Arte pop: Can't Buy My Love
"El buen negocio es el mejor arte". - Andy Warhol
OBRA DE ARTE
"Estoy a favor del arte de la ropa interior y del arte de los taxis. Estoy a favor del arte de los cucuruchos de helado caídos sobre hormigón". - Claes Oldenburg
ACERCA DE
"Pop Art: Can't Buy My Love" examina el Pop Art y su relación con el comercio a lo largo de más de cuatro décadas. Desde sus orígenes en la década de 1960 hasta su influencia en el arte contemporáneo, la exposición recorre los orígenes y la evolución del movimiento a través de artistas clave como Andy Warhol, Keith Haring, James Rosenquist, Mel Ramos y Claes Oldenburg, entre otros.
¡VAS A SER POPULAR!
El Pop Art surgió en las décadas posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Inmediatamente después, el expresionismo abstracto se convirtió en el estilo dominante (véase nuestra exposición Expresionismo Abstracto: Trascender lo radical), pero con la guerra desvaneciéndose en el retrovisor, los artistas empezaron a cuestionar la supremacía del Expresionismo Abstracto y la homogeneizadora cultura de consumo de Estados Unidos. Aunque el arte pop surgió en el Reino Unido, fue el marketing y el comercialismo masivos de Estados Unidos los que proporcionaron un terreno fértil a los artistas pop.
Mientras los artistas de otros movimientos canalizaban su angustia y sus emociones, los artistas pop tomaban la superficie brillante del consumo y la conformidad para reflejarla de nuevo en un público desprevenido.
Algunos artistas crearon una fría ironía en sus obras, como Roy Lichtenstein apropiándose del arte del cómic. La fuerza de su obra residía en la tensión entre el "bajo" y el "alto" arte. Otros, como Claes Oldenburg, utilizaron el humor para analizar la propagación de las imágenes y la producción en masa.
No todos los artistas pop utilizaron una ironía distanciada. Jim Dine recurrió a su propia experiencia personal y a su identidad judía. En particular, Dine recurrió a los recuerdos de su infancia en la ferretería de su abuelo. Las obras de la exposición aluden sutilmente a estos recuerdos con el uso de la plomada.
Para James Rosenquist, el Pop Art también podía ser un vehículo para honrar y llorar a un amigo íntimo. La pintura de la exposición empleaba objetos cotidianos para tocar temas de la vida, la muerte y la amistad.
Sin embargo, artistas como LeRoy Neiman crearon el Pop Art en siluetas brillantes y hermosas, celebrando el color de la vida en todas sus formas. Neiman solía dibujar sobre figuras y acontecimientos deportivos. Durante su vida, Neiman fue uno de los artistas más populares, lo que llevó a Warhol a bromear: "Quiero tener éxito como Neiman". Warhol veía en Neiman a un artista que podía aprovechar los gustos populares para convertirse en un superventas financiero. Warhol incluso esperaba que sus fotografías y pinturas de Muhammad Ali tuvieran tanto éxito como el cuadro de Neiman de la leyenda del boxeo, de dos metros de altura. La falta de ironía o seriedad puede resultar chocante en el mundo actual, pero el luminoso mundo que creó con sus cuadros nos llena de un optimismo que el Pop Art a menudo escudriñaba.
UNA DÉCADA DECADENTE
Aunque el apogeo del Pop Art se produjo en los años sesenta y setenta, fue en los ochenta cuando el movimiento encontró una nueva expresión. Esa década estuvo marcada por el capitalismo desenfrenado, mejor reconocido en una cita de la película Wall Street: "La codicia, a falta de una palabra mejor, es buena".
Para artistas como Warhol, era una oportunidad de aprovechar cualquier ocasión para explorar las profundidades del libre mercado y el comercialismo. La exposición muestra la diversidad de la visión de Warhol a través de sus Polaroids, serigrafías e incluso un dibujo. Todo estaba a la venta y Warhol se aseguró de hacérnoslo saber.
