Andy Warhol : le glamour à fleur de peau
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Heather James est fière d'exposer une sélection d'œuvres d'Andy Warhol datant des années 1960 à 1980, alors que l'Amérique atteignait un nouveau sommet de glamour et de consommation. Artiste pop prééminent, Warhol était connu aussi bien pour ses portraits que pour ses produits de consommation. L'exposition plonge dans l'univers irrévérencieux de Warhol pour décortiquer les couches de sens qui ont créé sa vision de la société américaine. Chaque œuvre séduit par sa belle allure tout en étant un commentaire profond sur la célébrité, le capitalisme, la mort, la culture, la société et la politique.
L'exposition se concentre sur les sérigraphies qui ont le plus contribué à consolider la position de Warhol comme l'un des artistes américains les plus importants du Pop Art. Avant de devenir artiste, Warhol a travaillé comme graphiste à succès. Cette expérience a aidé Warhol à créer des œuvres qui commentent la consommation de masse par le biais de la production de masse. En fait, sa façon de créer les œuvres reflétait la production de masse, en produisant des œuvres en série. Appelée The Factory, elle était également un lieu de rassemblement pour un mélange de personnes - célébrités, intellectuels, mécènes - tous ceux qui voulaient voir et être vus.
Les sérigraphies couvrent trois décennies de la carrière de Warhol, depuis ses boîtes de soupe Campbell des années 1960 jusqu'à ses séries les plus prolifiques des années 1980, en passant par les célébrités des années 1970. À l'époque de leur production, ces sérigraphies étaient un moyen abordable pour les gens de posséder des œuvres d'art. Les estampes, qu'il s'agisse d'un Duhrer des années 1500, d'un Hogarth des années 1700 ou même d'une œuvre contemporaine, étaient un moyen de produire des œuvres pour le commun des mortels et de les diffuser plus facilement. Warhol pousse ce principe à son paroxysme en créant des œuvres qui sont à la fois jetables et durables, reflétant la nature jetable des articles de consommation et de la culture de consommation de l'époque.
Pourtant, il y a toujours un sentiment d'ironie. Malgré la nature apparemment industrielle des sérigraphies, elles ont nécessité beaucoup de travail. Warhol choisissait l'image, son recadrage et les couleurs, tandis que ses assistants devaient ensuite créer les écrans pour les impressions et l'exécution de ces dernières. Bien qu'il s'agisse d'un moyen facile de produire et de reproduire, il y a toujours un coût caché. Les boîtes de soupe sont peut-être l'exemple le plus archétypique de l'ironie de Warhol. Un simple produit de base du garde-manger devient un objet d'art ; un article qui nourrit le corps se transforme en un article qui nourrit l'esprit.
Mais cette ironie peut devenir sombre. Pour quelqu'un de si associé à l'éclat de la vie urbaine et de la culture, les animaux et la nature étaient importants pour Warhol. Enfant, Warhol dessinait des animaux dans son cours de sciences et il trouvait son inspiration dans les parcs et les conservatoires, tandis que les fleurs apparaissent à de nombreuses reprises dans l'œuvre de Warhol. Commandée dans les années 1980 par Ronald et Frayda Feldman à la suite de conversations avec l'artiste sur des questions écologiques, cette série représente des animaux en voie d'extinction. On retrouve dans cette série une tension entre l'art, le commerce et la nature. Ces animaux ont failli disparaître à cause de l'homme, mais dans une rare manifestation d'espoir, beaucoup d'entre eux se sont reconstitués.
L'exposition présente ses "Shoes with Diamond Dust", des chaussures avec de la poussière de diamant, dans la lignée des observations de Warhol sur l'Amérique et la consommation. Les chaussures peuvent symboliser à la fois le luxe, le glamour, la sensualité et la frivolité. Pensez à la pantoufle de verre de Cendrillon ou à la Manolo Blahnik de Carrie dans Sex and the City ou même à la vidéo virale "Shoes" de Liam Kyle Sullivan. Les chaussures occupent une place centrale dans la consommation et sont donc susceptibles de porter le poids de diverses significations. La couche de poussière de diamant ajoutée dans ces œuvres souligne toutes ces qualités, mais l'œil de Warhol jette une ombre équivoque. Nous sommes amenés à nous demander comment nous devons interpréter ces œuvres. Pour en savoir plus sur ces chaussures, visitez notre exposition virtuelle "Andy Warhol Polaroids" qui contient les photographies que Warhol utilisait souvent comme base pour ses œuvres, y compris un ensemble de chaussures.
