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Visite guidée de la galerie Palm Desert - Art d'après-guerre et contemporain

Mai 2021

nouvelles

Pour notre 25e anniversaire, nous sommes ravis de continuer à présenter des œuvres d'art rares et de premier ordre d'artistes estimés tels que Elaine de Kooning, Adolph Gottlieb, Agnes Martin et Joan Miro. Au cours des 25 dernières années, Heather James Fine Art s'est développée en un réseau mondial avec des galeries et des cabinets de conseil à travers les États-Unis et l'Europe. Rien qu'en 2020, Heather James Fine Art a placé 382 œuvres d'art dans de nouvelles collections à travers le monde, et nous sommes fiers de continuer à conseiller d'autres personnes dans le développement de leurs collections.

ÉCHANTILLONNAGE D'ŒUVRES D'APRÈS-GUERRE ET CONTEMPORAINES

The frame of reference for Irish American Sean Scully’s signature blocks and stripes is vast. From Malevich’s central premise that geometry can provide the means for universal understanding to Rothko’s impassioned approach to color and rendering of the dramatic sublime, Scully learned how to condense the splendor of the natural world into simple modes of color, light, and composition. Born in Dublin in 1945 and London-raised, Scully was well-schooled in figurative drawing when he decided to catch the spirit of his lodestar, Henri Matisse, by visiting Morocco in 1969. He was captivated by the dazzling tessellated mosaics and richly dyed fabrics and began to paint grids and stipes of color. Subsequent adventures provided further inspiration as the play of intense light on the reflective surfaces of Mayan ruins and the ancient slabs of stone at Stonehenge brought the sensation of light, space, and geometric movement to Scully’s paintings. The ability to trace the impact of Scully’s travels throughout his paintings reaffirms the value of abstract art as a touchstone for real-life experience.<br><br><br>Painted in rich, deep hues and layered, nuanced surfaces, Grey Red is both poetic and full of muscular formalism. Scully appropriately refers to these elemental forms as ‘bricks,’ suggesting the formal calculations of an architect. As he explained, “these relationships that I see in the street doorways, in windows between buildings, and in the traces of structures that were once full of life, I take for my work. I use these colors and forms and put them together in a way that perhaps reminds you of something, though you’re not sure of that” (David Carrier, Sean Scully, 2004, pg. 98). His approach is organic, less formulaic; intuitive painter’s choices are layering one color upon another so that contrasting hues and colors vibrate with subliminal energy. Diebenkorn comes to mind in his pursuit of radiant light. But here, the radiant bands of terracotta red, gray, taupe, and black of Grey Red resonate with deep, smoldering energy and evoke far more affecting passion than you would think it could impart. As his good friend, Bono wrote, “Sean approaches the canvas like a kickboxer, a plasterer, a builder. The quality of painting screams of a life being lived.”

SEAN SCULLY (EN)

huile sur aluminium

L'intérêt de Breuer-Weil pour la création d'un art qui exprime des significations ambiguës ou multiples a été une fixation pour l'artiste. Flight traite de l'obsession de l'artiste à créer l'impression d'un homme volant dans une sculpture représentant l'apesanteur et la liberté d'un homme en vol dans le bronze. Le fait qu'il ait choisi le bronze, un matériau statique qui représente habituellement le poids et le lieu, est déjà un défi, mais parmi ses associations, le mot "vol" peut tout suggérer, de la liberté ou de l'évasion à "l'image moderne par excellence : l'homme en mouvement". Quant aux poteaux filiformes qui prétendent soulever la figure sans support, Breuer-Weil a indiqué que ce motif thématique représente nos liens avec d'autres personnes ainsi que les liens avec notre passé. Breuer-Weil a autorisé le moulage de Flight en une édition de 3 exemplaires plus une épreuve d'artiste.

DAVID BREUER-WEIL

Alien est une itération de la série séminale "Visiteur" de Breuer-Weil. Il s'agit d'un bronze colossal de six mètres représentant une figure humanoïde qui s'est écrasée la tête la première dans la terre. Alors que ses jambes sauvages et battantes suggèrent une action visant à libérer le corps de son emprisonnement, sa tête est implantée comme s'il s'agissait d'une circonstance permanente. Breuer-Weil a expliqué ses intentions de la manière suivante : "J'ai toujours été fasciné par l'idée que nous ne sommes pas seuls, qu'un extraterrestre massif pourrait soudainement débarquer sur terre. Je voulais capturer le sentiment d'émerveillement et de choc qu'une telle arrivée générerait." Alien, bien sûr, peut conger une association entièrement différente : les défis d'être un outsider espérant s'intégrer dans une nouvelle culture et société. "Avec cette œuvre, je voulais utiliser une forme humaine vaste et respirante pour exprimer les sentiments profonds associés à ces thèmes. Et j'avais besoin de l'échelle massive pour dépeindre l'intensité de ces émotions." Breuer-Weil a autorisé le moulage d'Alien en une édition de 3 exemplaires plus 2 épreuves d'artiste.

