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Visite guidée de la galerie Palm Desert - Art d'après-guerre et contemporain

Mai 2021

nouvelles

Pour notre 25e anniversaire, nous sommes ravis de continuer à présenter des œuvres d'art rares et de premier ordre d'artistes estimés tels que Elaine de Kooning, Adolph Gottlieb, Agnes Martin et Joan Miro. Au cours des 25 dernières années, Heather James Fine Art s'est développée en un réseau mondial avec des galeries et des cabinets de conseil à travers les États-Unis et l'Europe. Rien qu'en 2020, Heather James Fine Art a placé 382 œuvres d'art dans de nouvelles collections à travers le monde, et nous sommes fiers de continuer à conseiller d'autres personnes dans le développement de leurs collections.

ÉCHANTILLONNAGE D'ŒUVRES D'APRÈS-GUERRE ET CONTEMPORAINES

When forty rural Sacramento Delta landscapes by Wayne Thiebaud were unveiled at a San Francisco gallery opening in November 1997, attendees were amazed by paintings they never anticipated. This new frontier betrayed neither Thiebaud’s mastery of confectionary-shop colors nor his impeccable eye for formal relationships. Rather, his admirers were shocked to learn that all but seven of these forty interpretations had been completed in just two years. As his son Paul recalled, “the refinements of my father’s artistic process were ever changing in a chameleon-like frenzy.” The new direction had proved an exhilarating experience, each painting an affirmation of Wayne Thiebaud’s impassioned response to the fields and levees of the local environment he dearly loved. <br><br>Viewed from the perspective of a bird or a plane, The Riverhouse is an agrarian tapestry conceived with a kaleidoscopic range of shapes and simple forms; fields striped with furrows or striated fans, deliriously colored parallelograms and trapezoids, an orchard garnished pizza-shaped wedge, and a boldly limned river, the lifeline of a thirsty California central valley largely dependent upon transported water.<br><br>The Riverhouse is a painting that ‘moves’ between seamlessly shifting planes of aerial mapping that recalls Richard Diebenkorn’s stroke of insight when he took his first commercial flight the spring of 1951, and those partitions engaging a more standard vanishing point perspective. Thiebaud explained his process as “orchestrating with as much variety and tempo as I can.” Brightly lit with a fauve-like intensity, The Riverhouse is a heady concoction of vibrant pigment and rich impasto; one that recalls his indebtedness to Pierre Bonnard whose color Thiebaud referred to as “a bucket full of hot coals and ice cubes.” Among his many other influences, the insertion of objects — often tiny — that defy a rational sense of scale that reflects his interest in Chinese landscape painting.<br><br>As always, his mastery as a painter recalls his titular pies and cakes with their bewitching rainbow-like halos and side-by-side colors of equal intensity but differing in hues to create the vibratory effect of an aura, what Thiebaud explained “denotes an attempt to develop as much energy and light and visual power as you can.” Thiebaud’s Sacramento Delta landscapes are an integral and important part of his oeuvre. Paintings such as The Riverhouse rival the best abstract art of the twentieth century. His good friend, Willem de Kooning thought so, too.

18 x 35 3/4 in.

huile sur toile

Tom Wesselmann was a leader of the Pop Art movement. He is best remembered for large-scale works, including his Great American Nude series, in which Wesselmann combined sensual imagery with everyday objects depicted in bold and vibrant colors. As he developed in his practice, Wesselmann grew beyond the traditional canvas format and began creating shaped canvases and aluminum cut-outs that often functioned as sculptural drawings. Continuing his interest in playing with scale, Wesselmann began focusing more closely on the body parts that make up his nudes. He created his Mouth series and his Bedroom series in which particular elements, rather than the entire sitter, become the focus.<br> <br>Bedroom Breast (2004) combines these techniques, using vivid hues painted on cut-out aluminum. The work was a special commission for a private collector's residence, and the idea of a bedroom breast piece in oil on 3-D cut-out aluminum was one Wesselmann had been working with for many years prior to this work's creation. The current owner of the piece believed in Wesselmann's vision and loved the idea of bringing the subject to his home.<br><br>It's one of, if not the last, piece Wesselmann completed before he passed away. The present work is the only piece of its kind - there has never been an oil on aluminum in 3D at this scale or of this iconography.

