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Arte para todos los coleccionistas

PUBLICADO EN: Catálogos

Arte

<div><font face=Lato size=3>Andy Warhol’s<em> Campbell’s Soup I: Vegetable Soup </em>(1968) is part of his first screenprint portfolio dedicated to the iconic soup cans, produced in an edition of 250 with additional artist’s proofs. This impression, numbered 198/250, translates one of Warhol’s most famous painted subjects into the medium that would define his career.</font></div><br><br><div><font face=Lato size=3> </font></div><br><br><div><font face=Lato size=3>The speed with which the art world embraced Warhol was remarkable: in July 1962, his thirty-two<em> Campbell’s Soup Cans</em> paintings debuted at the Ferus Gallery in Los Angeles, quickly cementing his reputation. Those early canvases, among his last hand-painted works, appeared almost mechanically produced, but Warhol soon abandoned the brush in favor of silkscreen, a commercial process that allowed for both endless repetition and striking variations of his chosen subjects.</font></div><br><br><div><font face=Lato size=3> </font></div><br><br><div><font face=Lato size=3><em>Vegetable Soup</em> was one of the original thirty-two varieties and remains a pop culture phenomenon, continually reappearing on everything from plates and mugs to t-shirts, neckties, and even surfboards. Warhol’s transformation of an everyday supermarket staple into an enduring icon underscores his genius for elevating the ordinary into the realm of high art. With its crisp outlines and industrial precision, <em>Vegetable Soup </em>embodies the artist’s most radical contribution: the merging of consumer culture with fine art.</font></div>

Sopa Campbell's I: Sopa de Verduras

serigrafía sobre papel

Richard Diebenkorn explicó en una ocasión: "Todos los cuadros parten de un estado de ánimo, de una relación con cosas o personas, de una impresión visual completa". Conocido por su papel definitorio en el movimiento de arte figurativo de la zona de la bahía, una contraposición a la abstracción que dominaba la ciudad de Nueva York en la posguerra, Diebenkorn oscilaba a menudo entre la figuración y la abstracción. En 1952, aceptó un puesto de profesor en la Universidad de Illinois en Urbana durante un año académico. Allí enseñó a los estudiantes de arquitectura a empezar a dibujar y utilizó una de las habitaciones de su casa como estudio. Este periodo de 1952-53, conocido como la serie de Urbana, fue un momento productivo y crucial en el desarrollo del estilo de Diebenkorn. Su innovadora exploración de la figuración a través de la abstracción comenzó en estos primeros años cruciales y llegaría a su plena realización en su ampliamente celebrada serie Ocean Park de finales de los años 60-80.

RICHARD DIEBENKORN

Sin título (Serie Urbana)

13 7/8 x 11 in.

tinta sobre papel

The essential and dramatic declaration “Let there be light” of Genesis is not so far removed from Mary Corse’s recollection of the moment in 1968 when the late afternoon sun electrified the reflective road markings of Malibu as she drove east. In an instant, the glowing asphalt markings provided the oracle she needed to realize she could ‘put light in the painting and not just make a picture of light’. Using the same glass microbeads utilized by road maintenance services, she layers and embeds the prismatic material in bands and geometric configurations creating nuanced glimmering abstract fields which shift as the viewer moves in relationship to the work. Move to one side and dimness brightens to light. Walk back and forth and you might feel a rippling effect from its shimmering, prismatic effects.<br><br>A photographic image of a Mary Corse microsphere painting is not only a dull representation, but it also misses the point – it is experience dependent art that requires participation to ‘be’. Of course, “Untitled” (1975) defies that one-point static perspective and instead, depends upon a real time, interactive art experience which heightens awareness of the body in space as the viewer experiences shifts of retinal stimulation, sensation and feeling. It is a rare bird. Unusually petite at two-foot square, its design, geometry and color belie her earlier revelation that led to a devotion to her usual reductive palette. Instead, it is a bold statement in sequined color, its center field bounded at the corners by a sparkling red stepped motif that separates it from its starry night sky corner spandrels. It may not include a star motif, but it has the glamour and presence that belongs along Hollywood’s Walk of Fame.

CÓRCULO MARÍA

acrílico y polvo de diamante sobre lienzo

Signed and titled verso<br>JR-33-76

acrílico sobre lienzo

Op Art evolved as an alternative trend in painting to the abstract expressionist movement of the 1950s. The genesis of the movement was in the 1960s, when artists such as Victor Vasarely, Bridget Riley, and Richard Anuszkiewicz embraced a more structured and geometric approach to their painting, often using visual tricks to create a sense of movement. While the artistic and spiritual predecessors to OP Art, such as Josef Albers (!888-1976), utilized a softer and more subdued approach, the Op Artists were using bold, large-scale works with variable dimensions to create their visual statement. <br><br>A student of Albers, Richard Anuszkiewicz, used enamel and acrylic paint on wood in such a way to create his uncompromising and exact compositions. A great sense of action can be felt in the present work, "Translumina". The sister piece to "Translumina," "Translumina II" (1986), is in the permanent collection of the Albright-Knox Art Gallery, Buffalo.