Si les chaussures représentent l'aspect le plus léger des recherches subtiles de Warhol, les chaises électriques représentent Warhol dans son aspect le plus pointu. Comme il l'a souvent fait tout au long de sa carrière, Warhol s'est tourné vers le sujet de la chaise électrique, d'abord sous la forme de peintures en 1964, puis d'une série de gravures en 1971. Faisant partie de sa série "Death and Disaster" (Mort et désastre), qui comprend des accidents de voiture et des boîtes de conserve contaminées, la chaise électrique est un acte artistique de haute voltige. D'une part, les œuvres sont une confiserie de couleurs qui séduit le spectateur par une surface esthétiquement plaisante. D'autre part, la suite dépeint une méthode de peine capitale. Warhol s'est inspiré d'une photographie de presse de la chambre mortuaire de la prison de Sing Sing en 1953 - l'année, le lieu et même la chaise où Julius et Ethel Rosenberg ont été exécutés pour espionnage. Warhol semble suggérer une fascination particulièrement américaine, voire une obsession malaisée. Les couleurs vives mais non naturelles et les sujets abordés inquiètent le spectateur, faisant de nous à la fois des observateurs extérieurs et des participants complices.
Ce n'est pas seulement le sujet qui a fait de Warhol un artiste pionnier, mais aussi son processus. Comme le montre la suite Electric Chair, Warhol s'inspirait souvent d'images de presse, bouleversant la capacité des médias à informer pour révéler le courant sous-jacent du voyeurisme et du sensationnalisme. Nous sommes amenés à nous demander non seulement comment nous consommons des choses comme une boîte de soupe, mais aussi comment nous consommons et comprenons les médias visuels, même quelque chose d'aussi inoffensif qu'une image d'actualité.
"L'Ombre (des mythes)" est à la fois un autoportrait franc et un portrait métaphorique. S'imaginant comme le combattant du crime à la radio des années 1930, Warhol se confronte à la mythification du passé de l'Amérique. La gloire et l'ombre se mêlent dans une danse incertaine.
Lorsqu'on regarde Warhol, on oublie ou on sous-estime l'importance du portrait. Il s'est un jour décrit comme "un simple peintre ambulant de la société". D'une part, Warhol fait référence à la longue tradition d'artistes qui parcouraient les États-Unis pour réaliser rapidement des portraits pour des mécènes. D'autre part, Warhol s'associe avec insolence aux grands portraitistes mondains tels que Joshua Reynolds, Thomas Lawrence et John Singer Sargent. L'exposition aborde cet aspect avec l'inclusion de portraits de Muhammed Ali et de Mick Jagger. Jagger était un ami de Warhol, et ils ont collaboré à de nombreuses reprises au cours de leurs carrières. Dans les deux suites, Warhol capte la célébrité et le symbolisme des deux hommes. S'écartant des œuvres précédentes, il a incorporé des formes géométriques colorées, donnant plus de profondeur et d'expression. Ces pièces sont basées sur des polaroïds que Warhol a pris. Les polaroïds ont joué un rôle important dans le processus artistique de Warhol et dans sa vie. Apprenez-en plus dans notre exposition "Andy Warhol Polaroids : Wicked Wonders".
Les deux dernières œuvres de l'exposition forment un duo intéressant qui examine la politique et la propagande, la création d'images et l'idéologie. En réunissant des sérigraphies de Nixon et de Mao, l'exposition distille le processus de Warhol et les idées qui sont à la base de toute son œuvre. Nixon et Mao ne représentent pas seulement deux superpuissances internationales, mais aussi la manière dont chacun d'eux a façonné, ou non, son image. On pense à l'occasion mémorable de la visite du président Nixon en Chine, qui a permis d'apaiser les relations entre les deux nations. Il s'agissait d'une manœuvre politique de premier ordre, la rencontre proprement dite ayant moins d'importance que les images créées et diffusées à l'occasion de cette visite.
En outre, l'image de Mao a été diffusée dans le monde entier, devenant moins l'image d'un homme que celle d'une icône littérale. Juxtaposé à cela, le portrait de Nixon, dans lequel Warhol modifie son visage pour en faire un visage troublant dans des tons de vert et de bleu. Les implications sont nombreuses, avec une signification subtile comme référence au débat présidentiel de 1960 entre Nixon et John F. Kennedy, le premier à être télévisé. Nixon était tristement célèbre pour son manque d'élégance. L'apparence et l'image ont soudainement pris une nouvelle importance en politique.
Glamour et saisissantes, ces œuvres sont ambiguës dans leur signification. C'est cette ambiguïté qui renforce leur attrait et nous rappelle que Warhol avait une vision plus pointue de la société américaine, avec laquelle nous sommes encore aux prises aujourd'hui. Comme l'a fait remarquer son ami Jagger en rendant hommage à Warhol à sa mort, "Ce qu'il semblait être capable de faire, c'était de capturer la société, quelle que soit la partie de celle-ci qu'il voulait dépeindre, de manière assez précise. C'est l'une des choses que font les artistes : montrer aux gens, plus tard, comment c'était."
"Une journée entière de vie est comme une journée entière de télévision. La télévision ne s'arrête jamais une fois qu'elle a commencé sa journée, et moi non plus. À la fin de la journée, la journée entière sera un film. Un film fait pour la télévision." - Andy Warhol
