Esta exclusiva exposición en línea explora el paisaje americano como género desde diferentes perspectivas, incluyendo movimientos, teorías, tiempo y lugar, a partir de obras de arte disponibles en nuestras cinco galerías. No sólo pinturas estéticamente agradables del exterior, el paisaje de América se convierte en una lente a través de la cual podemos entender su compleja identidad geográfica, cultural, social y política. El título de la exposición se inspira en el tercer movimiento del compositor estadounidense John Adams, Grand Pianola Music. Con su alusión a la geografía, Adams describe su pieza "con su melodía llamativa y ondeante de banderas que se balancea hacia atrás" como un "bostezo de Whitmanesque". Su descripción también resume la exposición. Su lenguaje sonoro es un complemento perfecto para el espectáculo y proporciona otra capa de comprensión del lenguaje visual construido por estos artistas dispares para describir América.

El subtítulo de la exposición también hace referencia a la variedad de artistas que han abordado el género, a la miríada de formas de ver y a las muchas facetas de la piedra preciosa que es América. Es sólo alineando la Americana de Falter o el impresionismo de John Joseph Enneking contra la cuestión narrativa de Kruger o la materialidad de Rodney McMillian para ver la complejidad del paisaje como género y de América como nación. La exposición explora la división en el sentido de un cañón geológico y en la multiplicidad de comprensión y visión. ¿Es la playa del océano un agradable día de descanso como en la escena de playa de Mabel May Woodward o es la helada frialdad de la orilla del río White River Bank de George Gardner Symons? ¿Está América compuesta de tierra y arquitectura en el realismo de Davis Cone o son las personas y de dónde vienen en la interpretación de Felandus Thames? No hay una sola respuesta correcta, sino más bien multivalente. Al yuxtaponer obras y artistas opuestos, la exposición pretende captar el espíritu de América y nos pide que reflexionemos más profunda y abiertamente sobre los paisajes y la nación.

Los aspectos más destacados de la exposición incluyen:

Spring Light, 1969, de John Philip Falter es un ejemplo pastoral de su trabajo que ayudó a desarrollar el lenguaje visual de la lengua americana. Al igual que Norman Rockwell, Falter creó más de 120 portadas para The Saturday Evening Post. Pintado durante la turbulenta década de 1960, este cuadro representa su visión, dijo, "para registrar lo que probablemente sea el último de la gran tradición de la agricultura". Pintado en la misma década es Barn Group Near Marion, 1960, de Marvin Cone, que presenta una escena similar desde una perspectiva ligeramente diferente del regionalismo estadounidense. La pintura no es tanto un registro exacto como una evocación de la interpretación de Cono del tiempo y el lugar.

ME, 1972, de Robert Cottingham es de una serie de obras en las que Cottingham aisló partes de palabras de los signos teatrales. Esta pintura proviene del Cameo Theatre de South Broadway en Los Ángeles. El trabajo fue creado unos años antes de que el famoso ensayo de Tom Wolfe, "The'Me' Decade", fuera publicado como portada en la revista New York el 23 de agosto de 1976. Fremont with Two Girls, 2006, de Davis Cone trafica con el mismo realismo y tema, pero al retirar el alcance visual, su trabajo es una exploración más ambigua del paisaje y la cultura estadounidenses.

Flag, 2002, de Rodney McMillian sugiere un mapa o paisaje. McMillian describe su trabajo como una exploración de la historia de la lucha y el poder latente en la pintura paisajística. ¿Qué representa una bandera? ¿Quién es el dueño de la tierra y a qué costo? La enormidad de las piezas crea una conciencia en el espectador de su propio cuerpo en relación con él. El "artículo post-consumo" del traje y las sábanas enfatiza aún más lo corpóreo, en particular de los cuerpos negros, añadiendo una sensación de pérdida y de hogar. La minería de cuestiones similares de identidad negra y América es el río Gamtoos por Felandus Thames. El río al que se refiere el título es un río de Sudáfrica, y al representar los labios afroamericanos, el Támesis sugiere una conexión más profunda entre la geografía y la identidad, así como un nuevo examen de las representaciones de los afroamericanos en la historia del arte.

Luncheon, 1961, de Roland Petersen, presenta un movimiento y un estilo totalmente diferente al de las pinturas contemporáneas de Falter y Cone. El grueso impasto y los colores vibrantes incitan a un delicioso placer que deleita la vista. En la combinación de pinturas de épocas similares, el espectador puede ver el empuje y la atracción de América.

La primavera de 1916, de William Wendt, es un buen ejemplo del estilo impresionista de Wendt que capturó el paisaje del sur de California. Nacido en Alemania y mudándose a los Estados Unidos, su historia le habla al país como una tierra de inmigrantes. Eugen Neuhaus, otro artista nacido en Alemania y transplantado en California, dijo de Wendt que "canta a la primavera en sus ricos verdes y, más a menudo, a la alegre calidad del verano en típicos marrones leonados, en términos decorativos amplios". Su amigo y compañero de trasplante de California, George Gardner Symons y su White River Bank, acompañan la pintura, proporcionando un fuerte contraste estacional y un enfoque diferente al Impresionismo Americano. Otras obras impresionistas americanas en la exposición incluyen Milton Blue Hills de John Joseph Enneking y Rocky Pasture de Edward Potthast. Beach Scene de Mabel May Woodward personifica su trabajo en el impresionismo estadounidense con su lienzo salpicado de sol y luz y las escenas con las que habría estado familiarizada en su estado natal de Rhode Island.

Picture/Readings, 1978, de Barbara Kruger yuxtapone texto e imagen para centrarse en la narrativa, la realidad y la arquitectura. Las fotografías son de edificios en Florida y California, destacando detalles que normalmente pasarían desapercibidos. Kruger combina la imagen con narrativas ficticias de transeúntes y habitantes, complicando el conocimiento recibido de historias y paisajes. Kruger anota, "La imagen/lectura fue un indicador temprano de mi interés por los espacios exteriores e interiores y cómo nos forman tanto como nosotros los formamos".

McD's, 2003, de Brian Alfred es una pintura postmoderna que presenta un símbolo de la cultura pop estadounidense, pero que también parece ser una advertencia ominosa. ¿La quema es también un gesto simbólico o sólo un momento desafortunado que ha capturado en la pintura? Más sublime en su coloración pero no menos borrosa es la Teoría de la Frontera (Río Grande/Zona Desolada), 2014, de Tony de los Reyes. De los Reyes ha utilizado el lenguaje de la abstracción y el campo del color para crear meditaciones sobre el significado de la frontera visual y geográfica. El óleo y el tinte que han manchado el lienzo no son sólo una investigación de las propiedades de la pintura, sino una manifestación física de los ríos fronterizos.