Pop Art : Can't Buy My Love
"Les bonnes affaires sont le meilleur art." - Andy Warhol
ŒUVRE D'ART
"Je suis pour l'art des sous-vêtements et l'art des taxis. Je suis pour l'art des cônes de crème glacée déposés sur le béton." - Claes Oldenburg
ENVIRON
"Pop Art : Can't Buy My Love" examine le Pop Art et sa relation avec le commerce sur plus de quatre décennies. De ses origines dans les années 1960 à ses influences sur l'art contemporain, l'exposition retrace les origines et les développements du mouvement à travers des artistes clés comme Andy Warhol, Keith Haring, James Rosenquist, Mel Ramos, Claes Oldenburg et bien d'autres.
TU VAS ÊTRE POPULAIRE !
Le Pop Art est apparu dans les décennies qui ont suivi la Seconde Guerre mondiale. Dans l'immédiat, l'expressionnisme abstrait est devenu le style dominant (voir notre exposition Expressionnisme abstrait : Transcender le radical), mais la guerre s'estompant dans le rétroviseur, les artistes ont commencé à remettre en question la suprématie de l'Expressionnisme abstrait et la culture de consommation homogénéisante aux États-Unis. Bien que le Pop Art soit né au Royaume-Uni, c'est le marketing de masse et le mercantilisme des États-Unis qui ont fourni un terrain fertile aux artistes Pop.
Alors que les artistes d'autres mouvements canalisaient leurs angoisses et leurs émotions, les artistes pop s'emparaient de la surface brillante de la consommation et de la conformité pour la renvoyer à un public peu méfiant.
Certains artistes ont créé une ironie cool dans leurs œuvres, comme Roy Lichtenstein qui s'est approprié la bande dessinée. La puissance de son travail réside dans la tension entre l'art "bas" et "haut". D'autres, comme Claes Oldenburg, ont utilisé l'humour pour analyser la propagation des images et la production de masse.
Tous les artistes pop ne font pas preuve d'une ironie détachée. Jim Dine a exploité son expérience personnelle et son identité juive. Il s'est notamment appuyé sur les souvenirs de son enfance dans la quincaillerie de son grand-père. Les œuvres présentées dans l'exposition font subtilement allusion à ces souvenirs en utilisant le fil à plomb.
Pour James Rosenquist, le Pop Art pouvait également être un moyen d'honorer et de pleurer un ami proche. Les tableaux de l'exposition utilisent des objets du quotidien pour aborder les thèmes de la vie, de la mort et de l'amitié.
Cependant, des artistes comme LeRoy Neiman ont créé le Pop Art dans des silhouettes lumineuses et magnifiques, célébrant la couleur de la vie sous toutes ses formes. Neiman s'inspire souvent d'événements et de personnages sportifs. De son vivant, Neiman était l'un des artistes les plus populaires, ce qui a amené Warhol à dire : "Je veux avoir du succès comme Neiman." Warhol voyait en Neiman un artiste capable de puiser dans les goûts populaires pour devenir un best-seller financier. Warhol espérait même que ses photographies et peintures de Muhammad Ali seraient aussi réussies que le tableau de neuf pieds de haut de Neiman représentant la légende de la boxe. L'absence d'ironie ou de sérieux peut choquer dans le monde d'aujourd'hui, mais le monde lumineux qu'il a créé avec ses peintures nous remplit d'un optimisme que le Pop Art a souvent scruté.
UNE DÉCENNIE DÉCADENTE
Si le Pop Art a connu son heure de gloire dans les années 1960 et 1970, c'est dans les années 1980 que le mouvement a trouvé une nouvelle expression. Cette décennie a été marquée par un capitalisme effréné, comme le montre une citation du film Wall Street: "La cupidité, faute d'un meilleur mot, est bonne."
Pour des artistes comme Warhol, c'était l'occasion de profiter de toutes les opportunités pour explorer les profondeurs du marché libre et du mercantilisme. L'exposition présente la diversité de la vision de Warhol à travers ses polaroïds, ses sérigraphies et même un dessin. Tout était à vendre et Warhol n'a pas manqué de nous le faire savoir.
