que pone en capas significados adicionales de pérdida y de hogar.

Los tres artistas de la exposición, Theaster Gates, Sam Gilliam y Rodney McMillian, sintetizan la materialidad con el lenguaje de la abstracción para extraerlos con todo su significado. La historia del arte se recontextualiza dentro de la historia socio-política y el lenguaje visual se convierte en una lengua vernácula para hablar a nuestra presencia actual e histórica. Como señala McMillian, "la historia está en tiempo presente. Es un regalo para mí".