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Le 15 mai 1886, le manifeste visuel d'un nouveau mouvement artistique a vu le jour lorsque Georges Seurat a dévoilé son œuvre phare, Un dimanche après-midi sur l'île de la Grande Jatte, à l'occasion de la huitième exposition impressionniste. Seurat peut se targuer d'être le premier "impressionniste scientifique", travaillant d'une manière qui sera connue sous le nom de pointillisme ou de divisionnisme. C'est cependant son ami et confident, Paul Signac, âgé de 24 ans, et leur dialogue constant qui ont conduit à une collaboration dans la compréhension de la physique de la lumière et de la couleur, et au style qui en a résulté. Signac était un peintre impressionniste sans formation, mais extrêmement talentueux, dont le tempérament était parfaitement adapté à la rigueur et à la discipline requises pour réaliser le travail laborieux et minutieux du pinceau et de la couleur. Signac assimile rapidement la technique. Il est également le témoin des deux années de travail ardu de Seurat, qui construit des myriades de couches de points de couleur non mélangés sur La Grande Jatte, une toile aux dimensions colossales. Ensemble, Signac, l'extraverti effronté, et Seurat, l'introverti secret, étaient sur le point de renverser le cours de l'impressionnisme et de changer le cours de l'art moderne.

Les Andelys. L'Île à Lucas

juin-juillet 1886

25 1/4 x 17 7/8 in.

huile sur toile

Led by a triumvirate of painters of the American Scene, Thomas Hart Benton, John Steuart Curry, and Grant Wood took on the task of exploring, defining, and celebrating the Midwest as a credible entity within the geographical, political, and mythological landscape of the United States. Their populist works were figurative and narrative-driven, and they gained widespread popularity among a Depression-weary American public. The landscapes Grant Wood painted, and the lithographs marketed by Associated American Artists were comforting reminders of traditional Midwestern values and the simplicity of country life. Yet, Wood's most iconic works, including American Gothic, were to be viewed through the lens of elusive narratives and witty ironies that reflect an artist who delighted in sharing his charming and humorous perspective on farm life. <br><br>In 1930, Wood achieved national fame and recognition with American Gothic, a fictionalized depiction of his sister, Nan, and his family dentist. Frequently regarded as the most famous American painting of the twentieth century, to fully grasp American Gothic's essential nature, one must recognize Wood's profound connection to his Iowan roots, a bond that borders on a singular fixation and the often-brutal confrontation between the moral and cultural rigidity of Midwest isolationism and the standards that prevailed elsewhere in America. This war of values and morality became dominant throughout Wood's oeuvre. Their fascination with American Gothic may have mystified the public, but the story, told in the attitude of a farmer and his wife, is as lean and brittle as the pitchfork he carries. Their attitude, as defiant as it is confrontational, is an unflinching dare to uppity gallery-goers to judge their immaculate well-scrubbed farm. American Gothic became an overnight sensation, an ambiguous national icon often interpreted as a self-effacing parody of midwestern life. Yet it also served as an unflinching mirror to urban elite attitudes and their often-derisive view of heartland values and way of life. In Grant Wood's hands, the people of the Midwest have stiffened and soured, their rectitude implacable.<br> <br>Portrait of Nan is Grant Wood's most intimate work. He may have been motivated to paint it to make amends for the significant scrutiny and harsh treatment his sister received as American Gothic's sternly posed female. Grant poured his heart into it as a sign of sibling love. Intent upon painting her as straightforward and simply as possible so as not to invite unintended interpretations, Wood's deep attachment to the portrait was significant enough for him to think of it as having irreplaceable value. When he moved from Cedar Rapids to Iowa City in 1935, he designed his entire living room around the work. It occupied the place of honor above the fireplace and was the only painting he refused to sell. <br> <br>The lithograph July Fifteenth, issued in 1938, proves his mystical vision of the Iowan heartland is anything but a pitchfork approach. Drawings assumed central importance in Wood's output, and this work is executed in meticulous detail, proving his drawings were at least as complex, if not more so, than his paintings. The surface of the present work takes on an elaborate, decorative rhythm, echoed throughout the land that is soft, verdant, and fertile. Structurally, it alludes in equal measure to the geometry of modern art and the decorative patterning of folk-art traditions. This is a magical place, a fulsome display of an idealized version of an eternal, lovely, and benign heartland. <br><br>The Young Artist, an en plein air sketch, may have been produced during, or slightly after, what Wood called his "palette-knife stage" that consumed him in 1925. Having not yet traveled to Munich where, in 1928, he worked on a stain-glass window commission and came under the influence of the Northern Renaissance painters that sparked his interest in the compositional severity and detailed technique associated with his mature works, here, he worked quickly, and decisively. The view is from a hilltop at Kenwood Park that overlooks the Cedar River Valley near Cedar Rapids, where he built a house for his sister, Nan.

Portrait de Nan

35 1/2 x 29 1/2 x 1 in.

huile sur masonite

Cottonwood Tree (Near Abiquiu), New Mexico (1943) by celebrated American artist Georgia O’Keeffe is exemplary of the airier, more naturalistic style that the desert inspired in her. O’Keeffe had great affinity for the distinctive beauty of the Southwest, and made her home there among the spindly trees, dramatic vistas, and bleached animal skulls that she so frequently painted. O’Keeffe took up residence at Ghost Ranch, a dude ranch twelve miles outside of the village of Abiquiú in northern New Mexico and painted this cottonwood tree around there. The softer style befitting this subject is a departure from her bold architectural landscapes and jewel-toned flowers.<br><br>The cottonwood tree is abstracted into soft patches of verdant greens through which more delineated branches are seen, spiraling in space against pockets of blue sky. The modeling of the trunk and delicate energy in the leaves carry forward past experimentations with the regional trees of the Northeast that had captivated O’Keeffe years earlier: maples, chestnuts, cedars, and poplars, among others. Two dramatic canvases from 1924, Autumn Trees, The Maple and The Chestnut Grey, are early instances of lyrical and resolute centrality, respectively. As seen in these early tree paintings, O’Keeffe exaggerated the sensibility of her subject with color and form.<br><br>In her 1974 book, O’Keeffe explained: “The meaning of a word— to me— is not as exact as the meaning of a color. Color and shapes make a more definite statement than words.” Her exacting, expressive color intrigued. The Precisionist painter Charles Demuth described how, in O’Keeffe’s work, “each color almost regains the fun it must have felt within itself on forming the first rainbow” (As quoted in C. Eldridge, Georgia O’Keeffe, New York, 1991, p. 33). As well, congruities between forms knit together her oeuvre. Subjects like hills and petals undulate alike, while antlers, trees, and tributaries correspond in their branching morphology.<br><br>The sinewy contours and gradated hues characteristic of O’Keeffe find an incredible range across decades of her tree paintings. In New Mexico, O’Keeffe returned to the cottonwood motif many times, and the seasonality of this desert tree inspired many forms. The vernal thrill of new growth was channeled into spiraling compositions like Spring Tree No.1 (1945). Then, cottonwood trees turned a vivid autumnal yellow provided a breathtaking compliment to the blue backdrop of Mount Pedernal. The ossified curves of Dead Cottonweed Tree (1943) contain dramatic pools of light and dark, providing a foil to the warm, breathing quality of this painting, Cottonwood Tree (Near Abiquiu). The aural quality of this feathered cottonwood compels a feeling guided by O’Keeffe’s use of form of color.

GÉORGIE O'KEEFFE

Cottonwood Tree (près d'Abiquiu), Nouveau-Mexique

huile sur toile

<br>In Diego Rivera’s portrait of Enriqueta Dávila, the artist asserts a Mexicanidad, a quality of Mexican-ness, in the work along with his strong feelings towards the sitter. Moreover, this painting is unique amongst his portraiture in its use of symbolism, giving us a strong if opaque picture of the relationship between artist and sitter.<br><br>Enriqueta, a descendent of the prominent Goldbaum family, was married to the theater entrepreneur, José María Dávila. The two were close friends with Rivera, and the artist initially requested to paint Enriqueta’s portrait. Enriqueta found the request unconventional and relented on the condition that Rivera paints her daughter, Enriqueta “Quetita”. Rivera captures the spirit of the mother through the use of duality in different sections of the painting, from the floorboards to her hands, and even the flowers. Why the split in the horizon of the floorboard? Why the prominent cross while Enriqueta’s family is Jewish? Even her pose is interesting, showcasing a woman in control of her own power, highlighted by her hand on her hip which Rivera referred to as a claw, further complicating our understanding of her stature.<br><br>This use of flowers, along with her “rebozo” or shawl, asserts a Mexican identity. Rivera was adept at including and centering flowers in his works which became a kind of signature device. The flowers show bromeliads and roselles; the former is epiphytic and the latter known as flor de jamaica and often used in hibiscus tea and aguas frescas. There is a tension then between these two flowers, emphasizing the complicated relationship between Enriqueta and Rivera. On the one hand, Rivera demonstrates both his and the sitter’s Mexican identity despite the foreign root of Enriqueta’s family but there may be more pointed meaning revealing Rivera’s feelings to the subject. The flowers, as they often do in still life paintings, may also refer to the fleeting nature of life and beauty. The portrait for her daughter shares some similarities from the use of shawl and flowers, but through simple changes in gestures and type and placement of flowers, Rivera illuminates a stronger personality in Enriqueta and a more dynamic relationship as filtered through his lens.<br><br>A closer examination of even her clothing reveals profound meaning. Instead of a dress more in line for a socialite, Rivera has Enriqueta in a regional dress from Jalisco, emphasizing both of their Mexican identities. On the other hand, her coral jewelry, repeated in the color of her shoes, hints at multiple meanings from foreignness and exoticism to protection and vitality. From Ancient Egypt to Classical Rome to today, coral has been used for jewelry and to have been believed to have properties both real and symbolic. Coral jewelry is seen in Renaissance paintings indicating the vitality and purity of woman or as a protective amulet for infants. It is also used as a reminder, when paired with the infant Jesus, of his future sacrifice. Diego’s use of coral recalls these Renaissance portraits, supported by the plain background of the painting and the ribbon indicating the maker and date similar to Old Master works.<br><br>When combined in the portrait of Enriqueta, we get a layered and tense building of symbolism. Rivera both emphasizes her Mexican identity but also her foreign roots. He symbolizes her beauty and vitality but look closely at half of her face and it is as if Rivera has painted his own features onto hers. The richness of symbolism hints at the complex relationship between artist and sitter.

Portrait d'Enriqueta G. Dávila

79 1/8 x 48 3/8 in.

huile sur toile

Selon le catalogue raisonné compilé par le Brandywine River Museum of Art, le dessin préliminaire pour Puritan Cod Fishers a été achevé par N. C Wyeth avant sa mort en octobre 1945. L'entrée présente une image de l'esquisse ainsi que les inscriptions de l'artiste et son titre, Puritan Cod Fishers, qualifié par le catalogue d'"alternate" (alternatif). Quoi qu'il en soit, cette grande toile est une œuvre unique dont Andrew Wyeth a rappelé plus tard qu'elle avait été peinte uniquement de sa main, une collaboration délimitée de la conception et de la composition du père, concrétisée par l'exécution remarquable du fils. Pour Andrew, cela a dû être une expérience profondément ressentie et émouvante. Compte tenu de l'attention portée par son père aux détails et à l'authenticité, les lignes de la petite embarcation à voile représentent une échalote, utilisée au XVIe siècle. D'un autre côté, Andrew a probablement approfondi les teintes de la mer agitée plus que ne l'aurait fait son père, un choix qui accentue de manière appropriée la nature périlleuse de la tâche.

Andrew Wyeth & N. C. Wyeth

Pêcheurs de morue puritains

108 1/2 x 157 1/2 in.

huile sur toile

WILLEM DE KOONING - Femme dans une barque - huile sur papier couché sur masonite - 47 1/2 x 36 1/4 in.

WILLEM DE KOONING

Une femme dans un bateau à rames

47 1/2 x 36 1/4 in.

huile sur papier couché sur masonite

MARK ROTHKO - Sans titre (brun et noir) - acrylique sur papier monté sur carton - 33 1/4 x 25 3/4 in.

Sans titre (marron et noir)

33 1/4 x 25 3/4 in.

acrylique sur papier monté sur carton

VINCENT VAN GOGH - La nouvelle église et les vieilles maisons de La Haye - huile sur toile sur panneau - 13 5/8 x 9 3/4 in.

