Cette exposition exclusive en ligne explore le paysage américain en tant que genre sous différents angles, y compris les mouvements, les théories, le temps et le lieu - en s'inspirant des œuvres d'art disponibles dans nos cinq galeries. Le paysage de l'Amérique n'est pas seulement un tableau esthétique de l'extérieur, il devient une lentille à travers laquelle nous pouvons comprendre son identité géographique, culturelle, sociale et politique complexe. Le titre de l'exposition s'inspire du troisième mouvement de la Grand Pianola Music du compositeur américain John Adams. Faisant allusion à la géographie, Adams décrit sa pièce "avec sa mélodie voyante qui flotte en avant en agitant le drapeau" comme un "yawp Whitmanesque". Sa description résume également l'exposition. Son langage sonore est un complément parfait au spectacle et fournit une autre couche de compréhension du langage visuel construit par ces artistes disparates pour décrire l'Amérique.

Le sous-titre de l'exposition fait également référence à la variété des artistes qui ont abordé le genre, à la myriade de façons de voir et aux multiples facettes de la pierre précieuse qu'est l'Amérique. Ce n'est qu'en alignant l'Americana de Falter ou l'impressionnisme de John Joseph Enneking contre la question narrative de Kruger ou la matérialité de Rodney McMillian que l'on voit la complexité du paysage comme genre et de l'Amérique comme nation. L'exposition explore le fossé dans le sens d'un canyon géologique et dans la multiplicité de la compréhension et de la vision. La plage de l'océan est-elle un jour lointain agréable comme dans Mabel May Woodward's Beach Scene ou s'agit-il de la froideur glaciale du White River Bank de George Gardner Symons ? L'Amérique est-elle composée de terre et d'architecture dans le réalisme de Davis Cone ou est-ce le peuple et d'où il vient dans l'interprétation de Felandus Thames ? Il n'y a pas une seule bonne réponse, mais plutôt des réponses polyvalentes. En juxtaposant œuvres et artistes, l'exposition vise à capturer l'esprit de l'Amérique et nous invite à réfléchir plus profondément et plus ouvertement aux paysages et à la nation.

Voici les points saillants de l'exposition :

Spring Light, 1969, par John Philip Falter est un exemple pastoral de son travail qui a aidé à développer le langage visuel d'Americana. Comme Norman Rockwell, Falter a créé plus de 120 couvertures pour The Saturday Evening Post. Peint dans les turbulentes années 1960, ce tableau représente sa vision, dit-il, " de consigner ce qui est probablement le dernier de la grande tradition de l'agriculture ". Peint dans la même décennie est Barn Group Near Marion, 1960, par Marvin Cone qui présente une scène similaire à partir d'une perspective légèrement différente du régionalisme américain. Le tableau n'est pas tant un enregistrement exact qu'une évocation de l'interprétation du temps et de l'espace par Cone.

ME, 1972, de Robert Cottingham est tiré d'une série d'œuvres dans lesquelles Cottingham a isolé des parties de mots de signes de théâtre. Ce tableau est tiré du Cameo Theatre du South Broadway à Los Angeles. L'œuvre a été créée quelques années avant que le célèbre essai de Tom Wolfe, "The'Me' Decade", soit publié en couverture du New York Magazine le 23 août 1976. Fremont with Two Girls, 2006, par Davis Cone Traffics dans le même réalisme et le même sujet mais en retirant la portée visuelle, son travail est une exploration plus ambiguë du paysage et de la culture américaine.

Flag, 2002, par Rodney McMillian suggère une carte ou un paysage. McMillian décrit son travail comme une exploration de l'histoire de la lutte et du pouvoir latent dans la peinture de paysage. Que représente un drapeau ? Qui est propriétaire du terrain et à quel prix ? L'énormité des pièces crée une prise de conscience chez le spectateur de son propre corps par rapport à celui-ci. Le "post-consommation" du costume et des draps met encore plus l'accent sur le corps corporel, en particulier les corps noirs, ajoutant un sentiment de perte et d'appartenance. L'exploitation minière des questions similaires de l'identité noire et l'Amérique est Gamtoos River par Felandus Thames. Le fleuve auquel le titre fait référence est un fleuve d'Afrique du Sud, et en dépeignant les lèvres des Afro-Américains, Thames suggère un lien plus profond entre la géographie et l'identité ainsi qu'un réexamen des représentations des Afro-Américains dans l'histoire de l'art.

Luncheon, 1961, de Roland Petersen présente un mouvement et un style totalement différents des peintures contemporaines de Falter et Cone. L'empâtement épais et les couleurs vibrantes incitent à un plaisir délicieux qui enchante l'oeil. Dans la combinaison de peintures d'époques similaires, le spectateur est capable de voir la poussée et la traction de l'Amérique.

Printemps 1916 de William Wendt est un exemple réfléchi du style impressionniste de Wendt qui a capturé le paysage du sud de la Californie. Né en Allemagne et s'installant aux États-Unis, son histoire parle du pays comme d'une terre d'immigrants. Eugen Neuhaus, un autre artiste né en Allemagne et transplanté en Californie, a dit de Wendt qu'il "chante le printemps dans ses verts riches et plus souvent la joie de l'été en brun fauve typique, en termes généraux et décoratifs". Son ami et compatriote californien George Gardner Symons et sa White River Bank accompagnent le tableau, offrant un contraste saisonnier marqué et une approche différente de l'impressionnisme américain. Parmi les autres œuvres impressionnistes américaines de l'exposition figurent Milton Blue Hills de John Joseph Enneking et Rocky Pasture d'Edward Potthast. Beach Scene de Mabel May Woodward incarne son travail dans l'impressionnisme américain avec sa toile tachetée de soleil et de lumière et les scènes qu'elle aurait connues dans son État natal, le Rhode Island.

Photo/Readings, 1978, de Barbara Kruger juxtapose texte et image pour mettre l'accent sur la narration, la réalité et l'architecture. Les photos montrent des bâtiments en Floride et en Californie, mettant en évidence des détails qui passeraient normalement inaperçus. Kruger combine l'image avec des récits fictifs de passants et d'habitants, ce qui complique la connaissance reçue des histoires et des paysages. Kruger note : "L'image et la lecture ont été un indicateur précoce de mon intérêt pour les espaces extérieurs et intérieurs et de la façon dont ils nous forment autant que nous les formons".

McD's, 2003, de Brian Alfred est une peinture post-moderne qui présente un symbole de la culture pop américaine mais aussi un avertissement apparemment inquiétant. L'incendie est-il aussi un geste symbolique ou un moment malheureux qu'il a capturé dans la peinture ? Plus sublime dans sa coloration mais non moins floue, Border Theory (Rio Grande/Zona Desolada), 2014, de Tony de los Reyes. De los Reyes a utilisé le langage de l'abstraction et du champ des couleurs pour créer des méditations sur le sens de la frontière visuelle et géographique. L'huile et la teinture qui ont taché la toile ne sont pas seulement une étude des propriétés de la peinture, mais une manifestation physique des rivières frontalières.