Poitrine de chambre à coucher

80 x 76 x 10 po.

huile sur aluminium découpé

The frame of reference for Irish American Sean Scully’s signature blocks and stripes is vast. From Malevich’s central premise that geometry can provide the means for universal understanding to Rothko’s impassioned approach to color and rendering of the dramatic sublime, Scully learned how to condense the splendor of the natural world into simple modes of color, light, and composition. Born in Dublin in 1945 and London-raised, Scully was well-schooled in figurative drawing when he decided to catch the spirit of his lodestar, Henri Matisse, by visiting Morocco in 1969. He was captivated by the dazzling tessellated mosaics and richly dyed fabrics and began to paint grids and stipes of color. Subsequent adventures provided further inspiration as the play of intense light on the reflective surfaces of Mayan ruins and the ancient slabs of stone at Stonehenge brought the sensation of light, space, and geometric movement to Scully’s paintings. The ability to trace the impact of Scully’s travels throughout his paintings reaffirms the value of abstract art as a touchstone for real-life experience.<br><br><br>Painted in rich, deep hues and layered, nuanced surfaces, Grey Red is both poetic and full of muscular formalism. Scully appropriately refers to these elemental forms as ‘bricks,’ suggesting the formal calculations of an architect. As he explained, “these relationships that I see in the street doorways, in windows between buildings, and in the traces of structures that were once full of life, I take for my work. I use these colors and forms and put them together in a way that perhaps reminds you of something, though you’re not sure of that” (David Carrier, Sean Scully, 2004, pg. 98). His approach is organic, less formulaic; intuitive painter’s choices are layering one color upon another so that contrasting hues and colors vibrate with subliminal energy. Diebenkorn comes to mind in his pursuit of radiant light. But here, the radiant bands of terracotta red, gray, taupe, and black of Grey Red resonate with deep, smoldering energy and evoke far more affecting passion than you would think it could impart. As his good friend, Bono wrote, “Sean approaches the canvas like a kickboxer, a plasterer, a builder. The quality of painting screams of a life being lived.”

SEAN SCULLY (EN)

huile sur aluminium

Tom Wesselmann will undoubtedly be remembered for associating his erotic themes with the colors of the American flag. But Wesselmann had considerable gifts as a draftsman, and the line was his principal preoccupation, first as a cartoonist and later as an ardent admirer of Matisse. That he also pioneered a method of turning drawings into laser-cut steel wall reliefs proved a revelation. He began to focus ever more on drawing for the sake of drawing, enchanted that the new medium could be lifted and held: “It really is like being able to pick up a delicate line drawing from the paper.”<br><br>The Steel Drawings caused both excitement and confusion in the art world. After acquiring one of the ground-breaking works in 1985, the Whitney Museum of American Art wrote Wesselmann wondering if it should be cataloged as a drawing or a sculpture. The work had caused such a stir that when Eric Fischl visited Wesselmann at his studio and saw steel-cut works for the first time, he remembered feeling jealous. He wanted to try it but dared not. It was clear: ‘Tom owned the technique completely.’<br><br>Wesselmann owed much of that technique to his year-long collaboration with metalwork fabricator Alfred Lippincott. Together, in 1984 they honed a method for cutting the steel with a laser that provided the precision he needed to show the spontaneity of his sketches. Wesselmann called it ‘the best year of my life’, elated at the results that he never fully achieved with aluminum that required each shape be hand-cut. “I anticipated how exciting it would be for me to get a drawing back in steel. I could hold it in my hands. I could pick it up by the lines…it was so exciting…a kind of near ecstasy, anyway, but there’s really been something about the new work that grabbed me.”<br><br>Bedroom Brunette with Irises is a Steel Drawing masterwork that despite its uber-generous scale, utilizes tight cropping to provide an unimposing intimacy while maintaining a free and spontaneous quality. The figure’s outstretched arms and limbs and body intertwine with the petals and the interior elements providing a flowing investigative foray of black lines and white ‘drop out’ shapes provided by the wall. It recalls Matisse and any number of his reclining odalisque paintings. Wesselmann often tested monochromatic values to discover the extent to which color would transform his hybrid objects into newly developed Steel Drawing works and, in this case, continued with a color steel-cut version of the composition Bedroom Blonde with Irises (1987) and later still, in 1993 with a large-scale drawing in charcoal and pastel on paper.

