Né en 1885, l'arc de la carrière de Milton Avery a été synchronisé avec l'exposition la plus importante organisée en Amérique - l'Armory show de 1913. Cet événement a ébranlé la complaisance des Américains avec une force choquante. Il a également jeté les bases d'une révolution artistique dont pouvait émerger un artiste tel qu'Avery. Avery a souvent été décrit comme le Matisse de l'Amérique, mais il est plus approprié de le considérer comme un franc-tireur qui comprenait sa nature profonde et avait une vision précise ainsi qu'une détermination surnaturelle dont il ne s'est jamais départi. Artiste américain par excellence, son indépendance d'esprit s'est manifestée dans son art et selon ses propres termes : de grandes formes, aucune importance accordée à l'ombre et à la lumière ou au modelage lourd, des formes aplaties, simplifiées et imbriquées, des couleurs et des relations de couleurs non associées.
Dans les années qui ont précédé l'arrivée d'un groupe de jeunes artistes qui l'ont suivi avec une attention soutenue, Avery était seul. Comme pour illustrer ce point, sa femme Sally a rappelé avec humour qu'"il a commencé à faire beaucoup de croquis de moi et il a fait cette grande figure - une figure assise. Et l'homme qui prêtait son studio à Milton... est entré et a dit, "Milton ! Tu deviens paresseux. Tu n'as pas fini ce tableau !" Et Milton a dit, "Mais je l'ai fini." C'est son, vous savez, je veux dire, "de mon point de vue c'est fini." (Entretien avec Sally Michel Avery, 3 novembre 1967, Archives of American Art, Smithsonian Institution)
Woman in Blue a été peint pendant les années difficiles de la Dépression, lorsque même le coût d'un seul tube de peinture était un fardeau. Avery affirmait en plaisantant qu'il pouvait faire durer un tube de peinture plus longtemps que quiconque. C'était probablement vrai. Quoi qu'il en soit, sa réponse à cette circonstance s'est avérée fortuite et a contribué à l'un des aspects les plus saillants de son génie en tant que peintre pur - sa capacité inégalée à obtenir des couleurs éclatantes grâce à des lavis habilement brossés. Peinte à la fin des années 1930, Woman in Blue est une œuvre qui se délecte d'une tonalité plus riche que celle que de nombreux amateurs de l'œuvre d'Avery ont l'habitude de voir. Pourtant, elle démontre amplement la transparence lumineuse dont il était capable, ce qui est évident ici dans le pinceau bleu-saphir profond qui enveloppe la totalité de la figure vêtue. Mais Avery est également capable de démontrer les effets de l'utilisation des relations d'opacité relative pour un grand effet. Notez, par exemple ici, comment l'élément floral opaque généreusement appliqué " saute " et attire l'œil sur la cigarette blanche froissée, et vers le bas le long de l'avant-bras jusqu'à ses doigts reposant sur le bras de la chaise. Il est indéniable qu'Avery a ressenti un lien sincère avec Matisse lorsqu'il a visité l'exposition personnelle du maître français au Museum of Modern Art en 1931. Mais c'est sa compréhension profonde et sophistiquée de la couleur à travers le proverbe bien connu "la nécessité est la mère de l'invention" et sa veine d'humour optimiste et distincte qui distingue Avery de tous les autres.
L'impact de ses couleurs vives et de ses formes simplifiées sur les jeunes artistes n'était pas seulement important, il a beaucoup à voir avec la façon dont nous voyons ces artistes aujourd'hui. Comme l'a raconté Mark Rothko, "Je ne peux pas vous dire ce que cela signifiait pour nous, durant ces premières années, d'être accueillis dans ces studios mémorables de Broadway, de la 72e rue et de l'avenue Columbus. Nous étions là, à la fois comme sujets de ses tableaux et comme public idolâtre." Rothko serait-il Rothko sans Avery ? Probablement pas. Mais peut-être suffit-il de les déclarer tous les deux les plus grands coloristes du vingtième siècle.
En fin de compte, l'éloge poignant de Rothko, prononcé peu après la mort d'Avery au début du mois de janvier 1965, a mis en évidence ce qui rendait ses peintures si spéciales : "Avery est d'abord un grand poète. Sa poésie est la poésie de la pure beauté, de la pure beauté. Grâce à lui, ce genre de poésie a pu survivre à notre époque. Cela a demandé un grand courage à une génération qui pensait qu'elle ne pouvait être entendue que par la clameur, la force et la démonstration de puissance. Mais Avery avait cette force intérieure dans laquelle la douceur et le silence s'avéraient plus audibles et poignants." (Mark Rothko, Essai commémoratif prononcé à la New York Society for Ethical Culture, le 7 janvier 1965, réimprimé dans Adelyn D. Breeskin, Milton Avery, 1969).
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