Cependant, les années 80 n'ont pas été que glamour et paillettes et tous les artistes n'ont pas dépeint les excès de l'époque. L'épidémie de sida a décimé des communautés et des vies ; des artistes comme Masami Teraoka ont dépeint les émotions et les préoccupations à travers l'art. Teraoka s'inspire des gravures sur bois japonaises Ukiyo-e. La nature épigonique de ces gravures s'aligne sur la fascination du Pop Art pour la production et la consommation de masse.
En mélangeant le style japonais et les icônes américaines, Teraoka a trouvé l'intersection entre l'humour et le commentaire social incisif. Les années 80 aux États-Unis étaient également marquées par une vague supposée de "péril jaune", en particulier en provenance du Japon. En examinant les stigmates du sida et en superposant les identités culturelles, l'art de Teraoka dans les années 80 a abordé des sujets sensibles avec grâce et esprit.
Pour en savoir plus sur l'art et les artistes des années 80, consultez notre exposition " C'était acceptable dans les années 80".
TOUT DOIT DISPARAÎTRE
Vous le voulez ? C'est à vous ! C'est un sentiment que de nombreux artistes pop ont exploré et souvent exploité. Pour en revenir à Warhol, nous voyons des artefacts des objets qui ont captivé son imagination - une boîte de bonbons, des chaussures, et même la poupée Cabbage Patch qui donne envie de faire un tour. Quel autre artiste pourrait mieux incarner l'esprit de la culture pop et du consumérisme américains qu'une poupée Cabbage Patch photographiée par Warhol ? Même le dessin de Warhol représentant une voiture Ford (une référence à ses débuts en tant qu'artiste commercial) reflète la fascination de la nation pour la vente au détail et le marketing.
À l'opposé de l'accent mis par Warhol sur le glamour, Keith Haring a proposé une vision du Pop Art issue de la rue et ouverte à tous. Warhol avait peut-être une vision égalitaire, quoique détachée, du consumérisme aux États-Unis, mais c'est Haring qui a mis en pratique des idées équitables. L'un de ses meilleurs exemples est peut-être le Pop Shop. Comme l'a observé Haring :
Voici la philosophie derrière le Pop Shop : Je voulais poursuivre ce même type de communication qu'avec les dessins du métro. Je voulais attirer le même éventail de personnes, et je voulais que ce soit un endroit où, oui, non seulement les collectionneurs pouvaient venir, mais aussi les enfants du Bronx. L'essentiel était que nous ne voulions pas produire des choses qui dévaloriseraient l'art. En d'autres termes, il s'agissait toujours d'une déclaration artistique.
Le pouvoir de Haring et de sa philosophie était tel que même Warhol est devenu un ami proche et a soutenu Pop Shop.
Si Warhol a renvoyé la consommation et Haring a créé une distribution équitable avec leurs œuvres, Mel Ramos a fait du sous-texte un texte avec ses peintures. Ramos associe des nus sensuels à des icônes commerciales populaires, recontextualisant le rôle de la publicité et du désir en Amérique. La prolifération de la publicité avec les nus crée un environnement d'opulence optique dans lequel le spectateur se délecte de fantasmes visuels et savoureux.
Les artistes pop ont contextualisé et confronté la consommation en trouvant des caractéristiques à la fois inégalitaires et démocratiques dans les valeurs de surface du mercantilisme américain. La consommation de masse et le marketing qui lui est associé ont un effet égalisateur mais aussi aplatissant. Warhol a noté froidement : "Un Coca est un Coca et aucune somme d'argent ne peut vous procurer un meilleur Coca que celui que boit le clochard du coin. Tous les Coca-Cola sont les mêmes et tous les Coca-Cola sont bons. Liz Taylor le sait, le Président le sait, le clochard le sait, et vous le savez."
"Je plains vraiment les gens qui pensent que des choses comme des porte-savons, des miroirs ou des bouteilles de Coca sont moches, parce qu'ils sont entourés de ce genre de choses toute la journée et que cela doit les rendre malheureux." - Robert Rauschenberg