Chambre brune avec iris

105 3/4 x 164 5/8 in.

huile sur aluminium découpé

ROBERT INDIANA (EN)

AMOR (Rouge Jaune)

96 x 96 x 48 po.

aluminium polychrome

L'intérêt de Breuer-Weil pour la création d'un art qui exprime des significations ambiguës ou multiples a été une fixation pour l'artiste. Flight traite de l'obsession de l'artiste à créer l'impression d'un homme volant dans une sculpture représentant l'apesanteur et la liberté d'un homme en vol dans le bronze. Le fait qu'il ait choisi le bronze, un matériau statique qui représente habituellement le poids et le lieu, est déjà un défi, mais parmi ses associations, le mot "vol" peut tout suggérer, de la liberté ou de l'évasion à "l'image moderne par excellence : l'homme en mouvement". Quant aux poteaux filiformes qui prétendent soulever la figure sans support, Breuer-Weil a indiqué que ce motif thématique représente nos liens avec d'autres personnes ainsi que les liens avec notre passé. Breuer-Weil a autorisé le moulage de Flight en une édition de 3 exemplaires plus une épreuve d'artiste.

DAVID BREUER-WEIL

JAMES ROSENQUIST - Vanity Unfair pour Gordon Matta Clark - huile sur toile - 62 3/4 x 43 x 2 3/4 in.

JAMES ROSENQUIST

Vanité injuste pour Gordon Matta Clark

62 3/4 x 43 x 2 3/4 in.

huile sur toile

The Pop Art movement elevated common, often commercial subjects- redefining them as Fine Art. James Rosenquist's work helped shape the trajectory of the Pop Art phenomenon, and he was one of the few artists from this group to live well into the 21st century. <br><br>"Where the Water Goes" (1988) is an oil painting on canvas related to a series of monumentally scaled pressed paper pulp pieces produced in partnership with master printer Kenneth Tyler. The series is based on collaged visual elements arranged on a monumental scale. <br><br>The works from the "Welcome to the Water Planet" series appear to share a celestial setting and could be inspired by the artist's knowledge of the space shuttle program of the 1980s. Rosenquist also demonstrated his fascination with modern technology in his early masterpiece F-111 (1964-65).

JAMES ROSENQUIST

huile et acrylique sur toile

Alien est une itération de la série séminale "Visiteur" de Breuer-Weil. Il s'agit d'un bronze colossal de six mètres représentant une figure humanoïde qui s'est écrasée la tête la première dans la terre. Alors que ses jambes sauvages et battantes suggèrent une action visant à libérer le corps de son emprisonnement, sa tête est implantée comme s'il s'agissait d'une circonstance permanente. Breuer-Weil a expliqué ses intentions de la manière suivante : "J'ai toujours été fasciné par l'idée que nous ne sommes pas seuls, qu'un extraterrestre massif pourrait soudainement débarquer sur terre. Je voulais capturer le sentiment d'émerveillement et de choc qu'une telle arrivée générerait." Alien, bien sûr, peut conger une association entièrement différente : les défis d'être un outsider espérant s'intégrer dans une nouvelle culture et société. "Avec cette œuvre, je voulais utiliser une forme humaine vaste et respirante pour exprimer les sentiments profonds associés à ces thèmes. Et j'avais besoin de l'échelle massive pour dépeindre l'intensité de ces émotions." Breuer-Weil a autorisé le moulage d'Alien en une édition de 3 exemplaires plus 2 épreuves d'artiste.