RICHARD ANUSZKIEWICZ

acrílico sobre madera

El conjunto de cuatro hologramas de cristal de Chuck Close representa una fascinante intersección de su permanente exploración del autorretrato y su interés por los medios artísticos innovadores. El autorretrato ha sido una piedra angular en la obra de Close, que le ha permitido profundizar en los entresijos de la identidad humana y el proceso de creación artística. Los hologramas cambian con la posición del espectador y crean una experiencia dinámica, como las obras pixeladas de Close, pero con una presencia física añadida. Holography demuestra el compromiso del artista con la evolución de su lenguaje artístico, combinando hábilmente el retrato tradicional con los avances tecnológicos modernos para desafiar y redefinir continuamente los límites de la representación visual.

CIERRE DE CHUCK

14 x 11 in. ea.

conjunto de 4 hologramas de vidrio

Karl Benjamin y sus colegas Lorser Feitelson, Frederick Hammersley y John McLaughlin ocupan un lugar destacado en la historia del arte abstracto estadounidense. Conocidos por sus formas geométricas precisas y sus bordes limpios que enfatizan la planitud, son los pintores californianos del Hard-edge que surgieron a finales de la década de 1950. A diferencia de Ellsworth Kelly, por ejemplo, su obra refleja un brillo, una claridad y una paleta que sugieren el entorno natural y construido de California en lugar de las influencias más urbanas e industriales que se perciben en la Costa Este. Además, en comparación con la competitiva escena artística de la Costa Este, el grupo californiano era una comunidad de artistas relativamente pequeña y muy unida, con un sentido de la colaboración y la exploración compartida que contribuyó a crear un movimiento cohesionado con una identidad propia.

óleo sobre lienzo

EDGAR ALWIN PAYNE - Barcos venecianos en Sotto Marino - óleo sobre lienzo - 23 3/8 x 26 1/4 in.

EDGAR ALWIN PAYNE

Barcos venecianos en Sotto Marino

23 3/8 x 26 1/4 pulg.

óleo sobre lienzo

FIONA RAE - Sin título (amarillo, rojo + marrón) - óleo sobre lienzo - 72 x 78 pulg.

Sin título (amarillo, rojo + marrón)

óleo sobre lienzo

<div>Untitled, a large-scale diptych by Ed Moses, created with acrylic on canvas, showcases his experimental flair and abstract mastery. Measuring 84 x 126 inches, the work comprises two panels that together form a vibrant, chaotic composition. Both panels feature deep green backgrounds adorned with dynamic swirls, circular motifs, and jagged patches of mottled white and black, creating a textured, almost graffiti-like effect. The interplay of overlapping shapes and spontaneous brushwork invites viewers into a layered visual journey. </div><br><br><div> </div><br><br><div>Moses, a pioneering artist among the first generation showcased at L.A.’s legendary Ferus Gallery in 1957, brings a rich legacy to this early 2000s piece. His innovative use of acrylic allows for a tactile surface that blends controlled chaos with expressive freedom, and the large scale of the diptych envelops the viewer with this carefully-balanced visual energy. This work exemplifies his boundary-pushing aesthetic, and stands as a powerful testament to Moses’ contribution to contemporary art. </div>

Nambo Panel I & II

acrílico sobre lienzo

JOANNA POUSETTE-DART - Sin título (Estudio sobre el desierto rojo) - acrílico sobre panel de madera - 33 1/2 x 42 x 3/4 in.

JOANNA POUSETTE-DART

Sin título (Estudio sobre el desierto rojo)

33 1/2 x 42 x 3/4 in.

acrílico sobre panel de madera

ARNE HIERSOUX - Mem Sahib - acrílico y papel sobre lienzo - 70 1/2 x 120 1/2 in.

70 1/2 x 120 1/2 pulg.

acrílico y papel sobre lienzo

Desde finales de la década de 1950 hasta mediados de la de 1960, las primeras contribuciones de Ray Parker a la pintura Color Field destacan por su calidad vibrante y fresca. Parker disponía dos o más bloques de color robustos y de bordes rugosos utilizando una técnica vigorosa y con pinceladas sobre grandes lienzos preparados con gesso. Estos bloques, realizados con colores saturados pero sutilmente vibrantes, muestran una energía inconfundible. Aunque las composiciones de Parker pueden recordar a las de Rothko, la forma en que se aplica el color -sólida y enérgica- las diferencia. Manteniendo la gran escala y el dinamismo de la Escuela de Nueva York, la obra de Parker diverge al renunciar a la intensidad emocional asociada a menudo con el Expresionismo Abstracto y adopta una visión del movimiento desprovista de su típico patetismo.

30 1/8 x 23 1/4 pulg.

