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Opulencia sutil

8 de septiembre de 2021 - 31 de agosto de 2022
Palm Desert

acerca de

¿Es el minimalismo sólo una crudeza? ¿Un distanciamiento frío? ¿O pueden las obras minimalistas estar llenas de vitalidad, dinamismo y lujo? Esta exposición en línea se nutre de la amplia colección de Heather James Fine Art para demostrar el vigor y la fastuosidad que envuelven a estas obras. Aunque no todas están estrictamente relacionadas con los movimientos minimalistas o postminimalistas de las décadas de 1960 y 1970, estas obras están unidas por su enfoque en la forma, el color o la textura. El contradictorio título de la exposición revaloriza la austeridad y la apariencia, demostrando que estas piezas son meditaciones sobre la exuberancia de la materialidad o la profunda complejidad del significado que sustenta la obra. Al examinar las obras de la exposición, abriéndonos a ellas, podemos apreciar la suntuosidad de estas obras al revelarse.

El minimalismo surgió a principios de la década de 1960 a partir de los movimientos artísticos Color Field y Expresionismo Abstracto. Los artistas del Color Field manchaban los lienzos sin imprimación, dejando que la pintura se impregnara en el tejido, lo que proporcionaba bellos planos de color. Artistas del Expresionismo Abstracto como Barnett Newman y Ad Reinhardt llevaron la pintura al límite. "Galaxia" recoge los austeros lienzos de Newman que, sin embargo, son portadores de profundas emociones y misticismo. A través de una cuidadosa selección de colores, matices y composición, Newman presenta un impacto sensorial directo. Este enfoque ajeno al tema marcaría a los futuros artistas minimalistas y postminimalistas.

A menudo se ha citado a Newman como el artífice de la segunda oleada de pintores del campo de color y, con Newman en la exposición, podemos ver los hilos de la historia desde Newman hasta Jules Olitski y Kenneth Noland e incluso hasta los postminimalistas como Richard Tuttle.

Las famosas pinturas negras de Ad Reinhardt fueron la culminación de la pintura "definitiva". Lo que el cuadro requiere es una de las cualidades más raras: el tiempo. Si se mira más de cerca, el lienzo revela tonos profundos y ricos de morados, azules y verdes. Reinhardt nos lleva al borde de la abstracción absoluta y de la pureza producida a través de las tonalidades estratificadas.

¿Cómo podemos abordar a Barnett Newman junto a Ad Reinhardt? Ambos buscaban una pintura más allá de la pintura, es decir, más allá de movimientos americanos y europeos anteriores como el cubismo o el surrealismo. Sin embargo, ambos tenían una visión antagónica del otro. Al reunir estas obras, podemos ver tanto las similitudes como las diferencias de sus enfoques, una oportunidad poco frecuente.

El crítico de arte Clement Greenberg clasificó a Kenneth Noland como parte de la "Abstracción pospictórica". Inspirado por Helen Frankenthaler y Morris Louis, y trabajando junto a ellos, Noland utilizó formas geométricas simples -círculos concéntricos, rayas y chevrones- para desarrollar un lenguaje visual del color. Noland utilizaba estas formas no como símbolos o representaciones, sino como herramientas para estudiar el color. ¿Cómo se relaciona un color con otro? ¿Cómo cambia en diferentes disposiciones? ¿Cuál es la relación de la pintura con el lienzo, del espectador con la pintura? Al igual que Reinhardt, el espectador no se limita a mirar o entrar en el cuadro, sino que coexiste con él al ocupar el mismo espacio físico y conceptual. Cuanto más tiempo observe el espectador la obra, más podrá captar las sutilezas del color y la calidad de la pintura.

Las obras de Adolph Gottlieb están a caballo entre el dinamismo de la Action Painting (otra rama del expresionismo abstracto) y el Color Field. Otros artistas del Color Field que surgieron de Gottlieb y Newman son Paul Jenkins y Jules Olitski. Para saber más sobre estos artistas, vea nuestras exposiciones "Paul Jenkins: Colorear lo fenomenal" y "Modernismo judío: Parte 1".

Estas investigaciones sobre el color y la calidad de la pintura no se limitaron a Estados Unidos. Al mismo tiempo, en Japón, Sadamasa Motonaga, miembro de la Asociación de Arte Gutai, vertía pintura sobre el lienzo; disfrutaba del movimiento fluido de la pintura y de los colores que se mezclaban. A pesar de la simplicidad de la superficie, la mezcla y la calidad fluida de las pinturas producen una obra de alegría y energía, un examen de la calidad de los propios materiales más allá de la representación visual. Las obras de la exposición demuestran la amplitud con la que Motonaga podía manipular la pintura y las diversas posibilidades que ésta puede producir.

Agnes Martin, una de las artistas más herméticas de la exposición, se erige como una de las artistas estadounidenses más importantes e influyentes. Martin comenzó su carrera en Nueva York, pero su traslado a Nuevo México alteró su enfoque. El entorno del desierto y el efecto de la luz impregnaron sus lienzos. Sus cuadros son estudios resistentes de las complejidades. Son a la vez meditaciones silenciosas de línea y color, exámenes opacos de la vida y la naturaleza, y tótems de una visión artística singular. En esta obra, Martin diluyó su pintura acrílica para que se mezclara con el gesso de su lienzo, de modo que los colores absorbieran y reflejaran la luz en igual medida. Su restrictiva paleta de colores no es tanto el color como el efecto de la luz. Este cuadro y la obra de Martin son un nodo que conecta el minimalismo y la escuela del campo de color del expresionismo abstracto. El espectador, al observar el cuadro, entra en una conversación con la obra, con Martin y con el entorno.

En todas las obras de la exposición, el artista persigue, transforma o cuestiona la austeridad para desarrollar obras de intenso y espléndido significado. Estos cuadros y artistas no mantienen al público al margen, sino que invitan a la contemplación y la meditación prolongadas. La materialidad de la pintura se exalta, y la simple geometría se convierte en una celebración. Estos cuadros son ricos en concepto y significado. La opulencia va más allá de la abundancia material y se convierte en abundancia emocional, filosófica y poética.

Arte