DAVID BREUER-WEIL

bronze patiné marron

MEL RAMOS - Nu descendant un escalier #2 - huile sur toile - 70 x 52 1/8 in.

Nu descendant un escalier #2

70 x 52 1/8 in.

huile sur toile

$Doug Aitken est surtout connu comme un artiste vidéo qui expérimente des écrans radicalement élargis ou fragmentés. Le miroir est un motif central dans ses sculptures, installations et films. En 2011, son film "Black Mirror", avec Chloe Sevigny, a été commandé par le collectionneur Dakis Joannou et présenté sur une barge flottante au large de la Grèce. Son installation d'art sous-marine révolutionnaire au large de l'île Catalina en 2016 impliquait des pavillons avec des surfaces en miroir pour créer des effets visuels kaléidoscopiques, en réfractant la lumière qui traverse l'eau. L'utilisation du miroir dans cette sculpture "Movie" de 2012 évoque un sentiment similaire de perception fracturée et crée un effet d'éclairage prismatique saisissant. Elle est issue d'une série de sculptures textuelles de mots percutants, notamment Fate, Free, Now, Riot, Sex et Star.$

27 1/4 x 79 1/2 x 8 in.

mousse haute densité, miroir et verre peint

HERB ALPERT - Arrowhead - bronze - 201 x 48 x 48 po.

201 x 48 x 48 po.

Parmi les nombreux totems spirituels d'Herb Albert, coulés en bronze et patinés d'un noir soyeux, rares sont ceux qui ont le caractère distinctement masculin de Warrior. Surmonté d'une couronne descendante dentelée qui pourrait aussi bien faire référence à la crête d'un oiseau de proie qu'à la coiffe d'un chef indien des Plaines, le titre de "guerrier" est une description appropriée qui évoque les attributs de la force, du courage et de l'esprit inébranlable, entre autres. À l'instar de l'œuvre d'Henry Moore, ces associations dépendent, en partie, de l'espace négatif pour créer l'impression dynamique et forte que dégage cette formidable sculpture.

161 x 40 x 40 po.

Alexander Calder was a key figure in the development of abstract sculpture and is renowned for his groundbreaking work in kinetic art; he is one of the most influential artists of the Twentieth Century. "Prelude to Man-Eater" is a delicately balanced standing sculpture that responds to air currents, creating a constantly changing and dynamic visual experience.<br><br>Calder's Standing Mobiles were a result of his continuous experimentation with materials, form, and balance. This Standing Mobile is a historically significant prelude to a larger work commissioned in 1945 by Alfred Barr, the first director of the Museum of Modern Art in New York. "Prelude to Maneater" is designed to be viewed from multiple angles, encouraging viewers to walk around and interact with it.<br><br>The present work is a formal study for Man-Eater With Pennant (1945), part of the permanent collection of the Museum of Modern Art in New York. The work is also represented in "Sketches for Mobiles: Prelude to Man-Eater; Starfish; Octopus", which is in the permanent collection of the Harvard Fogg Museum.<br><br>Calder's mobiles and stabiles can be found in esteemed private collections and the collections of major museums worldwide, including the Museum of Modern Art in New York, the National Gallery of Art in Washington, D.C., the Whitney Museum of American Art, New York, the Art Institute of Chicago, and the Tate Gallery in London among others.