Sin embargo, los 80 no fueron todo glamour y ostentación, y no todos los artistas retrataron los excesos de la época. La epidemia de sida diezmó comunidades y vidas; artistas como Masami Teraoka retrataron las emociones y preocupaciones a través del arte. Teraoka se inspira en las xilografías japonesas Ukiyo-e. La naturaleza epigónica de los grabados se alinea con la fascinación del Pop Art por la producción y el consumo masivos.
Mezclando el estilo japonés con los iconos estadounidenses, Teraoka encontró la intersección entre el humor y el comentario social incisivo. La década de los 80 en Estados Unidos también estuvo cargada de una supuesta oleada de "peligro amarillo", sobre todo procedente de Japón. El arte de Teraoka de los años 80, que abordaba el estigma del sida y la estratificación de las identidades culturales, tocaba temas delicados con gracia e ingenio.
Vea más sobre el arte y los artistas de los 80 en nuestra exposición Era aceptable en los 80.
TODO DEBE DESAPARECER
¿Lo quieres? ¡Es tuyo! Ese fue un sentimiento que muchos artistas Pop exploraron y a menudo explotaron. Volviendo a Warhol, vemos artefactos de los objetos que cautivaron su imaginación: una caja de caramelos, zapatos e incluso la muñeca Cabbage Patch, que provoca estampidas. ¿Qué otro artista podría encarnar mejor el espíritu de la cultura pop y el consumismo estadounidenses que una muñeca Cabbage Patch fotografiada por Warhol? Incluso el dibujo de Warhol de un coche Ford (una referencia a sus comienzos como artista comercial) refleja la fascinación del país por el comercio minorista y el marketing.
En las antípodas del enfoque de Warhol sobre el glamour, Keith Haring aportó una visión del Pop Art derivada de las calles y abierta a cualquiera. Puede que Warhol tuviera una visión igualitaria, aunque distante, del consumismo en Estados Unidos, pero fue Haring quien puso en práctica ideas equitativas. Quizá uno de sus mejores ejemplos fue la Pop Shop. Como observó Haring:
Esta es la filosofía de la Pop Shop: Quería continuar con el mismo tipo de comunicación que con los dibujos del metro. Quería atraer al mismo amplio abanico de gente, y quería que fuera un lugar al que, sí, pudieran acudir no sólo coleccionistas, sino también chavales del Bronx. Lo principal era que no queríamos producir cosas que abarataran el arte. En otras palabras, seguía siendo una declaración de arte.
Tal era el poder de Haring y su filosofía que incluso Warhol se convirtió en su amigo íntimo y apoyó Pop Shop.
Si Warhol reflexionó sobre el consumo y Haring creó una distribución equitativa con sus obras, Mel Ramos convirtió el subtexto en texto con sus pinturas. Ramos emparejó desnudos sensuales con iconos comerciales populares, recontextualizando el papel de la publicidad y el deseo en América. La proliferación de la publicidad con los desnudos crea un entorno de opulencia óptica en el que el espectador se deleita con fantasías visuales y sabrosas.
Los artistas pop contextualizaron y se enfrentaron al consumo encontrando características tanto desiguales como democratizadoras en los valores superficiales del mercantilismo estadounidense. El consumo masivo y el marketing asociado a él tienen un efecto igualador pero aplanador. Warhol observó con frialdad: "Una Coca-Cola es una Coca-Cola y no hay dinero que pueda conseguirte una Coca-Cola mejor que la que bebe el vagabundo de la esquina. Todas las cocas son iguales y todas son buenas. Liz Taylor lo sabe, el Presidente lo sabe, el vagabundo lo sabe y tú lo sabes".
"Me da mucha pena la gente que piensa que cosas como las jaboneras, los espejos o las botellas de Coca-Cola son feas, porque están rodeados de cosas así todo el día y eso debe de hacerles desgraciados". - Robert Rauschenberg