VINCENT VAN GOGH

La nouvelle église et les vieilles maisons de La Haye

13 5/8 x 9 3/4 in.

huile sur toile sur panneau

In 1955, Sir John Rothenstein, representing the Trustees of the Tate Museum, approached Winston Churchill about donating one of his paintings "as a gift to the nation." Churchill was flattered, but felt he did not deserve such an honor as an artist. Eventually, Churchill agreed and sent two candidate paintings to the Tate – On the Rance and Loup River. No record exists regarding his own thoughts on the works he submitted, but one can safely say that Churchill thought highly of On the Rance, especially since it was not one of the paintings Rothenstein identified as a strong option. Loup River, which clearly matched Rothenstein's taste, was selected. Not only was On the Rance not returned, but somehow it ended up, without any inventory record, in a basement storeroom at the Tate. In the storeroom it sat for almost a half century, when it was discovered by an intern. The Churchill family was notified and eventually the painting was auctioned in June 2005, where it set a new auction record for Churchill's work, despite the lot notes hardly touching on the Tate’s possible acquisition. In a letter to the buyers, Churchill’s daughter, Lady Soames, summarized what had occurred in somewhat more detail.<br><br>St. Malo is a walled city in Brittany, France on the coast of the English Channel. The city was nearly destroyed by bombings during WWII.

SIR WINSTON CHURCHILL (EN)

Sur la Rance, près de Saint-Malo (C 520)

huile sur toile

Between Île-de-France and Burgundy and on the edge of the Fontainebleau Forest lies the medieval village of Moret-sur-Loing, established in the 12th century. When Alfred Sisley described its character to Monet in a letter dated 31 August 1881 as “a chocolate-box landscape…” he meant it as a memento of enticement; that its keep, the ramparts, the church, the fortified gates, and the ornate facades nestled along the river were, for a painter, a setting of unmatched charm. An ancient church, always the most striking townscape feature along the Seine Valley, would be a presence in Sisley’s townscape views as it was for Corot, and for Monet at Vétheuil. But unlike Monet whose thirty views of Rouen Cathedral were executed so he could trace the play of light and shadow across the cathedral façade and capture the ephemeral nature of moment-to-moment changes of light and atmosphere, Sisley set out to affirm the permanent nature of the church of Notre-Dame at Moret-sur-Loing. Monet’s sole concern was air and light, and Sisley’s appears to be an homage keepsake. The painting exudes respect for the original architects and builders of a structure so impregnable and resolute, it stood then as it did in those medieval times, and which for us, stands today, as it will, for time immemorial.<br><br>Nevertheless, Sisley strived to show the changing appearance of the motif through a series of atmospheric changes. He gave the works titles such as “In Sunshine”, “Under Frost”, and “In Rain” and exhibited them as a group at the Salon du Champ-de-Mars in 1894, factors that suggest he thought of them as serial interpretations. Nevertheless, unlike Monet’s work, l’église de Moret, le Soir reveals that Sisley chose to display the motif within a spatial context that accentuates its compositional attributes — the plunging perspective of the narrow street at left, the strong diagonal recession of the building lines as a counterbalance to the right, and the imposing weight of the stony building above the line of sight.

L'Église de Moret, le Soir

31 1/4 x 39 1/2 in.

toile à l'huile

TOM WESSELMANN - Smoker No. 21 - huile sur toile façonnée - 74 1/2 x 67 1/2 in.

74 1/2 x 67 1/2 in.

huile sur toile façonnée

Trained as a woodcarver, Emil Nolde was almost 30 years old before he made his first paintings. The early paintings resembled his drawings and woodcuts: grotesque figures with bold lines and strong contrasts. The style was new, and it inspired the nascent movement Die Brücke (The Bridge), whose members invited Nolde to join them in 1906. But, it was not until the garden became his locus operandi by 1915 that he built upon his mastery of contrasting luminosities to focus on color as the supreme means of expression. Later, Nolde claimed “color is strength, strength is life,” and he could not have better characterized why his flower paintings reinvigorate our perception of color.<br><br>Much of the strength of Nolde’s dramatic, Wagnerian-like color sensibilities is the effect of staging primary colors, such as the deep reds and golden yellows of Sonnenblumen, Abend II, against a somber palette. The contrast highlights and deepens the luminosity of the flowers, not just visually, but emotionally as well. In 1937, when Nolde’s art was rejected, confiscated, and defiled, his paintings were paraded as “degenerate art” throughout Nazi Germany in dimly lit galleries. Despite that treatment, Nolde’s status as a degenerate artist gave his art more breathing space because he seized the opportunity to produce more than 1,300 watercolors, which he called “unpainted pictures.” No novice in handling watercolor, his free-flowing style of painting had been a hallmark of his highly-charge, transparent washes since 1918. Sonnenblumen, Abend II, painted in 1944, is a rare wartime oil. He let his imagination run wild with this work, and his utilization of wet-on-wet techniques heightened the drama of each petal.<br><br>Nolde’s intense preoccupation with color and flowers, particularly sunflowers, reflects his continuing devotion to van Gogh. He was aware of van Gogh as early as 1899 and, during the 1920s and early 1930s, visited several exhibitions of the Dutch artist’s work. They shared a profound love of nature. Nolde’s dedication to expression and the symbolic use of color found fullness in the sunflower subject, and it became a personal symbol for him, as it did for Van Gogh.

Sonnenblumen, Abend II

26 1/2 x 35 3/8 in.

huile sur toile

Widely recognized as one of the most consequential artists of our time, Gerhard Richters career now rivals that of Picasso's in terms of productivity and genius. The multi-faceted subject matter, ranging from slightly out-of-focus photographic oil paintings to Kelly-esque grid paintings to his "squeegee" works, Richter never settles for repeating the same thought- but is constantly evolving his vision. Richter has been honored by significant retrospective exhibitions, including the pivotal 2002 show, "Gerhard Richter: Forty Years of Painting," at the Museum of Modern Art, New York. <br><br>"Abstraktes Bild 758-2" (1992) comes from a purely abstract period in Richter's work- where the message is conveyed using a truly physical painting style, where applied paint layers are distorted with a wooden "Squeegee" tool. Essentially, Richter is sculpting the layers of paint, revealing the underlayers and their unique color combinations; there is a degree of "art by chance". If the painting does not work, Richter will move on- a method pioneered by Jackson Pollock decades earlier. <br><br>Richter is included in prominent museums and collections worldwide, including the Tate, London, The Museum of Modern Art, New York, and the San Francisco Museum of Modern Art, among many others.

GERHARD RICHTER

Abstraktes Bild 758-2

24 1/2 x 32 1/4 in.

huile sur toile

Au début des années 1870, Winslow Homer a souvent peint des scènes de la vie à la campagne près d'un petit hameau agricole réputé depuis des générations pour ses remarquables champs de blé, situé entre la rivière Hudson et les Catskills, dans l'État de New York. Aujourd'hui, Hurley est bien plus célèbre pour avoir inspiré l'une des plus grandes œuvres d'Homer, Snap the Whip, peinte au cours de l'été 1872. Parmi les nombreuses autres peintures inspirées par la région, Girl Standing in the Wheatfield est riche en sentiments, mais sans sentimentalisme excessif. Elle est directement liée à une étude peinte en France en 1866 et intitulée In the Wheatfields (Dans les champs de blé), ainsi qu'à une autre étude peinte l'année suivante, après son retour en Amérique. Mais Homère aurait sans doute été le plus fier de celle-ci. Il s'agit d'un portrait, d'une étude de costume, d'une peinture de genre dans la grande tradition de la peinture pastorale européenne, et d'un tour de force atmosphérique dramatiquement rétro-éclairé, imprégné de la lumière de l'heure qui s'estompe rapidement, avec des notes lambda et fleuries et des touches d'épis de blé. En 1874, Homer a envoyé quatre tableaux à l'exposition de la National Academy of Design. L'une d'entre elles était intitulée "Girl". Ne serait-ce pas celle-ci ?

Dans le champ de blé (Fille debout dans un champ de blé)

21 3/4 x 13 1/2 in.

huile sur toile

Emerging at the end of the Gilded Age, N.C. Wyeth was one of the most important American artists and illustrators. His paintings and illustrations brought life to classic literature from Treasure Island to The Boy’s King Arthur and more. He is most remembered for his ability to capture crucial moments in narratives, fleshing out just a few words into a visual representation of deep drama and tension. Patriarch of the Wyeth artistic dynasty which includes his son Andrew and grandson Jamie, his influence touched future illustrators and artists.<br><br>Perhaps his most important legacy is how he shaped American imagination – of America itself and of wild possibilities. Wyeth’s powerful paintings gave life to many of the stories America told of itself. His early paintings captured life of the American West and some of his most beloved illustrations were for novels such as The Last of the Mohicans or short stories like “Rip Van Winkle”. Despite this success, Wyeth struggled with the commercialism of illustrations and advertisements, seeking his work to be accepted as fine art. Throughout his career, he experimented with different styles shifting from Impressionism to Divisionism to Regionalism.<br><br>N.C. Wyeth produced over 3,000 paintings and illustrated 112 books. His illustrations for the publisher Charles Scribner’s Sons were so popular they became known as Scribner’s Classics and remain in print to this day.<br><br>This quietly powerful painting of a Native American forms part of a quartet of paintings, inspired by and a metaphor for the four seasons. The paintings were used to illustrate George T. Marsh’s set of poems “The Moods”. Wyeth recognized that the series came at a crucial moment in his career in which the paintings go beyond realism to capture atmosphere and mood, an internal world of emotion made external. He even contemplated and attempted to write his own poems based on these paintings.<br> <br><br>Summer, Hush is a striking example of Wyeth pulling from his imagination and melding it with careful observation of nature. As noted in a letter to his mother, Wyeth combined the fictional subject with natural effects as in the sky. Native Americans were a subject he returned to numerous times; these paintings reflect not only Wyeth’s fascination but also of America. As observed by art historian Krstine Ronan, Wyeth was part of a larger dialogue that developed around Native Americans, cementing a general Native American culture in the imagination of the United States. Thus, the painting operates on numerous levels simultaneously. How do we relate to this painting and its conception of the four seasons? How do we interpret Wyeth’s depiction of a Native American? What role do Native Americans play in America’s imagination?<br><br>We must also not forget that these works were first used to illustrate the poems of George T. Marsh. Marsh, a poet born in New York who often also wrote of the Canadian wilderness, provides subtle evocations of the seasons hinted at in the series title “The Moods”. This painting was used alongside “Hush,” which ends:<br><br>Are they runes of summers perished<br><br>That the fisher hears –and ceases—<br><br>Or the voice of one he cherished.<br><br>Within these few lines, Wyeth gives us a thoughtful and restrained painting that stirs from within. The poem and the painting avoid obvious clichés to represent the seasons. They develop a profound interpretation filled with sensitivity.<br><br>These paintings were important to Wyeth who hoped that “they may suggest to some architect the idea that such decorations would be appropriate in a library or capitol or some public building.” Summer, Hush demonstrates Wyeth’s control of color and composition so that small touches such as the ripples of water or the towering cloud that envelopes the figure are in service to sketch out the feeling of summer and of the poem. Through exploring this rich and complex painting, we are better able to appreciate NC Wyeth as an artist and the role this specific painting plays in the context of art history.

L'été. "Chut"

33 3/4 x 30 1/4 in.

huile sur toile

The frame of reference for Irish American Sean Scully’s signature blocks and stripes is vast. From Malevich’s central premise that geometry can provide the means for universal understanding to Rothko’s impassioned approach to color and rendering of the dramatic sublime, Scully learned how to condense the splendor of the natural world into simple modes of color, light, and composition. Born in Dublin in 1945 and London-raised, Scully was well-schooled in figurative drawing when he decided to catch the spirit of his lodestar, Henri Matisse, by visiting Morocco in 1969. He was captivated by the dazzling tessellated mosaics and richly dyed fabrics and began to paint grids and stipes of color. Subsequent adventures provided further inspiration as the play of intense light on the reflective surfaces of Mayan ruins and the ancient slabs of stone at Stonehenge brought the sensation of light, space, and geometric movement to Scully’s paintings. The ability to trace the impact of Scully’s travels throughout his paintings reaffirms the value of abstract art as a touchstone for real-life experience.<br><br><br>Painted in rich, deep hues and layered, nuanced surfaces, Grey Red is both poetic and full of muscular formalism. Scully appropriately refers to these elemental forms as ‘bricks,’ suggesting the formal calculations of an architect. As he explained, “these relationships that I see in the street doorways, in windows between buildings, and in the traces of structures that were once full of life, I take for my work. I use these colors and forms and put them together in a way that perhaps reminds you of something, though you’re not sure of that” (David Carrier, Sean Scully, 2004, pg. 98). His approach is organic, less formulaic; intuitive painter’s choices are layering one color upon another so that contrasting hues and colors vibrate with subliminal energy. Diebenkorn comes to mind in his pursuit of radiant light. But here, the radiant bands of terracotta red, gray, taupe, and black of Grey Red resonate with deep, smoldering energy and evoke far more affecting passion than you would think it could impart. As his good friend, Bono wrote, “Sean approaches the canvas like a kickboxer, a plasterer, a builder. The quality of painting screams of a life being lived.”