ALEXANDRE CALDER

Prélude au mangeur d'hommes

59 x 42 x 18 pouces.

tôle, fil de fer, peinture

Having unwittingly inserted himself into the Pop Art conversation with his Great American Nude series, Tom Wesselmann spent the rest of his career explaining that his motivation was not to focus excessively on a subject matter or to generate social commentary but instead, to give form to what titillated him most as beautiful and exciting. His disembodied Mouth series of 1965 established that an image did not have to rely on extraneous elements to communicate meaning. But it was his follow-up performances with the Smoker series and its seductive, fetish allure that raised his standing among true sybarites everywhere. Apart from perceiving smoking as cool and chic, a painting such as Smoker #21 is the consummate celebration of Wesselmann’s abilities as a painter. Enticed by the undulating smoke, Wesselmann took great pains to accurately depict its sinuous movements and observe the momentary pauses that heightened his appreciation of its sensual nature. Like all of Wesselmann’s prodigious scaled artworks, Smoker #21 has the commanding presence of an altarpiece. It was produced during long hours in his impressive Manhattan studio in Cooper Square, and the result is one of sultry dynamism — evocative, sensual, alluring, sleek, luscious, and perhaps, even sinister — a painting that flaunts his graphic supremacy and potent realism varnished with his patented sex appeal flair.<br><br>Tom Wesselmann expanded upon the success of his Great American Nudes by focusing on singular features of his subjects and began painting his Mouth series in 1965. In 1967, Wesselmann’s friend Peggy Sarno paused for a cigarette while modeling for Wesselmann’s Mouth series, inspiring his Smoker paintings. The whisps of smoke were challenging to paint and required Wesselmann to utilize photographs as source material to capture the smoke’s ephemeral nature properly. The images here show Wesselmann photographing his friend, the screenwriter Danièle Thompson, as she posed for some of Wesselmann’s source images.

74 1/2 x 67 1/2 in.

huile sur toile façonnée

Alexander Calder executed a surprising number of oil paintings during the second half of the 1940s and early 1950s. By this time, the shock of his 1930 visit to Mondrian’s studio, where he was impressed not by the paintings but by the environment, had developed into an artistic language of Calder’s own. So, as Calder was painting The Cross in 1948, he was already on the cusp of international recognition and on his way to winning the XX VI Venice Biennale’s grand prize for sculpture in 1952. Working on his paintings in concert with his sculptural practice, Calder approached both mediums with the same formal language and mastery of shape and color.<br><br>Calder was deeply intrigued by the unseen forces that keep objects in motion. Taking this interest from sculpture to canvas, we see that Calder built a sense of torque within The Cross by shifting its planes and balance. Using these elements, he created implied motion suggesting that the figure is pressing forward or even descending from the skies above. The Cross’s determined momentum is further amplified by details such as the subject’s emphatically outstretched arms, the fist-like curlicue vector on the left, and the silhouetted serpentine figure.<br><br>Calder also adopts a strong thread of poetic abandon throughout The Cross’s surface. It resonates with his good friend Miró’s hieratic and distinctly personal visual language, but it is all Calder in the effective animation of this painting’s various elements. No artist has earned more poetic license than Calder, and throughout his career, the artist remained convivially flexible in his understanding of form and composition. He even welcomed the myriad interpretations of others, writing in 1951, “That others grasp what I have in mind seems unessential, at least as long as they have something else in theirs.”<br><br>Either way, it is important to remember that The Cross was painted shortly after the upheaval of the Second World War and to some appears to be a sobering reflection of the time. Most of all, The Cross proves that Alexander Calder loaded his brush first to work out ideas about form, structure, relationships in space, and most importantly, movement.

ALEXANDRE CALDER

28 3/4 x 36 1/4 in.

huile sur toile

The Pop Art Movement is notable for its rewriting of Art History and the idea of what could be considered a work of art. Larry Rivers association with Pop-Art and the New York School set him aside as one of the great American painters of the Post-War period. <br><br>In addition to being a visual artist, Larry Rivers was a jazz saxophonist who studied at the Juilliard School of Music from 1945-1946. This painting's subject echoes the artists' interest in Jazz and the musical scene in New York City, particularly Greenwich Village and the Lower East Side. <br><br>“Untitled” (1958) is notable bas the same owner has held it since the work was acquired directly from the artist several decades ago. This work is from the apex of the artists' career in New York and could comfortably hang in a museum's permanent collection.