óleo sobre lienzo

OLAF WIEGHORST - Apaches - óleo sobre lienzo - 20 x 24 in.

óleo sobre lienzo

Nacido en 1944, Thomas Nozkowski creó pequeñas pinturas de gran riqueza cromática que reflejan las influencias dicotómicas de los expresionistas abstractos y los refugiados de la Bauhaus con los que estudió en la Cooper Union. Utilizando un pincel pequeño, su manejo incluye el raspado y el frotamiento de la pintura en formas que se registran en la obra terminada. Desarrolló un vocabulario distintivo y de gran alcance, empleando formas geométricas de tipo biomórfico en variadas combinaciones de colores y una amplia gama de asociaciones: suelos de baldosas, grupos de células, arquitectura y espacio exterior. A menudo, se destilan de sus propios recuerdos y experiencias. Nozkowski comentó este cuadro en concreto (Sin título, 1994) diciendo que refleja su fascinación por las escenas mitológicas pintadas en los paneles de las arcas de cassones del Renacimiento. Dijo que era el mejor de los tres o cuatro paneles de 15" x 30" de esta serie. Nozkowski fue manejado durante muchos años por la Galería Pace. Murió en 2019.

THOMAS NOZKOWSKI

óleo sobre lienzo sobre tabla

FRANCISCO TOLEDO - Sin título - técnica mixta sobre papel - 8 x 10 1/4 in.

FRANCISCO TOLEDO

8 x 10 1/4 pulg.

técnica mixta sobre papel

MARILYN MINTER - After Hours - impresión cromogénica - 85 1/2 x 55 3/4 pulg.

Fuera de horario

85 1/2 x 55 3/4 pulg.

impresión cromogénica

HENRY MOORE - Cabezas de Emperadores - bronce con pátina marrón - 6 3/4 x 8 1/4 x 4 1/2 in.

Cabezas de emperadores

6 3/4 x 8 1/4 x 4 1/2 in.

bronce patinado marrón

CHUCK CLOSE - Kate - impresión en pigmento de archivo - 32 x 24 in.

CIERRE DE CHUCK

impresión de pigmentos de archivo

MEL RAMOS - Lola Cola; A.C. Annie; Della Monty; Tobacco Red - cuatro litografías offset en color - 30 3/4 x 25 1/4 pulg. c/u.

Lola Cola; A.C. Annie; Della Monty; Tobacco Red

30 3/4 x 25 1/4 pulg. c/u.

cuatro litografías offset en color

LEROY NEIMAN - Jinete Ecuestre - técnica mixta sobre papel - 22 x 28 in.

Jinete ecuestre

técnica mixta sobre papel

KENNETH NOLAND - Vientos 82-23 - monotipo pintado sobre papel hecho a mano - 86 1/2 x 31 3/8 in.

86 1/2 x 31 3/8 pulg.

monotipo pintado sobre papel hecho a mano

Escena de una procesión real en un templo medieval de la India. El jinete central lleva un casco adornado, o corona, indicativo de su estatus real. Le acompañan a ambos lados dos compañeros, que se giran hacia él en señal de deferencia. En el friso, detrás de los jinetes, un grupo de seguidores observa la procesión. El escultor ha transmitido una sensación de profundidad al situar a los seguidores en un saliente detrás de las figuras principales y al reducir la escala de estas figuras secundarias. Aunque esta técnica carece de la sofisticación de, por ejemplo, los frisos grecorromanos clásicos, el artista consigue una sensación de profundidad y perspectiva, al tiempo que proporciona espacio para representar los caballos y las figuras centrales de forma voluminosa. Además, el escultor muestra una habilidad especial en el trabajo de detalle de las sillas de montar y los arneses de los caballos, así como en las botas y las polainas de los jinetes.

Procesión con caballos

Anchura: 23 pulg.

CHINO - Sancai-Oficial - cerámica vidriada - Altura: 34 in.

Sancai-Glazed Oficial

La dinastía Tang (618-907 d.C.)

Altura: 34 pulg.

cerámica vidriada

JAPONÉS - Bordado de perro y carro - bordado en hilo de seda y oro - 88 1/2 x 48 1/2 pulg.

Bordado de perro y carro

88 1/2 x 48 1/2 pulg.

bordado en hilo de seda y oro

JAPONÉS - Byobu japonés de 6 paneles - papel y madera - 67 1/2 x 146 pulg.

Byobu japonés de 6 paneles

Periodo Meiji/Taisho: principios del siglo XX

67 1/2 x 146 pulg.

JACK ROTH - Sin título - acrílico sobre lienzo - 18 x 30 1/8 pulg.

18 x 30 1/8 pulg.

acrílico sobre lienzo

LAWRENCE SCHILLER - Barbra Streisand (sombrero de piel) - fotografía vintage en gelatina de plata - 11 x 14 pulg.

LAWRENCE SCHILLER

Barbra Streisand (sombrero de piel)

fotografía antigua de gelatina de plata

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