SEAN SCULLY (EN)

huile sur aluminium

Le monde de Marc Chagall ne peut être contenu ou limité par les étiquettes que nous lui attachons. C'est un monde d'images et de significations qui forment leur propre discours splendidement mystique. Les Mariés sous le baldaquin a été entrepris alors que l'artiste entrait dans sa 90e année, un homme qui avait connu la tragédie et le conflit, mais qui n'avait jamais oublié les moments de plaisir de la vie. Ici, les délices rêveurs d'un mariage dans un village russe, avec ses arrangements de participants bien rodés, nous sont présentés avec un esprit si joyeux et une innocence si gaie qu'il est impossible de résister à son charme. En utilisant une émulsion dorée combinant l'huile et la gouache opaque à base d'eau, la chaleur, le bonheur et l'optimisme du positivisme habituel de Chagall sont enveloppés d'un éclat lumineux suggérant l'influence des icônes religieuses à feuilles d'or ou de la peinture du début de la Renaissance qui cherchait à donner l'impression d'une lumière divine ou d'une illumination spirituelle. L'utilisation d'une combinaison d'huile et de gouache peut s'avérer difficile. Mais ici, dans Les Mariés sous le baldaquin, Chagall l'utilise pour donner à la scène une qualité d'un autre monde, presque comme si elle venait de se matérialiser à partir de l'œil de son esprit. La finesse de sa texture donne l'impression que la lumière émane de l'œuvre elle-même et confère une qualité spectrale aux personnages qui flottent dans le ciel.

Les mariés sous le baldaquin

23 1/2 x 31 7/8 in.

huile et gouache sur toile

Shortly after arriving in Paris by April 1912, Marsden Hartley received an invitation. It had come from Gertrude Stein and what he saw at her 27 rue de Fleurus flat stunned him. Despite his presumptions and preparedness, “I had to get used to so much of everything all at once…a room full of staggering pictures, a room full of strangers and two remarkable looking women, Alice and Gertrude Stein…I went often I think after that on Saturday evenings — always thinking, in my reserved New England tone, ‘ how do people do things like that — let everyone in off the street to look at their pictures?… So one got to see a vast array of astounding pictures — all burning with life and new ideas — and as strange as the ideas seemed to be — all of them terrifically stimulating — a new kind of words for an old theme.” (Susan Elizabeth Ryan, The Autobiography of Marsden Hartley, pg. 77)<br><br>The repeated visits had a profound effect. Later that year, Hartley was clearly disappointed when Arthur B. Davies and Walt Kuhn chose two of his still-life paintings for the upcoming New York Armory show in February 1913. “He (Kuhn) speaks highly of them (but) I would not have chosen them myself chiefly because I am so interested at this time in the directly abstract things of the present. But Davies says that no American has done this kind of thing and they would (not) serve me and the exhibition best at this time.” (Correspondence, Marsden Hartley to Alfred Stieglitz, early November 1912) A month later, he announced his departure from formal representationalism in “favor of intuitive abstraction…a variety of expression I find to be closest to my temperament and ideals. It is not like anything here. It is not like Picasso, it is not like Kandinsky, not like any cubism. For want of a better name, subliminal or cosmic cubism.” (Correspondence, Marsden Hartley to Alfred Stieglitz, December 1912)<br><br>At the time, Hartley consumed Wassily Kandinsky’s recently published treatise Uber das Geistige in der Kunst (The Art of Spiritual Harmony) and Stieglitz followed the artist’s thoughts with great interest. For certain, they both embraced musical analogy as an opportunity for establishing a new visual language of abstraction. Their shared interest in the synergetic effects of music and art can be traced to at least 1909 when Hartley exhibited landscape paintings of Maine under titles such as “Songs of Autumn” and “Songs of Winter” at the 291 Gallery. The gravity of Hartley’s response to the treatise likely sparked Stieglitz’s determination to purchase Kandinsky’s seminal painting Improvisation no. 27 (Garden of Love II) at the Armory Show. As for Hartley, he announced to his niece his conviction that an aural/vision synesthetic pairing of art and music was a way forward for modern art. “Did you ever hear of anyone trying to paint music — or the equivalent of sound in color?…there is only one artist in Europe working on it (Wassily Kandinsky) and he is a pure theorist and his work is quite without feeling — whereas I work wholly from intuition and the subliminal.” (D. Cassidy, Painting the Musical City: Jazz and Cultural Identity in American Art, Washington, D.C., pg. 6)<br><br>In Paris, during 1912 and 1913 Hartley was inspired to create a series of six musically themed oil paintings, the first of which, Bach Preludes et Fugues, no. 1 (Musical Theme), incorporates strong Cubist elements as well as Kandinsky’s essential spirituality and synesthesia. Here, incorporating both elements seems particularly appropriate. Whereas Kandinsky’s concepts were inspired by Arnold Schoenberg’s twelve-tone method of composition whereby no note could be reused until the other eleven had been played, Hartley chose Bach’s highly structured, rigorously controlled twenty-four Preludes and Fugues from his Well-Tempered Clavier, each of which establishes an absolute tonality. The towering grid of Bach Preludes et Fugues, no. 1 suggests the formal structure of an organ, its pipes ever-rising under a high, vaulted church ceiling to which Hartley extends an invitation to stand within the lower portion of the picture plane amongst the triangular and circular ‘sound tesserae’ and absorb its essential sonority and deeply reverberating sound. All of it is cast with gradients of color that conjures an impression of Cézanne’s conceptual approach rather than Picasso’s, Analytic Cubism. Yet Bach Preludes et Fugues, no. 1, in its entirety suggests the formal structural of Picasso’s Maisons à Horta (Houses on the Hill, Horta de Ebro), one of the many Picasso paintings Gertrude Stein owned and presumably staged in her residence on the many occasions he came to visit.

MARSDEN HARTLEY

Bach Preludes et Fugues No. 1 (Thème musical)

28 1/2 x 21 in.

huile sur toile posée sur carton

Tom Wesselmann will undoubtedly be remembered for associating his erotic themes with the colors of the American flag. But Wesselmann had considerable gifts as a draftsman, and the line was his principal preoccupation, first as a cartoonist and later as an ardent admirer of Matisse. That he also pioneered a method of turning drawings into laser-cut steel wall reliefs proved a revelation. He began to focus ever more on drawing for the sake of drawing, enchanted that the new medium could be lifted and held: “It really is like being able to pick up a delicate line drawing from the paper.”<br><br>The Steel Drawings caused both excitement and confusion in the art world. After acquiring one of the ground-breaking works in 1985, the Whitney Museum of American Art wrote Wesselmann wondering if it should be cataloged as a drawing or a sculpture. The work had caused such a stir that when Eric Fischl visited Wesselmann at his studio and saw steel-cut works for the first time, he remembered feeling jealous. He wanted to try it but dared not. It was clear: ‘Tom owned the technique completely.’<br><br>Wesselmann owed much of that technique to his year-long collaboration with metalwork fabricator Alfred Lippincott. Together, in 1984 they honed a method for cutting the steel with a laser that provided the precision he needed to show the spontaneity of his sketches. Wesselmann called it ‘the best year of my life’, elated at the results that he never fully achieved with aluminum that required each shape be hand-cut. “I anticipated how exciting it would be for me to get a drawing back in steel. I could hold it in my hands. I could pick it up by the lines…it was so exciting…a kind of near ecstasy, anyway, but there’s really been something about the new work that grabbed me.”<br><br>Bedroom Brunette with Irises is a Steel Drawing masterwork that despite its uber-generous scale, utilizes tight cropping to provide an unimposing intimacy while maintaining a free and spontaneous quality. The figure’s outstretched arms and limbs and body intertwine with the petals and the interior elements providing a flowing investigative foray of black lines and white ‘drop out’ shapes provided by the wall. It recalls Matisse and any number of his reclining odalisque paintings. Wesselmann often tested monochromatic values to discover the extent to which color would transform his hybrid objects into newly developed Steel Drawing works and, in this case, continued with a color steel-cut version of the composition Bedroom Blonde with Irises (1987) and later still, in 1993 with a large-scale drawing in charcoal and pastel on paper.

Chambre brune avec iris

105 3/4 x 164 5/8 in.

huile sur aluminium découpé

ALBERT BIERSTADT - Le Golden Gate - huile sur toile - 27 3/8 x 38 3/4 in.

ALBERT BIERSTADT

La Porte Dorée

27 3/8 x 38 3/4 in.

huile sur toile

Frederick Frieseke is often regarded as the finest American Impressionist painter of the figure. Yet when he came to study at Académie Juilian in 1898, several les Nabis painters remained a lingering presence, and it was the rich, decorative patterns of Edouard Vuillard and Pierre Bonnard that served as the blueprint for his early success. That influence is clearly demonstrated in the unrestrained repetition of the voluminous, pleated, striped umbrellas of Afternoon at the Beach, a canvas mural installed in the opulent Hotel Shelburne dining room overlooking the Atlantic City Boardwalk. The unifying impact of that repetitive element imbues the setting with cloud-like loft within a color scheme, evoking Vuillard and the richness of a Gobelin tapestry, rather than the effect of sunlight and broken color that mark his more familiar paintings from the decade of 1910 to 1920.<br><br>Afternoon at the Beach was installed under the artist’s direction in February 1906. It remained on view for decades at the swanky hotel that enticed “Diamond Jim” James Buchanan Brady to pay one thousand dollars a week for permanent residence and was an unfading memory for throngs of well-heeled socialites, financiers, and notables from Irving Berlin to John Philip Sousa and Ethel Barrymore to Al Jolson. Undoubtedly, its presence high on the grand dining room wall contributed to the artist’s popularity and renown.<br><br>Today, we may look upon this long, frieze-like composition as a delightful fin-de-siécle costume study or an informative expose of Victorian mores as suggested by the separate spheres of gender groupings. But mostly, Afternoon at the Beachrecounts the artist’s unbridled delight and appreciation of women, here, expressed within familial, maternal, and social contexts. It is the subject and theme that brought Frieseke acclaim and awards on both sides of the Atlantic and which, to this day, endears him to the many who count him among the most beloved of American figurative painters.

FREDERICK CARL FRIESEKE

Après-midi à la plage

1905/1906 France

huile sur toile

The Pop Art Movement is notable for its rewriting of Art History and the idea of what could be considered a work of art. Larry Rivers association with Pop-Art and the New York School set him aside as one of the great American painters of the Post-War period. <br><br>In addition to being a visual artist, Larry Rivers was a jazz saxophonist who studied at the Juilliard School of Music from 1945-1946. This painting's subject echoes the artists' interest in Jazz and the musical scene in New York City, particularly Greenwich Village and the Lower East Side. <br><br>“Untitled” (1958) is notable bas the same owner has held it since the work was acquired directly from the artist several decades ago. This work is from the apex of the artists' career in New York and could comfortably hang in a museum's permanent collection.

RIVIÈRES LARGES

huile sur toile

THOMAS HART BENTON - Animalistic Phantasy - huile sur métal - 62 x 47 1/2 x 1 in.

THOMAS HART BENTON (EN)

Phantasie animaliste

62 x 47 1/2 x 1 in.

huile sur métal

Maître incontesté du mouvement néo-impressionniste belge en plein essor à partir de 1887, Théo van Rysselberghe a peint ce portrait de sa femme, Maria (née Monnom), au cours de la première décennie du XXe siècle. Après avoir subi l'influence du tonalisme de Whistler, de l'impressionnisme et du pointillisme de Seurat, il a perfectionné une compréhension très raffinée de la couleur et de ses résonances harmoniques, ainsi qu'un rendu méticuleux des éléments formels. Dessinateur exemplaire, les impressions optiques basées sur les interactions entre les couleurs sont restées l'une des principales préoccupations de Van Rysselberghe. Ici, de courtes touches de couleur ont remplacé les petits points d'un pointilliste, et la palette de couleurs n'est pas homogène et harmonieuse, comme le veut la réputation bien méritée de l'artiste. Au contraire, ce portrait fait progresser la théorie des couleurs d'une manière tout à fait différente. Son intérêt visuel repose sur les contrastes dynamiques de la coiffure argentée de sa femme, de sa robe couleur platine et du manteau de cheminée d'un blanc immaculé, le tout mis en scène dans l'éclat optique de l'environnement dominé par des rouges et des verts complémentaires. Il s'agit d'une démonstration visuellement stimulante d'un peintre qui a compris l'impact dynamique de cette combinaison de couleurs inhabituelle et qui a disposé le modèle avec un fort accent sur une diagonale et a exécuté la formule avec l'art et l'agilité d'un peintre en pleine possession de ses moyens picturaux.