RIVIÈRES LARGES

huile sur toile

JEAN-MICHEL BASQUIAT - Sans titre (Anatomie de pigeon) - huile, mine de plomb et craie sur papier - 22 x 30 in.

JEAN-MICHEL BASQUIAT

Sans titre (Anatomie de pigeon)

huile, graphite et craie sur papier

JEAN ARP - Sculpture Mythique - bronze - 25 x 9 1/2 x 12 in.

Sculpture Mythique

25 x 9 1/2 x 12 po.

RIVIÈRES LARGES

Au-delà du chameau

98 3/4 x 79 1/4 in.

acrylique sur toile

A major figure in both the Abstract Expressionist and American Figurative Expressionist movements of the 1940s and 1950s, Elaine de Kooning's prolific output defied singular categorization. Her versatile styles explored the spectrum of realism to abstraction, resulting in a career characterized by intense expression and artistic boundary-pushing. A striking example of de Kooning's explosive creativity is Untitled (Totem Pole), an extremely rare sculptural painting by the artist that showcases her command of color. <br><br>She created this piece around 1960, the same period as her well-known bullfight paintings. She left New York in 1957 to begin teaching at the University of New Mexico in Albuquerque, and from there would visit Ciudad Juárez, where she observed the bullfights that inspired her work. An avid traveler, de Kooning drew inspiration from various sources, resulting in a diverse and experimental body of work.

ELAINE DE KOONING

Sans titre (Totem Pole)

97 x 12 3/8 x 12 3/8 po.

huile sur toile tendue sur des cylindres en carton

Jim Dine était un artiste pop américain dont le travail méditait sur des objets à l'allure enfantine pour trouver un langage universel et nostalgique. Les robes de Dine sont parmi les images les plus reconnaissables qui ont émergé de sa longue et illustre carrière. Ils ont été exposés pour la première fois à la galerie Sidney Janis à l'automne 1964 - c'est un exemple. Double Silver Point Robes est un assemblage à grande échelle de techniques mixtes. Le travail est exécuté à la pointe d'argent - une technique qui utilise un morceau d'argent comme un instrument de dessin sur un sol spécialement préparé par lequel il s'oxyde sur une période de mois pour créer un ton brun chaud. Les deux toiles jointes comportent des blocs de bois à la place des têtes et un élément en bois suspendu qui se déplace en fonction des courants d'air.

Robes double Silver Point

53 1/2 x 96 po.

silverpoint et acrylique sur 2 toiles jointes, bois, couteau et ficelle dans le cadre de l'artiste

Gottlieb was a first-generation member of the Abstract Expressionists. “Blue on Black” is from his trademark “Burst” series. Like fellow Ab Ex artists including Pollock who settled into their signature style late in their careers, it was not until 1956 that Gottlieb focused on these burst paintings.<br><br>This painting showcases the lyricism that he found within the “Burst” paintings by simplifying color and form. In this painting, the shapes and color coalesce to produce harmony and depth within the visual landscape of the canvas.<br><br>Gottlieb had an amazing 56 solo exhibitions during his long career and his works are included in over 140 museums throughout the world.

ADOLPH GOTTLIEB

24 x 18 7/8 in.

acrylique sur papier couché sur toile

Well known for his candor and pragmatic sensibility, Alexander Calder was as direct, ingenious, and straight to the point in life as he was in his art. “Personnages”, for example, is unabashedly dynamic, a work that recalls his early love of the action of the circus as well as his insights into human nature. The character of “Personnages” suggests a spontaneous drawing-in-space, recalling his radical wire sculptures of the 1920s.<br>© 2023 Calder Foundation, New York / Artists Rights Society (ARS), New York

ALEXANDRE CALDER

29 1/2 x 43 1/4 in.

