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Opulence subtile

8 septembre 2021 - 31 août 2022
Palm Desert, CA

environ

Le minimalisme est-il seulement de la sobriété ? Un détachement froid ? Ou les œuvres minimales peuvent-elles être remplies de vitalité, de dynamisme et de luxe ? Cette exposition en ligne puise dans la vaste collection d'Heather James Fine Art pour démontrer la vigueur et la richesse qui entourent ces œuvres. Bien qu'elles ne soient pas toutes strictement liées aux mouvements minimalistes ou post-minimalistes des années 1960 et 1970, ces œuvres sont unies par l'accent mis sur la forme, la couleur ou la texture. Le titre contradictoire de l'exposition remet en question l'austérité et l'apparence, prouvant que ces pièces sont des méditations sur la luxuriance de la matérialité ou la profonde complexité du sens qui soutient l'œuvre. En examinant les œuvres de l'exposition, en nous ouvrant à elles, nous pouvons apprécier la somptuosité de ces œuvres d'art telles qu'elles se révèlent.

Le minimalisme est né au début des années 1960 des mouvements artistiques Color Field et Expressionniste Abstrait. Les artistes du Color Field coloraient des toiles non apprêtées, permettant à la peinture d'imprégner le textile, ce qui donnait de magnifiques plans de couleur. Les artistes expressionnistes abstraits comme Barnett Newman et Ad Reinhardt ont poussé la peinture jusqu'à ses limites. "Galaxy" résume les toiles austères de Newman qui n'en sont pas moins porteuses d'émotions profondes et de mysticisme. Grâce à une sélection minutieuse des couleurs, des teintes et de la composition, Newman présente un impact sensoriel direct. Cette approche hors sujet façonnera les futurs artistes minimalistes et post-minimalistes.

Newman a souvent été cité comme ouvrant la voie à la deuxième vague de peintres Color Field et, avec Newman dans l'exposition, nous pouvons voir les fils de l'histoire de Newman à Jules Olitski et Kenneth Noland et même aux post-minimalistes comme Richard Tuttle.

Les célèbres peintures noires d'Ad Reinhardt ont été le point culminant de la peinture "ultime". Ce que la peinture requiert est l'une des qualités les plus rares - le temps. En regardant de plus près, la toile révèle des tons profonds et riches de violets, de bleus et de verts. Reinhardt nous amène au bord de l'abstraction absolue et de la pureté produite par des tonalités superposées.

Comment aborder Barnett Newman aux côtés d'Ad Reinhardt ? Tous deux recherchaient une peinture au-delà de la peinture, c'est-à-dire au-delà des mouvements américains et européens précédents comme le cubisme ou le surréalisme. Pourtant, tous deux avaient une vision antagoniste de l'autre. En réunissant ces œuvres, nous pouvons voir à la fois les similitudes et les différences dans leurs approches, une occasion rare.

Le critique d'art Clement Greenberg a classé Kenneth Noland dans la catégorie de l'"abstraction post-peinture". Inspiré par Helen Frankenthaler et Morris Louis et travaillant avec eux, Noland a utilisé des formes géométriques simples - cercles concentriques, rayures et chevrons - pour développer un langage visuel de la couleur. Noland a utilisé ces formes non pas comme des symboles ou des représentations mais comme des outils pour étudier la couleur. Quel est le rapport entre une couleur et une autre ? Comment change-t-elle dans différentes dispositions ? Quelle est la relation entre la peinture et la toile, entre le spectateur et la peinture ? Comme Reinhardt, le spectateur ne se contente pas de regarder ou de pénétrer dans le tableau, mais coexiste avec lui en occupant le même espace physique et conceptuel. Plus le spectateur observe l'œuvre, plus il peut saisir les subtilités de la couleur et de la qualité de la peinture.

Les œuvres d'Adolph Gottlieb se situent à mi-chemin entre le dynamisme de l'Action Painting (une autre branche de l'expressionnisme abstrait) et le Color Field. Parmi les autres artistes du Color Field issus de Gottlieb et de Newman figurent Paul Jenkins et Jules Olitski. Pour en savoir plus sur ces artistes, consultez nos expositions "Paul Jenkins : Coloring the Phenomenal" et "Jewish Modernism : Partie 1".

Ces recherches sur la couleur et la qualité de la peinture ne se sont pas limitées aux États-Unis. Au même moment, au Japon, Sadamasa Motonaga, membre de l'association d'art Gutai, a versé de la peinture sur une toile ; il appréciait le mouvement fluide de la peinture et les couleurs qui se mélangeaient. Malgré la simplicité de la surface, le mélange et la qualité fluide des peintures produisent une œuvre de joie et d'énergie, un examen de la qualité des matériaux eux-mêmes au-delà de la représentation visuelle. Les œuvres de l'exposition démontrent l'ampleur avec laquelle Motonaga pouvait manipuler la peinture et les diverses possibilités qu'elle peut produire.

L'une des artistes les plus hermétiques de l'exposition, Agnes Martin est l'une des artistes américaines les plus importantes et les plus influentes. Agnes Martin a commencé sa carrière à New York, mais son déménagement au Nouveau-Mexique a modifié son approche. L'environnement du désert et l'effet de la lumière imprègnent ses toiles. Ses peintures sont des études résistantes des complexités. Elles sont à la fois des méditations silencieuses de lignes et de couleurs, des examens opaques de la vie et de la nature, et des totems d'une vision artistique singulière. Dans cette œuvre, Martin a dilué sa peinture acrylique pour qu'elle se mélange au gesso de sa toile, afin que les couleurs absorbent et reflètent la lumière de manière égale. Sa palette de couleurs restrictive n'est pas tant la couleur que l'effet de la lumière. Cette peinture et l'ensemble de l'œuvre de Martin constituent un nœud reliant le minimalisme et l'école Color Field de l'expressionnisme abstrait. Le spectateur, en observant la peinture, entre en conversation avec l'œuvre, avec Martin et avec l'environnement.

Dans toutes les œuvres de l'exposition, l'artiste poursuit, transforme ou remet en question l'austérité pour développer des œuvres d'une intense splendeur de sens. Ces peintures et ces artistes ne tiennent pas le public à distance, mais invitent plutôt à de longues contemplations et méditations. La matérialité de la peinture est exaltée, et la géométrie simple devient une célébration. Ces peintures sont riches en concepts et en sens. L'opulence dépasse l'abondance matérielle pour atteindre une abondance émotionnelle, philosophique et poétique.

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