THÉO VAN RYSSELBERGHE

Maria van Rysselberghe au coin du feu

32 1/4 x 32 7/8 in.

huile sur toile

Alien est une itération de la série séminale "Visiteur" de Breuer-Weil. Il s'agit d'un bronze colossal de six mètres représentant une figure humanoïde qui s'est écrasée la tête la première dans la terre. Alors que ses jambes sauvages et battantes suggèrent une action visant à libérer le corps de son emprisonnement, sa tête est implantée comme s'il s'agissait d'une circonstance permanente. Breuer-Weil a expliqué ses intentions de la manière suivante : "J'ai toujours été fasciné par l'idée que nous ne sommes pas seuls, qu'un extraterrestre massif pourrait soudainement débarquer sur terre. Je voulais capturer le sentiment d'émerveillement et de choc qu'une telle arrivée générerait." Alien, bien sûr, peut conger une association entièrement différente : les défis d'être un outsider espérant s'intégrer dans une nouvelle culture et société. "Avec cette œuvre, je voulais utiliser une forme humaine vaste et respirante pour exprimer les sentiments profonds associés à ces thèmes. Et j'avais besoin de l'échelle massive pour dépeindre l'intensité de ces émotions." Breuer-Weil a autorisé le moulage d'Alien en une édition de 3 exemplaires plus 2 épreuves d'artiste.

DAVID BREUER-WEIL

bronze patiné marron

Dans « Nu descendant un escalier n° 2 », Mel Ramos entremêle de manière ludique l’héritage du chef-d’œuvre moderniste de Marcel Duchamp avec l’esthétique vibrante du Pop Art, créant une réinterprétation intelligente et visuellement stimulante. En associant le mouvement abstrait de Duchamp à son style pin-up caractéristique, Ramos crée un dialogue dynamique entre les traditions vénérées des beaux-arts et les qualités graphiques audacieuses de l’imagerie commerciale. Cette œuvre illustre l’habileté de Ramos à naviguer dans l’histoire de l’art et la culture contemporaine, en utilisant l’attrait de la nudité féminine pour explorer et satiriser les obsessions sociétales de la beauté, du désir et de la marchandisation. Ce faisant, l’œuvre de Ramos devient une concoction Pop Art par excellence, se délectant de son association ludique avec Duchamp tout en critiquant et en célébrant simultanément la culture visuelle de son époque.

Nu descendant un escalier n° 2

70 x 52 1/8 in.

huile sur toile

JEAN-MICHEL BASQUIAT - Sans titre (Anatomie de pigeon) - huile, mine de plomb et craie sur papier - 22 x 30 in.

JEAN-MICHEL BASQUIAT

Sans titre (Anatomie de pigeon)

huile, graphite et craie sur papier

PIERRE BONNARD - Soleil Couchant - huile sur toile - 14 1/2 x 22 1/2 in.

Soleil Couchant

14 1/2 x 22 1/2 in.

huile sur toile

Née à Atlanta en 1981 et installée à Brooklyn, Shara Hughes est célèbre pour son approche particulière de la peinture de paysage, combinant des influences historiques avec des sensibilités contemporaines. Sa palette de couleurs jubilatoires rappelle des maîtres comme Henri Matisse, avec l'audace visuelle et stylisée de David Hockney, tout en reconnaissant une tradition plus large de la peinture de paysage, notamment les influences de l'art nouveau, du fauvisme et de l'expressionnisme allemand. All the Pretty Faces est une synthèse moderne des mouvements artistiques historiques et de l'imagerie numérique actuelle, présentant aux spectateurs des mondes captivants et inventés qui font le lien entre le passé et le présent. Elle évoque également l'une des citations les plus frappantes de Hughes à propos de ses paysages novateurs remplis d'éléments fantastiques : "J'ai souvent pensé aux fleurs et aux arbres comme à des figures. Parfois, même une vague ou un soleil dans la peinture prend une personnalité, donc cela varie en fonction de la façon dont l'œuvre est réalisée."

Tous les jolis visages

huile sur toile

L'œuvre Untitled de Katharine Grosse, réalisée en 2016, nous permet d'apprécier davantage une artiste qui apporte au support traditionnel de la peinture sur toile la même énergie, la même audace et le même mépris des conventions que l'on retrouve dans ses installations architecturales monumentales. La couleur explose, soulevée à partir d'une surface complexe et richement stratifiée d'applications coulées de peinture qui coule, goutte à goutte ou éclabousse, de voiles transparents rayonnants et de bandes de couleur qui se chevauchent et qui sont vaporisées pour créer de douces transitions en dégradé. Le résultat est une impression fascinante de profondeur spatiale et de tridimensionnalité. Mais il s'agit également d'un tour de force qui révèle l'habileté de Grosse à mêler le chaos et le contrôle, la spontanéité et l'intention. Son éventail de techniques crée un dialogue fascinant entre l'accidentel et le délibéré, ce qui est la marque de son style unique.

KATHARINA GROSSE

118 x 78 3/4 in.

acrylique sur toile

WIFREDO LAM - Portrait / La Table I, coin d'atelier - tempera sur papier (double face) - 38 x 24 3/4 in.

Portrait / La Table I, coin d'atelier

38 x 24 3/4 in.

tempera sur papier (double face)

JEAN ARP - Sculpture Mythique - bronze - 25 x 9 1/2 x 12 in.

Sculpture Mythique

25 x 9 1/2 x 12 po.

Informée par sa foi catholique, l'évolution artistique de Rouault est unique parmi les modernistes. Captivé par les couleurs vibrantes et la façon dont la lumière traverse les vitraux médiévaux, il applique d'épaisses et riches couches de peinture et amplifie les formes brutes et audacieuses, inondées de bleus profonds dans des lignes noires épaisses. Rouault a souvent soutenu des thèmes religieux récurrents et forts, dédiés au pouvoir de la rédemption. Carlotta ne sert ni cette vocation supérieure, ni la souffrance marginalisée de sujets tels que les clowns, les prostituées et les crucifixions. Carlotta est plutôt l'occasion d'admirer les variations de couleurs plus subtiles de Rouault et l'interaction dynamique entre la qualité rugueuse et tactile de l'empâtement et l'effet plus doux et plus diffus des passages brouillés d'un modèle qui n'est pas encombré par les thèmes de la douleur humaine et du désespoir.

GEORGES ROUAULT

15 7/8 x 12 1/4 po.

huile sur toile

Max Weber s’installe à Paris en 1905, alors que la ville est l’épicentre de l’innovation artistique. Ses premières œuvres démontrent l’influence contemporaine de la palette de couleurs audacieuses du fauvisme et de la représentation fragmentée de la réalité du cubisme. Cependant, Weber ne s’est pas contenté d’imiter ces styles ; Il les a intégrées et réinterprétées pour créer quelque chose qui lui appartient. L’importance de Weber ne réside pas seulement dans ses œuvres abstraites, mais aussi dans son rôle de vecteur d’idées modernistes. Weber a joué un rôle crucial dans le dialogue transatlantique qui a contribué à façonner le cours de l’art américain au XXe siècle. Ses représentations de figures féminines présentent une synthèse de l’abstrait et du figuratif, capturant l’essence de ses sujets tout en rompant avec les œuvres figuratives traditionnelles.

Modèle parisien

35 1/2 x 19 5/8 in.

huile sur toile

Expérimentale et très sophistiquée, la "technique du puzzle" innovante de Munch consistait à découper la planche de bois en plusieurs morceaux, à les encrer et à les imprimer individuellement avant de les réassembler pour créer l'image finale. Ce procédé permet d'obtenir une variété de couleurs, des impressions uniques au sein d'une même édition, ainsi qu'un large éventail d'émotions et d'humeurs. Richement orchestrées, les formes ondulantes de House on the Coast I sont construites à travers des couches de couleur et de texture présentant plusieurs plans, chacun contribuant à la profondeur et à la complexité spatiale de l'œuvre. La gravure et le gougeage des gravures sur bois, qui conviennent parfaitement pour exprimer la mentalité de travail souvent brutale d'Edvard Munch, ont repoussé les limites des méthodes traditionnelles et renforcé son engagement à explorer la profondeur émotionnelle et psychologique dans son art.

Maison sur la côte I

gravure sur bois sur papier vélin avec des ajouts à l'aquarelle faits à la main par l'artiste

Jim Dine était un artiste pop américain dont le travail méditait sur des objets à l'allure enfantine pour trouver un langage universel et nostalgique. Les robes de Dine sont parmi les images les plus reconnaissables qui ont émergé de sa longue et illustre carrière. Ils ont été exposés pour la première fois à la galerie Sidney Janis à l'automne 1964 - c'est un exemple. Double Silver Point Robes est un assemblage à grande échelle de techniques mixtes. Le travail est exécuté à la pointe d'argent - une technique qui utilise un morceau d'argent comme un instrument de dessin sur un sol spécialement préparé par lequel il s'oxyde sur une période de mois pour créer un ton brun chaud. Les deux toiles jointes comportent des blocs de bois à la place des têtes et un élément en bois suspendu qui se déplace en fonction des courants d'air.

Robes double Silver Point

53 1/2 x 96 po.

silverpoint et acrylique sur 2 toiles jointes, bois, couteau et ficelle dans le cadre de l'artiste

Genieve Figgis est une figure notable de la scène artistique irlandaise contemporaine, reconnue pour ses portraits de groupe intelligents et critiques qui se moquent souvent de conventions sociales anciennes. Elle a attiré l'attention de l'artiste américain Richard Prince sur Twitter, qui a acheté l'une de ses œuvres et l'a introduite dans les cercles influents de la communauté artistique new-yorkaise. Le travail de Figgis critique de manière ludique les habitudes de consommation de la classe moyenne aisée et les modes de vie luxueux, immortalisés par les artistes du passé, et ramène fermement ces sujets dans le présent avec un mélange de satire et de représentations brutes et authentiques de la vie. Pour Figgis, il s'agit de remonter le temps jusqu'à Daumier ou Hogarth, dont les œuvres portaient souvent un regard satirique sur la société contemporaine, en rejoignant des artistes engagés dans la satire sociale et connus pour leur sens aigu de l'observation.

Le club des dames

31 1/2 x 39 3/8 in.

acrylique sur toile

DAVID SMITH - Sans titre - huile sur toile - 12 x 16 in.

DAVID SMITH (EN)

huile sur toile

Gottlieb was a first-generation member of the Abstract Expressionists. “Blue on Black” is from his trademark “Burst” series. Like fellow Ab Ex artists including Pollock who settled into their signature style late in their careers, it was not until 1956 that Gottlieb focused on these burst paintings.<br><br>This painting showcases the lyricism that he found within the “Burst” paintings by simplifying color and form. In this painting, the shapes and color coalesce to produce harmony and depth within the visual landscape of the canvas.<br><br>Gottlieb had an amazing 56 solo exhibitions during his long career and his works are included in over 140 museums throughout the world.

ADOLPH GOTTLIEB

24 x 18 7/8 in.

acrylique sur papier couché sur toile

CAMILLE PISSARRO - Paysage avec batteuse a Montfoucault - pastel sur papier posé sur carton - 10 3/8 x 14 3/4 in.

PISSARRO CAMILLE

Paysage avec batteuse a Montfoucault

10 3/8 x 14 3/4 in.

pastel sur papier posé sur carton

Francisco Zúñiga a créé de la sculpture lorsqu’il était enfant lorsqu’il assistait son père, un sculpteur local de santos en bois. Il s’est résolument tourné vers la sculpture après son arrivée au Mexique de son Costa Rica natal en 1936 et a développé un vaste corpus d’œuvres basé sur la figure qui s’étend de la sculpture directe sur bois, du modelage dans l’argile, de la sculpture directement sur pierre dure et de la fonte du bronze. « Desnundo Reclinado de Dolores » est un changement en ce sens qu’il ne reflète ni son intérêt pour l’art précolombien ni sa persistance à représenter des femmes d’apparence indigène avec des hanches et un ventre exagérés. Au lieu de cela, il s’agit d’un tour de force classique d’une femme agenouillée à la hanche et soutenue par l’avant-bras que Rodin aurait été fier de revendiquer comme la sienne.