gouache et encre sur papier

Le déjeuner de l'artiste de la région de la Baie Roland Petersen est une huile sur toile de 1961, une année critique pour sa série de pique-niques la plus connue. Son travail de cette période est caractérisé par un empâtement épais et une couleur riche. Profondément influencé par les études de Hans Hoffman, Petersen expérimente l'abstraction, mêlant ici des styles abstraits et figuratifs. Peint lorsque Petersen avait 35 ans, Luncheon s'inscrit dans un cadre temporel qui comprend son exposition personnelle à guichets fermés en 1962 à la Staempfli Gallery de New York, son exposition personnelle à Esther-Robles à Los Angeles et la bourse Guggenheim Fellowship qui lui a permis d'étudier à Paris.

ROLAND PETERSEN

huile sur toile

Expositions dignes d'intérêt

8 novembre 2018 - 28 février 2019New York, NY

DE KOONING X DE KOONING

8 novembre 2018 - 28 février 2019 New York, NY

26 août 2020 - 28 février 2021Jackson Hole, WY

MERVEILLES DE L'ART IMPRESSIONNISTE ET MODERNE EN AMÉRIQUE ET EN EUROPE

26 août 2020 - 28 février 2021 Jackson Hole, WY

16 mars 2020 - 28 février 2021Palm Desert, CA

LA COLLECTION GLORIA LURIA

16 mars 2020 - 28 février 2021 Désert de Palm, CA

25 mars 2020 - 28 février 2021New York, NY

ALEXANDER CALDER : DES GOUACHES AUDACIEUSES

25 mars 2020 - 28 février 2021 New York, NY

Artistes sélectionnés que nous avons placés auprès des collectionneurs en 2020

Claude Monet

Alexandre Calder

Edouard Hopper

Helen Frankenthaler

Camille Pissarro

Tracey Emin

Fernand Léger

Pablo Picasso

David Hockney

Andrew Wyeth

Grace Hartigan

Salvador Dali

Anish Kapoor

Condo George

Jean Arp

Vincent van Gogh

Andy Warhol

Robert Motherwell

Marc Chagall

Deborah Butterfield

Pat Steir

Raoul Dufy

Georgia O'Keeffe

Ed Ruscha

Elaine de Kooning

Mark Bradford

Ansel Adams

Norman Rockwell (en)

Ai Weiwei

Carlos Cruz-Diez

CLAUDE MONET
SALVADOR DALI
ALEXANDRE CALDER

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L'éducation

L'éducation est de la plus haute importance chez Heather James Art Advisory. Que vous soyez un collectionneur chevronné ou débutant, nous visons à évoluer avec nos clients et nous croyons fermement à la fourniture d'informations et de conseils pour aider nos clients à apprendre et à cultiver leurs intérêts en matière d'art.

Curation

Heather James Art Advisory met à profit des décennies d'expérience en matière de conservation, grâce aux conseils de notre équipe de conservateurs principaux qui ont organisé des expositions dans le monde entier, dans des musées, des galeries et des résidences privées. En associant des éléments esthétiques et historiques de l'art, nous aiderons votre collection et votre maison à refléter vos intérêts artistiques.

Logistique

HJ Art Advisory fournit une logistique complète lors de la manipulation, du transport et de la supervision des œuvres d'art de nos clients. Notre surveillance porte sur tous les aspects de l'entretien de l'œuvre d'art. Nous supervisons chaque étape du processus de transport, d'installation et de stockage des œuvres d'art. Nous conseillons et facilitons la conception de l'encadrement, l'éclairage, les exigences en matière de sécurité, la conservation et l'évaluation de l'état des œuvres.

Documentation

Lors de l'achat d'œuvres d'art, HJ Art Advisory recherche la provenance de l'œuvre et demande au vendeur de lui fournir des déclarations et des garanties selon lesquelles le vendeur détient un titre de propriété valable et que l'objet est libre de tout privilège, de toute réclamation et de toute charge.
HJ Art Advisory demandera une indemnisation pour le remboursement intégral de l'œuvre d'art en cas de violation de la garantie (éventuellement inclure cette ligne ???).
Ventes privées et processus d'enchères : Les informations essentielles à saisir sont les suivantes : Artiste, titre de l'œuvre, date, support, dimensions, prix, image, entité de l'offre, provenance, certificats, facture (si possible), rapport d'état, privilèges, litiges, titre de propriété.