ZUNIGA FRANCISCO

Desnudo reclinado de Dolores

21 x 43 1/4 x 21 1/2 in.

bronze à patine verte

Le déjeuner de l'artiste de la région de la Baie Roland Petersen est une huile sur toile de 1961, une année critique pour sa série de pique-niques la plus connue. Son travail de cette période est caractérisé par un empâtement épais et une couleur riche. Profondément influencé par les études de Hans Hoffman, Petersen expérimente l'abstraction, mêlant ici des styles abstraits et figuratifs. Peint lorsque Petersen avait 35 ans, Luncheon s'inscrit dans un cadre temporel qui comprend son exposition personnelle à guichets fermés en 1962 à la Staempfli Gallery de New York, son exposition personnelle à Esther-Robles à Los Angeles et la bourse Guggenheim Fellowship qui lui a permis d'étudier à Paris.

ROLAND PETERSEN

huile sur toile

MARIO CARRENO - Guitarrista - huile sur carton - 20 x 24 in.

huile sur panneau

JOAN MIRO - L'Oiseau - bronze et parpaing - 23 7/8 x 20 x 16 1/8 in.

23 7/8 x 20 x 16 1/8 in.

bronze et parpaing

Roger Brown est connu pour son imagerie personnelle et souvent fantastique et ses peintures très stylisées avec des figures et des objets qui reflètent son intérêt pour les expériences quotidiennes. Acid Rain explore des thèmes de la vie moderne et des commentaires sociaux qui reflètent le rôle de l'artiste dans la société et le potentiel de l'art à susciter le changement. D'un point de vue plus personnel, le thème des pluies acides peut symboliser des états émotionnels ou psychologiques corrosifs, tels que la dépression, l'anxiété ou le sentiment d'être dépassé par des circonstances indépendantes de sa volonté. Tout comme les pluies acides étaient un problème environnemental largement invisible mais dévastateur, la crise de l'épidémie émergente de VIH/SIDA a probablement motivé Brown à créer l'œuvre pour traiter son chagrin personnel, critiquer la réponse inadéquate des dirigeants politiques et plaider en faveur de la compassion, de la compréhension et de la recherche médicale.

48 x 72 x 2 in.

huile sur toile

La série de sculptures Bali de Frank Stella se caractérise par des formes flottantes et fluides, s’étendant dans l’espace du spectateur et invitant à l’interaction entre l’objet et son environnement. Le « dadap », un type d’arbre associé à la croissance et à la signification rituelle dans la culture balinaise, reflète la nature organique et dynamique des sculptures de Stella. En passant de l’acier inoxydable et de l’aluminium au bambou, Stella a préservé la nature essentielle de l’esthétique balinaise qui exalte des formes organiques, fluides et dynamiques dans leur espace. Dadap présente une continuité dans l’exploration thématique de Stella où l’esprit de son travail transcende la matérialité. Le métal offre une texture, une réflectivité et une interaction différentes avec la lumière et l’espace, tout en adhérant aux principes du mouvement et de l’interactivité. Il s’agit d’un transfert créatif de forme et de concept à travers différents médiums, en conservant l’esprit de l’inspiration initiale tout en permettant aux propriétés du nouveau matériau d’exprimer ces idées dans un nouveau contexte.

FRANK STELLA (EN)

66 1/2 x 50 1/4 x 19 in.

acier inoxydable et aluminium

FERNANDO BOTERO - Autoretrato a la manera de Velázquez - sanguine et crayon sur carton - 60 1/2 x 47 1/2 in.

FERNANDO BOTERO

Autoretrat à la manière de Velázquez

60 1/2 x 47 1/2 in.

sanguine et crayon sur carton

Connu pour son style de peinture distinctif qu'il appelle le "réalisme conçu", Gerald Curtis Delano a suivi la formation de N. C. Wyeth, ce qui lui a permis d'utiliser toute une gamme d'approches illustratives et expressives, toujours avec une conception minutieuse et impeccable. Reconnues pour leurs couleurs douces et modulées, leurs compositions épurées et gracieuses, et la simplicité de leurs formes, affinant chaque sujet à sa nature essentielle, des peintures telles que Navajo Camp témoignent de l'œil vif de Delano, de sa compréhension et de sa capacité à capturer les couleurs et la noblesse du mode de vie des Navajos. Comme dans la plupart de ses œuvres, le ciel occupe une grande partie de la toile, avec des personnages qui donnent de l'ampleur à la scène. Ces éléments se conjuguent pour créer un sentiment d'immensité et de sérénité.

GERARD CURTIS DELANO

23 1/2 x 29 1/2 in.

huile sur panneau

WILLIAM B. EGGLESTON - Untitled (From Election Eve) - épreuve au pigment d'archives - 32 1/2 x 48 1/4 in.

WILLIAM B. EGGLESTON

Sans titre (de la veille de l'élection)

32 1/2 x 48 1/4 in.

épreuve pigmentée archivistique

Membre de la légendaire association artistique Gutai qui a prospéré entre 1954 et 1972, Sadamasa Motonaga a émergé lorsque l'existentialisme surréaliste post-atomique était à la pointe du développement artistique au Japon. Pourtant, il a choisi une voie différente. Il a tourné le dos à la destruction causée par la guerre et a créé une œuvre fraîche, jubilatoire et ludique. Untitled" de 1966 est dans son style classique, qui s'est développé en même temps que les peintures dites "Veil" de Morris Louis. Il pourrait suggérer la crête brillamment éclairée, l'œil et le plumage tacheté d'un gallinacé, mais toute association de ce genre est probablement arbitraire et non intentionnelle. Il s'agit plutôt d'une démonstration brillamment réussie de l'approche avant-gardiste de Motonaga sur le Tarashikomi japonais traditionnel - la technique qui consiste à incliner la toile à différents angles pour permettre aux mélanges de résine et d'émail de couler les uns sur les autres avant que la peinture ne soit complètement sèche.

SADAMASA MOTONAGA

16 x 12 1/2 po.

huile sur toile

Along with its companion work, "Untitled" (1991) was on display in the lobby of Chicago's Heller International Building at 500 West Monroe Street from the building's opening in 1992 until its renovation in 2015. This painting has remained in the same private collection since its creation. <br><br>The November 2018 sale of Schnabel's "Large Rose Painting, (Near Van Gogh's Grave)" for $1.2 million at auction demonstrates a strong demand for the artist's work. This major sale was only the second-highest price paid for a Schnabel at auction: the record was set in November of 2017 when "Ethnic Type #14" sold for $1.4 million. <br><br>A recent 2018 museum exhibition, "Julian Schnabel: Symbols of Actual Life" at the Legion of Honor, Fine Arts Museums of San Francisco, featured several of Schnabel's large-scale paintings.

JULIAN SCHNABEL

huile, résine, gesso, tissu et cuir sur la toile marine

Au cours de sa longue carrière, qui s'étend sur plus de cinq décennies, Yvonne Thomas s'est distinguée par son approche distinctive, qui fusionne les qualités spontanées et émotives de l'expressionnisme abstrait avec une utilisation articulée des formes et des couleurs en tant que moyen d'expression. Yvonne Thomas considérait la couleur comme une source de joie profonde et d'énigmes complexes. Cette perspective se reflète dans son art, où elle utilise une palette variée pour évoquer et communiquer ses réactions à des thèmes naturels. Elle a peint The Tower en 1954, une année marquée par une étape importante : sa première exposition personnelle à la Hendler Gallery de Philadelphie. Un an plus tard, l'art de Thomas est exposé au Riverside Museum de New York, où ses œuvres sont présentées aux côtés d'artistes de renom tels que Franz Kline et Milton Avery.

39 3/4 x 51 1/2 in.

Ross Bleckner est un peintre américain célèbre dont les œuvres font référence à la perte, à la mémoire et au changement, comme l'exploration de la cellule pendant l'épidémie de sida ou en réponse au diagnostic de cancer de son père. L'exposition MoMA de 1965, qui a mis l'Op Art à l'avant-scène, The Responsive Eye, avec les artistes Richard Anuszkiewicz, Tadasky et Francis Celentano, a eu une profonde influence sur lui en tant qu'artiste. Cette peinture, comme ses autres œuvres immersives de grande envergure, produit un effet puissant, hypnotique et vertigineux. Esthétiquement agréables, les toiles de Bleckner explorent la perception - visuelle, émotionnelle, physique, temporelle. Bleckner fait partie de la même génération et est ami avec Julian Schnabel, David Salle, Eric Fischl et Peter Halley, qui sont tous revenus à la technique picturale sur la toile.

ROSS BLECKNER (EN)

huile sur toile de lin

Irving Norman was born in 1906 in Vilna, then part of the Russian Empire, now Lithuania. Norman's immigration to New York City in 1923 was short-lived, as he would return to Europe to fight as part of the Abraham Lincoln battalion against the Spanish dictator Francisco Franco. After the War, Norman would eventually settle in Half Moon Bay, California, where he embarked on a prolific studio practice. <br><br>Norman's work portrays the horrors of war and his firsthand knowledge of totalitarian dictatorships. Norman's work has been described as "Social Surrealism," and his grand scenes are immediate and arresting. The large-scale works of Norman truly capture the power of his lived experiences; they are as much a visual record as they are a warning for the future, intended to inspire change.

IRVING NORMAN (EN)

Scène de rue américaine

74 x 90 pouces.

huile sur toile

Manuel Neri était une figure centrale du Bay Area Figurative Movement dans les années 1960. Au lieu de formes abstraites, le groupe mettait l'accent sur l'émotion à travers la puissance de la forme humaine. La présente œuvre, "Sans titre" (1982), explore la forme féminine à l'échelle réelle. Tout au long de ses 60 ans de carrière, Neri a préféré travailler avec un seul modèle, Maria Julia Klimenko. L'absence de visage dans de nombreuses sculptures ajoute un élément de mystère et d'ambiguïté. Dans "Sans titre", la composition est axée sur la structure et la forme de la figure. Manuel Neri est représenté dans de nombreuses collections de musées à travers le monde, notamment à la Addison Gallery/Phillips Academy, à la Anderson Collection de l'université de Stanford, à l'Art Institute of Chicago, au Cantor Arts Center de l'université de Stanford, au Cincinnati Art Museum, au Crocker Art Museum de Sacramento, en Californie, au Denver Art Museum, au El Paso Museum of Art, au Texas, aux Fine Arts Museums de San Francisco, aux Harvard University Art Museums, au Hirshhorn Museum and Sculpture Garden de Washington, D. C., au Honolulu Museum of Art, à l'Université de Californie du Sud, à l'Université de Californie du Sud et à l'Université de Californie du Sud.C. ; Honolulu Museum of Art, The Metropolitan Museum of Art, New York et la National Gallery of Art, Washington, DC.

67 x 24 x 26 in.

Ed Ruscha est l'un des artistes américains les plus distingués en partie pour ses explorations des symboles de l'Americana et de la relation entre le langage et l'art. La fin est un thème cinématographique que l'artiste a utilisé dans les années 1990 et 2000, apparaissant dans des peintures, des estampes et des dessins - notamment la grande peinture de 1991 au Musée d'art moderne. Abordant le passage du temps et l'obsolescence, Ruscha utilise une police de caractères archaïque et une vieille tradition cinématographique d'utilisation du texte au cinéma. Le concept d'éphémère est renforcé par les mots eux-mêmes, La Fin, et la nature du médium lui-même ; considéré comme futuriste lorsqu'il a été développé dans les années 1960, la technologie laser pour hologrammes crée également un sentiment d'impermanence lorsque les images changent avec le mouvement du spectateur. Bien qu'il y ait un mouvement inné dans les mots et les images en mouvement, ces hologrammes représentent aussi un point final - un moment transitoire figé dans le temps.

ensemble d'hologramme en verre

LOUIS VALTAT - Vase de coquelicots - huile sur toile - 23 1/2 x 19 in.

Vase de coquelicots

23 1/2 x 19 in.

huile sur toile

Deborah Butterfield est une sculptrice américaine, surtout connue pour ses sculptures de chevaux faites d'objets en bois, en métal et autres objets trouvés. La pièce de 1981, Untitled (Cheval), est composée de bâtons et de papier sur armature métallique. L'échelle impressionnante de cette pièce crée un effet remarquable en personne, présentant un exemple frappant du célèbre sujet de Butterfield. À l'origine, Butterfield a créé les chevaux à partir du bois et d'autres matériaux trouvés sur sa propriété à Bozeman, au Montana, et a vu les chevaux comme un autoportrait métaphorique, exploitant la résonance émotionnelle de ces formes.

DEBORAH BUTTERFIELD (EN)

Sans titre (Cheval)

100 x 157 x 36 po.

bâtons et papier sur l'armature de fil

"A drawing is simply a line going for a walk."<br>-Paul Klee<br><br>A significant draftsman, Paul Klee's works on paper rival his works on canvas in their technical proficiency and attention to his modern aesthetic. As an early teacher at the Bauhaus school, Klee traveled extensively and inspired a generation of 20th Century Artists. <br><br>Klee transcended a particular style, instead creating his own unique visual vocabulary. In Klee's work, we see a return to basic, geometric forms and a removal of artistic embellishment. "Der Hafen von Plit" was once owned by Alfred H. Barr, Jr., the First Director of the Museum of Modern Art, New York.

le port de Plit

14 1/4 x 19 1/2 in.

plume et encre sur papier vergé, monté sur papier vélin

RODOLFO MORALES - Sans titre - huile sur toile - 37 1/4 x 39 1/4 in.

RODOLFO MORALES

37 1/4 x 39 1/4 in.

huile sur toile

LE PHO - Fleurs - huile sur toile - 28 3/4 x 21 1/4 in.

28 3/4 x 21 1/4 in.

huile sur toile

Façonné par son Italie natale et l’Amérique d’adoption, Joseph Stella a exploré une gamme extraordinaire de styles et de médiums dans des œuvres d’une diversité et d’une originalité étonnantes. En 1911, Stella surfe sur la vague avant-gardiste des tendances fauvistes, cubistes et futuristes, mais il est le seul moderniste américain à vivre au jour le jour avec les maîtres anciens italiens. La pose et le traitement de « Nu couché » sont liés à une série d’œuvres que Stella a peintes dans les années 1920 représentant des femmes séduisantes provenant de sources mythologiques ou fantastiques telles que « Léda et le cygne » et Ondine, une belle nymphe de l’eau d’un conte de fées allemand romantique populaire du XIXe siècle. Représenté sans imagerie florale ou symboliste, Nu couché, peint dans les années 1930, reflète mieux cette période qui donne à réfléchir.

50 x 52 1/2 in.

huile sur toile

MARC QUINN - Lovebomb - photo laminée sur aluminium - 108 1/4 x 71 3/4 x 37 3/4 in.

108 1/4 x 71 3/4 x 37 3/4 in.

photo laminée sur aluminium

FRITZ SCHOLDER - Portrait américain n° 14 - huile sur toile - 40 x 30 in.

Portrait américain n° 14

huile sur toile

A veteran of the battle of Verdun, Fernand Leger witnessed the horror and staggering loss of over 1 Million of his fellow countrymen during World War I. This horrific experience of fighting in the trenches of Europe left an indelible mark on the artist. The modern and mechanized aspects of this new form of warfare, with tanks, modern artillery, and gruesome tactics, inspired Leger to create some of his greatest masterpieces. <br><br>The Present drawing, executed in 1930, is a relic from the decade following the First World War. Untitled (1930) was purchased from the Katherine Kuh galley in Chicago- and has been impeccably preserved by the family of the original purchaser. It is exceedingly rare to find drawings like Untitled outside of Museum collections.

8 1/4 x 11 3/4 in.

fusain sur papier

The essential and dramatic declaration “Let there be light” of Genesis is not so far removed from Mary Corse’s recollection of the moment in 1968 when the late afternoon sun electrified the reflective road markings of Malibu as she drove east. In an instant, the glowing asphalt markings provided the oracle she needed to realize she could ‘put light in the painting and not just make a picture of light’. Using the same glass microbeads utilized by road maintenance services, she layers and embeds the prismatic material in bands and geometric configurations creating nuanced glimmering abstract fields which shift as the viewer moves in relationship to the work. Move to one side and dimness brightens to light. Walk back and forth and you might feel a rippling effect from its shimmering, prismatic effects.<br><br>A photographic image of a Mary Corse microsphere painting is not only a dull representation, but it also misses the point – it is experience dependent art that requires participation to ‘be’. Of course, “Untitled” (1975) defies that one-point static perspective and instead, depends upon a real time, interactive art experience which heightens awareness of the body in space as the viewer experiences shifts of retinal stimulation, sensation and feeling. It is a rare bird. Unusually petite at two-foot square, its design, geometry and color belie her earlier revelation that led to a devotion to her usual reductive palette. Instead, it is a bold statement in sequined color, its center field bounded at the corners by a sparkling red stepped motif that separates it from its starry night sky corner spandrels. It may not include a star motif, but it has the glamour and presence that belongs along Hollywood’s Walk of Fame.

acrylique et poussière de diamant sur toile

Richard Tuttle est un artiste postminimaliste américain pionnier. Le travail de Tuttle est conceptuel et méditatif, traversant les frontières de la sculpture, de la peinture et de la poésie, et mettant souvent le spectateur au défi. Untitled (Cloth and Paint Work #2) de 1973, une période charnière dans la carrière de l'artiste, évoque le minimalisme antérieur de sa carrière tout en poussant vers l'art conceptuel basé sur la matière. Dans l'œuvre, il rend hommage aux ready-made de Marcel Duchamp. Les textiles, comme dans cette pièce, jouent un rôle important dans son œuvre et deviennent des lieux sur lesquels il faut concentrer la performance, l'engagement et la signification.

Sans titre (Œuvre de tissu et de peinture n° 2)

15 1/2 x 16 po.

corde et huile sur toile

Jaudon was one of the founders of the Pattern and Decoration movement. With a foundation of feminist theory, Jaudon repositioned what were considered trivial art forms and minor visual images. These forms and symbols were relegated because of their association with the feminine or non-Western. <br><br>At the same time, Palmyra exemplifies the ability of Jaudon to create aesthetically beautiful works. Jaudon interweaves shades of red into ornate arabesques recalling gothic stonework, celtic knots, and Islamic calligraphy. The crispness of the lines against the impasto and the layering of red tones makes it appear that the lines are carved like stone.

huile sur toile

Magic Wands is a 2004-2005 creation by India’s most renowned contemporary artist, Subodh Gupta. The work seamlessly blends a sculptural approach with an installation art aesthetic to create a statement on his heritage and universal themes. Since Gupta’s first installation in 1996, “Twenty-nine Mornings,” the artist has been driven to incorporate daily, utilitarian objects into his work. Bicycles, wands, pans all play heavily in the work of Gupta. <br><br>Gupta’s work often reflects the economic transformations in India- and provides a view into the lives of those whose lives are changed by the rise of the country as a global economic power. Gupta is widely collected as the pre-eminent Indian Contemporary artist. His work is included in the permanent collections of the MFA Houston and Victoria and Albert Museum, London, among many others.

Baguettes magiques 6

62 x 1 7/8 x 1 7/8 in. ea.

aluminium chromé

Parmi le groupe d'artistes japonais Gutai qui s'est formé dans les années 1950, aucun n'a travaillé aussi rapidement et sans crainte que Kazuo Shiraga. Ses peintures se caractérisent par des coups de pinceau dynamiques et gestuels, souvent réalisés de manière non conventionnelle. Shiraga est célèbre pour avoir utilisé son corps comme outil de peinture, appliquant souvent la peinture sur la toile ou le papier avec ses pieds, tout en étant suspendu à une corde. Les textures sont généralement épaisses, mais toujours très tactiles, avec des couches de peinture qui ajoutent de la profondeur et de la physicalité à l'œuvre. D'autre part, Taki s'appuie sur des traînées brutes de couleurs bigarrées, évoquant une énergie débridée et un sentiment de liberté et de rébellion pour lequel il est connu, défiant les conventions artistiques traditionnelles et repoussant les limites de l'expression créative.

10 3/4 x 8 5/8 in.

huile sur toile

ARMAND GUILLAUMIN - Roquebrune, Le Matin - huile sur toile - 25 x 31 1/4 in.

ARMAND GUILLAUMIN

Roquebrune, Le Matin

25 x 31 1/4 in.

huile sur toile

"Ray Gun became a catch title for all sorts of things. Looking down on the street, I would find this angle in the shape of a ray gun everywhere. And I would collect the ray guns. They became quite an obsession."<br>-Claes Oldenburg<br><br>"Two Ray Guns" (1964) was initially sold through the venerable Sidney Janis Gallery. The work draws upon Oldenburg's keen observational sense and fascination with science fiction and popular American culture. The fascination with Ray Guns became a conceptual art practice for Oldenburg; he would not construct them in the traditional sense but instead, find objects that could be reduced into the form. Ray Gun Examples exist in plastic, bronze, plaster, and many different media. <br><br>Our example from the Ray Gun series has been in the same important American collection for many years. Several examples from this series are in prominent museum collections worldwide, including the Museum of Modern Art, New York.

CLAES OLDENBURG

Deux pistolets à rayons

25 x 21 x 2 in.

plâtre peint et acrylique coloré

FRANCIS CELENTANO - Unités ondulantes - acrylique sur toile - 36 x 90 po.

FRANCIS CELENTANO

Unités ondulantes

acrylique sur toile

Nathan Olivera est souvent associé aux peintres figuratifs de la Bay Area en Californie, mais en réalité, son travail révèle son intérêt pour Willem de Kooning, Alberto Giacometti et Francis Bacon. Ces influences sont des caractéristiques marquantes de Nude Stepping from the Carpet. Peint alors qu'Olivera avait une trentaine d'années, c'est exactement le genre de tableau qui a établi sa première réputation pour ses représentations obsédantes de figures isolées peintes dans un style improvisé. Le travail ultérieur d'Oliveira reflète le commentaire influent de de Kooning concernant le défi de peindre des souvenirs visuels et de créer des figures ayant une présence ténue, mais la forte ligne d'horizon qui sous-tend ce paysage confère à la figure une présence plus corporelle qu'à l'accoutumée.

NATHAN OLIVEIRA (EN)

Nu sortant du tapis

huile sur toile

Ed Moses a été une figure importante de la scène artistique de Los Angeles pendant près de 70 ans. Il a exposé pour la première fois en 1949 et a fait partie du groupe original d'artistes de la Ferus Gallery en 1957 - Ed Ruscha, un autre artiste de Cool School, y a également exposé pour la première fois en solo en 1963. La formation à grande échelle et tryptique de "Franco-Del #1 & #3" de 2006 est rare pour Moïse. La pièce est exécutée dans des tons de terre marron, gris, noir, rouille et vert pin. Travaillant toujours avec le processus et expérimentant avec les matériaux en tant que peintre, Moïse a été loué par la critique pour sa composition audacieuse et son innovation.

Franco-Del No. 1 & No. 3

79 1/2 x 110 1/2 po (79 1/2 x 110 1/2 po)

acrylique sur toile

JOSEPH KLEITSCH - Cloîtres de mission, San Juan Capistrano - huile sur toile - 22 1/8 x 27 po.

JOSEPH KLEITSCH (EN)

Cloîtres de la Mission, San Juan Capistrano

22 1/8 x 27 po.

huile sur toile

EDGAR ALWIN PAYNE - Bateaux vénitiens à Sotto Marino - huile sur panneau - 23 3/8 x 26 1/4 in.

EDGAR ALWIN PAYNE

Bateaux vénitiens à Sotto Marino

23 3/8 x 26 1/4 in.

huile sur panneau

MARILYN MINTER - After Hours - épreuve chromogène - 85 1/2 x 55 3/4 in.

Après les heures de travail

85 1/2 x 55 3/4 in.

empreinte chromogène

Les photographies d'Ansel Adams sont © The Ansel Adams Publishing Rights Trust. Reproduction autorisée.

Aspens, nord du Nouveau-Mexique

15 1/4 x 19 1/4 in.

épreuve à la gélatine argentique

La sculpture de saule de Harry Bertoia résonne comme une expression de grâce et de délicatesse, des qualités qui démentent les associations habituelles que nous avons avec les propriétés intrinsèques de l'alliage dont elle est faite. Cette version suspendue - la rare version de Willow - semble avoir une présence consciente d'elle-même, qui se réjouit de ce contraste de propriétés. Pourtant, elle n'invite rien de plus qu'un plaisir existentiel à la regarder. Pensez à Willow comme une version audacieusement articulée de Calder si ce dernier maître avait une évocation plus organique ou corporelle à l'esprit. Suspendue, elle commande sa zone tout en respectant sa relation spatiale avec son environnement. Lumière, forme, espace - ce sont les outils conceptuels du sculpteur. Mais qui d'autre penserait à utiliser un matériau réfléchissant plus facilement associé à l'inflexibilité et à la force du tenseur pour créer un bouquet de brins d'acier inoxydable en cascade, suspendus dans l'espace, ressemblant à une fleur et d'une beauté si gracieuse ?