Prêts aux musées

Heather James a eu l'honneur de faciliter les prêts aux plus grands musées du monde, notamment le MoMA, le Centre Pompidou et bien d'autres encore. HJ Art Advisory s'occupe de toutes les formalités administratives et logistiques nécessaires pour nos collectionneurs qui décident de prêter une œuvre d'art à une exposition muséale.

Authentification

HJ Art Advisory applique les normes les plus strictes en matière de diligence raisonnable par le biais d'enquêtes, de recherches et de vérifications de la provenance des objets avant leur acquisition, afin de s'assurer qu'un titre de propriété clair peut être obtenu. Ces recherches comprennent, sans s'y limiter, la détermination des éléments suivants

Historique de la propriété de l'objet
Pays dans lesquels l'objet a été localisé et quand.
Historique de l'exposition de l'objet
Historique de la publication de l'objet
Toute revendication de propriété, si elle a été faite
Bases de données d'objets volés en rapport avec l'objet
Les circonstances dans lesquelles l'objet est offert
Sources de recherche pertinentes, y compris Le registre des pertes d'œuvres d'art ou d'autres bases de données.
Garantie et déclaration d'indemnisation du vendeur, assurant que le vendeur possède un titre de propriété valide et que l'objet est libre de tout privilège, réclamation ou charge.
Recherche et documentation sur l'époque nazie et la Seconde Guerre mondiale, conformément aux lignes directrices relatives à l'acquisition d'objets susceptibles d'avoir séjourné dans l'Europe occupée par les Allemands entre 1933 et 1945.

Finances

HJ Art Advisory assiste ses clients dans le cadre de prêts garantis par des actifs, de l'achat d'œuvres d'art pour des trusts et de la planification successorale. Nous offrons notre expertise sur le marché de l'art afin de positionner au mieux nos clients lorsqu'ils prennent des décisions pour leur collection. Nous travaillons avec les successions, les équipes juridiques et les conseillers financiers pour soutenir au mieux nos clients et leurs objectifs.
Heather James Fine Art n'est pas un conseiller agréé en matière d'investissement, de droit ou de fiscalité. Toutes les opinions financières et d'investissement exprimées par Heather James Fine Art sont des opinions basées sur des recherches personnelles. Les performances passées ne constituent pas une garantie de rendement futur et ne sont pas nécessairement indicatives des performances futures.

Ventes et acquisitions

HJ Art Advisory se concentre sur la recherche d'œuvres d'art pour des acquisitions potentielles à partir de ventes privées, de maisons de vente aux enchères et de commandes d'artistes. HJ Art Advisory surveille en permanence le marché privé et public à la recherche d'œuvres d'art importantes qui intéressent nos clients et qui enrichiront leurs collections. Nous négocions la vente ou le prix de vente au nom d'un collectionneur afin d'obtenir la meilleure transaction possible pour nos clients.

Valeur et assurance

Le groupe HJ Art Advisory évalue les collections d'œuvres d'art en vue de leur évaluation par les assurances, de leur acquisition et de leur cession. Cela implique des recherches approfondies sur l'analyse du marché de l'art privé et public afin de déterminer la valeur.

Connaissance

HJ Art Advisory travaille avec et pour le compte de clients qui développent de nouvelles collections ou qui possèdent des collections bien établies, en leur fournissant des conseils et une offre de services approfondie. Nos connaissances et notre expérience approfondies, ainsi que nos nombreuses années d'expérience dans le secteur de l'art, permettent à notre personnel hautement qualifié et expérimenté de fournir des conseils et des orientations à de multiples niveaux.

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