Sans titre (Suspended Willow)

123 x 39 x 39 in.

fil d'acier et d'acier

TADASUKE (Tadasky) KUWAYAMA - B-139 - acrylique sur toile - 47 x 47 po.

TADASUKE (Tadasky) KUWAYAMA

acrylique sur toile

Op Art evolved as an alternative trend in painting to the abstract expressionist movement of the 1950s. The genesis of the movement was in the 1960s, when artists such as Victor Vasarely, Bridget Riley, and Richard Anuszkiewicz embraced a more structured and geometric approach to their painting, often using visual tricks to create a sense of movement. While the artistic and spiritual predecessors to OP Art, such as Josef Albers (!888-1976), utilized a softer and more subdued approach, the Op Artists were using bold, large-scale works with variable dimensions to create their visual statement. <br><br>A student of Albers, Richard Anuszkiewicz, used enamel and acrylic paint on wood in such a way to create his uncompromising and exact compositions. A great sense of action can be felt in the present work, "Translumina". The sister piece to "Translumina," "Translumina II" (1986), is in the permanent collection of the Albright-Knox Art Gallery, Buffalo.

RICHARD ANUSZKIEWICZ

acrylique sur bois

SE OK SUH - Sans titre - lavis d'encre sur papier - 40 x 44 in.

lavis d'encre sur papier

Richard Diebenkorn a expliqué un jour : "Toutes les peintures partent d'une humeur, d'une relation avec les choses ou les gens, d'une impression visuelle complète." Connu pour son rôle déterminant dans le mouvement d'art figuratif de la Bay Area, un contre-pied à l'abstraction dominant le New York d'après-guerre, Diebenkorn a souvent oscillé entre figuration et abstraction. En 1952, il accepte un poste de professeur à l'université de l'Illinois à Urbana pour une année universitaire. Il y enseigne le dessin aux étudiants en architecture et utilise l'une des chambres de sa maison comme atelier. Cette période de 1952 à 1953, connue sous le nom de série Urbana, est une période productive et charnière dans le développement du style de Diebenkorn. Son exploration novatrice de la figuration à travers l'abstraction a débuté au cours de ces premières années cruciales et s'est pleinement concrétisée dans sa célèbre série Ocean Park à la fin des années 1960 et dans les années 1980.

RICHARD DIEBENKORN

Sans titre (Série Urbana)

13 7/8 x 11 in.

encre sur papier

La suite de quatre hologrammes en verre de Chuck Close représente une intersection fascinante entre son exploration permanente de l'autoportrait et son intérêt pour les médiums artistiques novateurs. L'autoportrait est une pierre angulaire de l'œuvre de Close, qui lui permet d'explorer en profondeur les subtilités de l'identité humaine et le processus de création artistique. Les hologrammes changent en fonction de la position du spectateur et créent une expérience dynamique, faisant écho aux œuvres pixellisées de Close, mais avec une présence physique supplémentaire. Holography démontre l'engagement de l'artiste à faire évoluer son langage artistique, en combinant habilement le portrait traditionnel avec les avancées technologiques modernes pour défier et redéfinir continuellement les limites de la représentation visuelle.

14 x 11 in. ea.

suite de 4 hologrammes en verre

LARRY BELL - Patriots Throne - huile et métal sur toile - 63 x 41 1/2 x 1 1/4 in.

Trône des Patriotes

63 x 41 1/2 x 1 1/4 in.

huile et métal sur toile

Wayne Thiebaud est largement admiré en tant que peintre. Pourtant, son talent de dessinateur est tout aussi convaincant et particulièrement évident dans la lithographie, un médium autographique célèbre pour documenter chaque geste d’un artiste. Comme Paint Cans le démontre pleinement, la lithographie offre également la liberté de superposer les textures et les couleurs pour obtenir une représentation astucieuse des intentions articulées d’un artiste. Dans la composition, « Paint Cans » montre le sens aigu de l’ordre de Thiebaud, qui met l’accent sur les points focaux et les lignes directionnelles qui démontrent les façons uniques dont il peut mettre en valeur un groupe d’objets du quotidien. C’est encore une autre œuvre qui étonne le spectateur par sa technique et ses compétences très détaillées.

Bidons de peinture

38 3/4 x 29 1/8 in.

lithographie en couleurs sur papier vélin

"Bouquets de Fleurs" (1901) is a glowing Post-Impressionist still life. As the revolutionary wave of Impressionism receded from its apex, artists such as Henri Manguin, Henri Matisse, Kees van Dongen, Louis Valtat, and others emerged as part of the new avant-garde in Europe. These “Fauves,” or roughly translated “wild beasts,” would attack their canvases with a bold and vibrant new palette. This completely new way of painting was not initially celebrated by critics, or the artistic elite, but is today recognized among the most innovative and original artistic movements of the 20th Century. <br><br>The present work, painted just before the revolution of Fauvism took hold, demonstrates a critical transitionary period in Modern Art. The subject is depicted with a masterful compositional sense and attention to spatial relationships. Manguin’s competency in composition would allow him to experiment freely with color during the first decade of the 20th Century. The slightly later but comparable Manguin still life “Flowers” (1915) is in the permanent collection of the Hermitage Museum, St. Petersburg, Russia.

Bouquets de fleurs

25 7/8 x 21 5/8 in.

huile sur toile

JAN JOSEPHSZOON VAN GOYEN - Paysage de rivière avec un moulin à vent et une chapelle - huile sur panneau - 22 1/2 x 31 3/4 in.

JAN JOSEPHSZOON VAN GOYEN

Paysage de rivière avec un moulin à vent et une chapelle

22 1/2 x 31 3/4 in.

huile sur panneau

SALOMON VAN RUYSDAEL - Paysage de dunes avec des personnages au repos et un couple à cheval, vue sur la cathédrale de Nimègue - huile sur toile - 26 1/2 x 41 1/2 in.

SALOMON VAN RUYSDAEL

Un paysage de dunes avec des personnages se reposant et un couple à cheval, avec une vue sur la cathédrale de Nimègue au loin

26 1/2 x 41 1/2 in.

huile sur toile

DAVID MORRIS - Voyage - acier inoxydable, base en acier - 132 x 36 x 48 po.

DAVID MORRIS (EN)

132 x 36 x 48 po.

acier inoxydable, base en acier

Lorsque Dorothy Hood est retournée à Houston en 1962, à sa grande joie, la NASA a fait une annonce capitale : le nouveau Spacecraft Center serait à Houston. L’idée de voyager dans l’espace a résonné avec son intérêt de longue date pour la cosmologie, et l’aspiration héroïque à réaliser un atterrissage sur la lune a ouvert quelque chose chez l’artiste. Cette nouvelle frontière a influencé son travail et l’a encouragée à travailler plus grand. Elle a admis : « La découverte de ce que je pouvais faire avec (de grandes toiles) est la chose la plus importante qui me soit jamais arrivée dans ma vie de peintre. » Bien que Space Signals soit un tour de force de peinture de champ de couleur, son langage visuel provient d’autres sources : des images périodiques de sondes spatiales, d’objets astronomiques et de ses nombreuses conversations avec des scientifiques et des astronautes qui ont stimulé son imagination. Elle a créé ces zones d’une beauté ravissante, finement peintes, de teintes bleu phtalo vaporeuses sur les ailes de cette inspiration.

Signaux spatiaux

huile sur toile

OLAF WIEGHORST - Apaches - huile sur toile - 20 x 24 in.

huile sur toile

Carl Andre est un artiste américain qui a aidé à la sculpture minimaliste pionnière et a été l'époux de la célèbre et célèbre artiste Ana Mendieta. Il s'agit d'un texte classique du début des années 1960, typique de ses poèmes qui sont composés en sélectionnant des mots individuels à partir de textes sources, puis en les classant sur la page selon des critères simples et évidents, qui, dans ce cas, est par ordre alphabétique. L'aviateur Charles Lindbergh a profondément fasciné Carl André qu'il a retrouvé comme source pour sa poésie. Cette œuvre avec sa répétition structurée comme ses célèbres sculptures reflètent le minimalisme et le post-minimalisme qui ont émergé dans les années 1960 et 1970 avec Christopher Knowles, poète du béton.

Cinq cents termes pour Charles A. Lindbergh

encre sur papier sur carton

Signed, titled and dated ‘81 verso<br>JR-198-81

Nouvelle synthèse n° 15

acrylique sur toile

Né en 1944, Thomas Nozkowski crée de petites peintures richement colorées qui reflètent les influences dichotomiques des expressionnistes abstraits et des réfugiés du Bauhaus avec lesquels il a étudié à la Cooper Union. À l'aide d'un petit pinceau, il gratte et frotte la peinture d'une manière qui s'inscrit dans l'œuvre finale. Il a développé un vocabulaire distinctif et étendu, déployant des formes géométriques de type biomorphique dans des combinaisons de couleurs variées et un large éventail d'associations : carrelage, grappes de cellules, architecture et espace. Souvent, elles sont distillées à partir de ses propres souvenirs et expériences. Nozkowski a commenté cette peinture spécifique (Sans titre, 1994) en disant qu'elle reflétait sa fascination pour les scènes mythologiques peintes sur les panneaux de commodes en cassone de la Renaissance. Il a déclaré qu'il s'agissait du meilleur des trois ou quatre panneaux de 15" x 30" de cette série. Nozkowski a été manipulé pendant de nombreuses années par la galerie Pace. Il est décédé en 2019.

THOMAS NOZKOWSKI

huile sur toile sur panneau

LEONID LAMM - State Power - huile sur toile - 68 3/8 x 66 x 1 po.

Pouvoir de l'État

68 3/8 x 66 x 1 po.

huile sur toile

Provenance:<br>Purchased in 1985 from The Gallery Wall<br>Private Collection, CA

Tewa Plaza à First Mesa

huile sur toile

JOANNA POUSETTE-DART - Sans titre (Étude du désert rouge) - acrylique sur panneau de bois - 33 1/2 x 42 x 3/4 in.

JOANNA POUSETTE-DART

Sans titre (étude du désert rouge)

33 1/2 x 42 x 3/4 in.

acrylique sur panneau de bois

SETH KAUFMAN - Lignum Spire - bronze à patine verte - 103 1/2 x 22 x 17 in.

La flèche de Lignum

103 1/2 x 22 x 17 in.

bronze à patine verte

Karl Benjamin et ses pairs Lorser Feitelson, Frederick Hammersley et John McLaughlin occupent une place à part dans l'histoire de l'art abstrait américain. Connus pour leurs formes géométriques précises et leurs bords nets soulignant la planéité, ils sont les peintres californiens de la "Hard Edge" qui ont émergé à la fin des années 1950. Contrairement à Ellsworth Kelly, par exemple, leurs œuvres reflètent une luminosité, une clarté et une palette qui suggèrent l'environnement naturel et bâti de la Californie plutôt que les influences plus urbaines et industrielles ressenties sur la côte est. En outre, comparé à la scène artistique compétitive de la côte Est, le groupe californien était une communauté d'artistes relativement petite et soudée, avec un sens de la collaboration et de l'exploration partagée qui a contribué à un mouvement cohésif avec une identité distincte.

KARL BENJAMIN (EN)

huile sur toile

ELAINE DE KOONING - Le Matador - gouache sur papier - 7 3/4 x 9 1/2 in.

ELAINE DE KOONING

7 3/4 x 9 1/2 in.

gouache sur papier

FIONA RAE - Sans titre (jaune, rouge + brun) - huile sur toile - 72 x 78 in.

Sans titre (jaune, rouge + brun)

huile sur toile

ARNE HIERSOUX - Sans titre - acrylique et papier sur toile - 71 x 94 po.

acrylique et papier sur toile

ROBERT NATKIN - Apollo XL - acrylique sur toile - 88 x 116 1/4 po.

88 x 116 1/4 po.

acrylique sur toile

WILLIAM WENDT - Paysage de Californie - huile sur toile - 23 1/2 x 31 3/4 in.

Paysage de Californie

23 1/2 x 31 3/4 in.

huile sur toile

Born in Onomichi in Hiroshima Prefecture, Teraoka studied at what is now Otis College of Art and Design in Los Angeles. His works are inspired by Japanese Ukiyo-e woodcut prints. However, Teraoaka infuses the style and techniques of the traditional art with American Pop Art. The mass-produced nature of Japanese woodcut prints alligns with the obsession with mass production and consumption of Pop Art. Additionally, Ukiyo, meaning “the floating world” in Edo period Japan reflected the transitory nature of Kabuki theater and pleasure houses. This transitory sense of consumerism and pleasure was also evoked in the works by Pop Artists. Teraoka’s works are a collision of two cultures and histories of art finding affinities through similar themes.<br><br>Teraoka’s pieces blend humor and social commentary. He has often touched upon subjects as diverse and urgent as the AIDs crises, consumerism, the attacks on September 11th, and more. Teraoka notes of his own work, “Integrating reality with fantasy, humor with commentary, and history with the present became my challenge.”<br><br>Works by Teraoka can be found in the Tate Modern, the Metropolitan Museum of Art, the San Francisco Museum of Modern Art, the Smithsonian, the Los Angeles County Museum of Art, the Walker Art Center, and more.

Série de vagues / Femme tatouée à Sunset Beach

14 7/8 x 10 in.

aquarelle sur papier

FRANCIS PICABIA - Trois personnages nus - crayon de couleur noir sur papier chamois - 11 1/2 x 8 in.

FRANCIS PICABIA

Trois personnages nus

crayon de couleur noir sur papier chamois

FRANK TENNEY JOHNSON - Scouting - huile sur toile - 13 1/2 x 17 in.

FRANK TENNEY JOHNSON

13 1/2 x 17 in.

huile sur toile

"Interior" est l'une des compositions les plus modernes de Maurice Askenazy, évoquant l'œuvre de Bonnard ou de Vuillard. La scène intime montre une femme modèle nue, vue de profil, posant pour un peintre dans un studio ensoleillé. La porte de la salle est ouverte, donnant l'impression que le spectateur vole un aperçu d'une interaction privée entre l'artiste et le modèle. Un miroir astucieusement placé au dos de la porte ouverte révèle le reflet du peintre, que nous sommes censés prendre pour Askenazy lui-même, au travail. Askenazy prend grand soin de représenter les détails de la pièce, du pouf à motifs aux peintures encadrées sur les murs, chacune une mosaïque de couleur impressionniste.

MAURICE ASKENAZY

Nu avec paravent japonais

huile sur toile

PORtails de maître - Sans titre (revêtement de sol) - ciment blanc, débris, revêtement de sol - 35 x 35 x 35 x 3 po.

Sans titre (revêtement de sol)

35 x 35 x 35 x 3 po.

ciment blanc, débris, revêtement de sol

Robert Rauschenberg, along with Jasper Johns, Andy Warhol, and Roy Lichtenstein, started the revolution of Pop Art in the 1960s. Rauschenberg's later career was a time for the artist to work on experimental and innovative projects, including the 1993 "Prime Pump from ROCI USA (Wax Fire Works Series)." This series comes from the artist's philanthropic project, "ROCI USA," demonstrating "Rauschenberg's belief in the power of art as a catalyst for positive social change." The reference to "wax fire" in the title is Rauschenberg's term for encaustic - hot wax with colored pigments - which he used in other works from the series. <br><br>Executed in a small edition of just 17 examples, this piece incorporates printmaking, a medium to which he often returned to explore new modes for layering imagery. Rauschenberg worked on editions since the early 1960s when he was a fixture at the ULAE and Gemini G.E.L. printshops. Rauschenberg's printmaking and editioned works were an extension of the creative act for the artist; he could achieve sculptural and 3D effects through his editions.

ROBERT RAUSCHENBERG

Prime Pump de ROCI USA (Wax Fire Works Series)

63 1/2 X 44 1/4 IN.

sérigraphie couleur sur papier et Lexan

ROBERTO MATTA - L'epreuve - huile sur toile - 29 1/2 x 25 1/2 in.

ROBERTO MATTA (EN)

29 1/2 x 25 1/2 in.

huile sur toile

The Arts and Crafts Movement in Great Britain and the corresponding ripples that made their way across the Atlantic Ocean were felt in the work of Jesse Arms Botke (1883-1971). Botke was born in Chicago, Illinois but found her home in California, where she had a successful career working first in Carmel and later in Southern California. <br><br>Rich textures, extensive use of gold leaf, and highly stylized birds would become synonymous with Botke's mature work as she established herself as one of the West Coast’s leading decorative mural painters of the 20th century.<br><br>"The White Peacock" (1922) shows an idyllic landscape with Botke's signature bird subject matter; the white peacock and cockatoos were among her favorite aviary subjects. Her work today can be found in countless museum collections, including the Art Institute, Chicago.

JESSIE BRAS BOTKE

huile sur toile

HASSEL SMITH - 9000 et 9 Nuits - acrylique et graphite sur toile - 68 x 68 1/8 po.

9000 et 9 Nuits

68 x 68 1/8 po (68 x 68 1/8 po)

acrylique et graphite sur toile

Bien qu'il ne soit pas considéré comme un peintre d'action, Chiyu Uemae est connu pour plusieurs approches qui se concentrent sur la forme, la texture et le jeu des couleurs. Comme dans le présent exemple, Sans titre, il applique souvent le pigment à l'aide d'un couteau à palette, créant ainsi des couches texturées qui permettent à des morceaux de couleur de briller comme des joyaux enfouis juste sous la terre. Avant de rejoindre le groupe Gutai, Uemae a étudié le Nan Ga, l'école méridionale de peinture chinoise, et il reconnaît que son expérience immersive dans le style de teinture de Kyoto et sa discipline de couture ont influencé son style mature. Le travail d'Uemae explore la matérialité de la peinture et les possibilités de la toile, reflétant un engagement profond avec l'acte de peindre lui-même.

31 3/8 x 19 3/4 in.

huile sur panneau

DONALD SULTAN - Tulipe jaune n° 18 - huile et goudron sur papier - 20 x 20 in.

DONALD SULTAN (EN)

Tulipe jaune n° 18

huile et goudron sur papier

HENRY MOORE - Têtes d'empereur - bronze à patine brune - 6 3/4 x 8 1/4 x 4 1/2 in.

HENRY MOORE (EN)

Les têtes de l'empereur

6 3/4 x 8 1/4 x 4 1/2 in.

bronze patiné marron

FRANCISCO TOLEDO - Sans titre - Technique mixte sur papier - 8 x 10 1/4 po.

TOLÉO FRANCISCO

techniques mixtes sur papier

Hand blown glass with multiple incalmo of colored glass and filligrana. Switching the axel of the glass bubble and adjoining two glass bubbles with raticallo technique. Engraved partially on the surface with different patterns.<br><br>Lino Tagliapietra, a native to Murano, is one of the world's preeminent glass artists.

TAGLIAPIETRA LINO

13 x 11 x 3 po.

KAREL APPEL - Tête dans la tempête - huile sur toile - 10 x 14 1/4 in.

La tête dans la tempête

10 x 14 1/4 in.

huile sur toile

LEROY NEIMAN - Cavalier équestre - technique mixte sur papier - 22 x 28 in.

Cavalier équestre

techniques mixtes sur papier

PABLO PICASSO - La Danse - assiette en céramique blanche, partiellement gravée, avec engobe et glaçure colorés - 12 1/2 x 15 in.

12 1/2 x 15 in.

assiette en céramique blanche pour couverts, partiellement gravée, avec engobe et glaçure colorés

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L'éducation

L'éducation est de la plus haute importance chez Heather James Art Advisory. Que vous soyez un collectionneur chevronné ou débutant, nous visons à évoluer avec nos clients et nous croyons fermement à la fourniture d'informations et de conseils pour aider nos clients à apprendre et à cultiver leurs intérêts en matière d'art.

Curation

Heather James Art Advisory met à profit des décennies d'expérience en matière de conservation, grâce aux conseils de notre équipe de conservateurs principaux qui ont organisé des expositions dans le monde entier, dans des musées, des galeries et des résidences privées. En associant des éléments esthétiques et historiques de l'art, nous aiderons votre collection et votre maison à refléter vos intérêts artistiques.

Logistique

HJ Art Advisory fournit une logistique complète lors de la manipulation, du transport et de la supervision des œuvres d'art de nos clients. Notre surveillance porte sur tous les aspects de l'entretien de l'œuvre d'art. Nous supervisons chaque étape du processus de transport, d'installation et de stockage des œuvres d'art. Nous conseillons et facilitons la conception de l'encadrement, l'éclairage, les exigences en matière de sécurité, la conservation et l'évaluation de l'état des œuvres.

Documentation

Lors de l'achat d'œuvres d'art, HJ Art Advisory recherche la provenance de l'œuvre et demande au vendeur de lui fournir des déclarations et des garanties selon lesquelles le vendeur détient un titre de propriété valable et que l'objet est libre de tout privilège, de toute réclamation et de toute charge.
HJ Art Advisory demandera une indemnisation pour le remboursement intégral de l'œuvre d'art en cas de violation de la garantie (éventuellement inclure cette ligne ???).
Ventes privées et processus d'enchères : Les informations essentielles à saisir sont les suivantes : Artiste, titre de l'œuvre, date, support, dimensions, prix, image, entité de l'offre, provenance, certificats, facture (si possible), rapport d'état, privilèges, litiges, titre de propriété.

Prêts aux musées

Heather James a eu l'honneur de faciliter les prêts aux plus grands musées du monde, notamment le MoMA, le Centre Pompidou et bien d'autres encore. HJ Art Advisory s'occupe de toutes les formalités administratives et logistiques nécessaires pour nos collectionneurs qui décident de prêter une œuvre d'art à une exposition muséale.

Authentification

HJ Art Advisory applique les normes les plus strictes en matière de diligence raisonnable par le biais d'enquêtes, de recherches et de vérifications de la provenance des objets avant leur acquisition, afin de s'assurer qu'un titre de propriété clair peut être obtenu. Ces recherches comprennent, sans s'y limiter, la détermination des éléments suivants

Historique de la propriété de l'objet
Pays dans lesquels l'objet a été localisé et quand.
Historique de l'exposition de l'objet
Historique de la publication de l'objet
Toute revendication de propriété, si elle a été faite
Bases de données d'objets volés en rapport avec l'objet
Les circonstances dans lesquelles l'objet est offert
Sources de recherche pertinentes, y compris Le registre des pertes d'œuvres d'art ou d'autres bases de données.
Garantie et déclaration d'indemnisation du vendeur, assurant que le vendeur possède un titre de propriété valide et que l'objet est libre de tout privilège, réclamation ou charge.
Recherche et documentation sur l'époque nazie et la Seconde Guerre mondiale, conformément aux lignes directrices relatives à l'acquisition d'objets susceptibles d'avoir séjourné dans l'Europe occupée par les Allemands entre 1933 et 1945.

Finances

HJ Art Advisory assiste ses clients dans le cadre de prêts garantis par des actifs, de l'achat d'œuvres d'art pour des trusts et de la planification successorale. Nous offrons notre expertise sur le marché de l'art afin de positionner au mieux nos clients lorsqu'ils prennent des décisions pour leur collection. Nous travaillons avec les successions, les équipes juridiques et les conseillers financiers pour soutenir au mieux nos clients et leurs objectifs.
Heather James Fine Art n'est pas un conseiller agréé en matière d'investissement, de droit ou de fiscalité. Toutes les opinions financières et d'investissement exprimées par Heather James Fine Art sont des opinions basées sur des recherches personnelles. Les performances passées ne constituent pas une garantie de rendement futur et ne sont pas nécessairement indicatives des performances futures.

Ventes et acquisitions

HJ Art Advisory se concentre sur la recherche d'œuvres d'art pour des acquisitions potentielles à partir de ventes privées, de maisons de vente aux enchères et de commandes d'artistes. HJ Art Advisory surveille en permanence le marché privé et public à la recherche d'œuvres d'art importantes qui intéressent nos clients et qui enrichiront leurs collections. Nous négocions la vente ou le prix de vente au nom d'un collectionneur afin d'obtenir la meilleure transaction possible pour nos clients.

Valeur et assurance

Le groupe HJ Art Advisory évalue les collections d'œuvres d'art en vue de leur évaluation par les assurances, de leur acquisition et de leur cession. Cela implique des recherches approfondies sur l'analyse du marché de l'art privé et public afin de déterminer la valeur.

Connaissance

HJ Art Advisory travaille avec et pour le compte de clients qui développent de nouvelles collections ou qui possèdent des collections bien établies, en leur fournissant des conseils et une offre de services approfondie. Nos connaissances et notre expérience approfondies, ainsi que nos nombreuses années d'expérience dans le secteur de l'art, permettent à notre personnel hautement qualifié et expérimenté de fournir des conseils et des orientations à de multiples niveaux.

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