DAVID BREUER-WEIL

bronze patiné marron

Née à Atlanta en 1981 et installée à Brooklyn, Shara Hughes est célèbre pour son approche particulière de la peinture de paysage, combinant des influences historiques avec des sensibilités contemporaines. Sa palette de couleurs jubilatoires rappelle des maîtres comme Henri Matisse, avec l'audace visuelle et stylisée de David Hockney, tout en reconnaissant une tradition plus large de la peinture de paysage, notamment les influences de l'art nouveau, du fauvisme et de l'expressionnisme allemand. All the Pretty Faces est une synthèse moderne des mouvements artistiques historiques et de l'imagerie numérique actuelle, présentant aux spectateurs des mondes captivants et inventés qui font le lien entre le passé et le présent. Elle évoque également l'une des citations les plus frappantes de Hughes à propos de ses paysages novateurs remplis d'éléments fantastiques : "J'ai souvent pensé aux fleurs et aux arbres comme à des figures. Parfois, même une vague ou un soleil dans la peinture prend une personnalité, donc cela varie en fonction de la façon dont l'œuvre est réalisée."

Tous les jolis visages

huile sur toile

L'œuvre Untitled de Katharine Grosse, réalisée en 2016, nous permet d'apprécier davantage une artiste qui apporte au support traditionnel de la peinture sur toile la même énergie, la même audace et le même mépris des conventions que l'on retrouve dans ses installations architecturales monumentales. La couleur explose, soulevée à partir d'une surface complexe et richement stratifiée d'applications coulées de peinture qui coule, goutte à goutte ou éclabousse, de voiles transparents rayonnants et de bandes de couleur qui se chevauchent et qui sont vaporisées pour créer de douces transitions en dégradé. Le résultat est une impression fascinante de profondeur spatiale et de tridimensionnalité. Mais il s'agit également d'un tour de force qui révèle l'habileté de Grosse à mêler le chaos et le contrôle, la spontanéité et l'intention. Son éventail de techniques crée un dialogue fascinant entre l'accidentel et le délibéré, ce qui est la marque de son style unique.

KATHARINA GROSSE

118 x 78 3/4 in.

acrylique sur toile

Genieve Figgis est une figure notable de la scène artistique irlandaise contemporaine, reconnue pour ses portraits de groupe intelligents et critiques qui se moquent souvent de conventions sociales anciennes. Elle a attiré l'attention de l'artiste américain Richard Prince sur Twitter, qui a acheté l'une de ses œuvres et l'a introduite dans les cercles influents de la communauté artistique new-yorkaise. Le travail de Figgis critique de manière ludique les habitudes de consommation de la classe moyenne aisée et les modes de vie luxueux, immortalisés par les artistes du passé, et ramène fermement ces sujets dans le présent avec un mélange de satire et de représentations brutes et authentiques de la vie. Pour Figgis, il s'agit de remonter le temps jusqu'à Daumier ou Hogarth, dont les œuvres portaient souvent un regard satirique sur la société contemporaine, en rejoignant des artistes engagés dans la satire sociale et connus pour leur sens aigu de l'observation.

Le club des dames

31 1/2 x 39 3/8 in.

acrylique sur toile

HERB ALPERT - Arrowhead - bronze - 201 x 48 x 48 po.

201 x 48 x 48 po.

Parmi les nombreux totems spirituels d'Herb Albert, coulés en bronze et patinés d'un noir soyeux, rares sont ceux qui ont le caractère distinctement masculin de Warrior. Surmonté d'une couronne descendante dentelée qui pourrait aussi bien faire référence à la crête d'un oiseau de proie qu'à la coiffe d'un chef indien des Plaines, le titre de "guerrier" est une description appropriée qui évoque les attributs de la force, du courage et de l'esprit inébranlable, entre autres. À l'instar de l'œuvre d'Henry Moore, ces associations dépendent, en partie, de l'espace négatif pour créer l'impression dynamique et forte que dégage cette formidable sculpture.

161 x 40 x 40 po.

Roger Brown est connu pour son imagerie personnelle et souvent fantastique et ses peintures très stylisées avec des figures et des objets qui reflètent son intérêt pour les expériences quotidiennes. Acid Rain explore des thèmes de la vie moderne et des commentaires sociaux qui reflètent le rôle de l'artiste dans la société et le potentiel de l'art à susciter le changement. D'un point de vue plus personnel, le thème des pluies acides peut symboliser des états émotionnels ou psychologiques corrosifs, tels que la dépression, l'anxiété ou le sentiment d'être dépassé par des circonstances indépendantes de sa volonté. Tout comme les pluies acides étaient un problème environnemental largement invisible mais dévastateur, la crise de l'épidémie émergente de VIH/SIDA a probablement motivé Brown à créer l'œuvre pour traiter son chagrin personnel, critiquer la réponse inadéquate des dirigeants politiques et plaider en faveur de la compassion, de la compréhension et de la recherche médicale.

48 x 72 x 2 in.

huile sur toile

WILLEM DE KOONING - Femme dans une barque - huile sur papier couché sur masonite - 47 1/2 x 36 1/4 in.

WILLEM DE KOONING

Une femme dans un bateau à rames

47 1/2 x 36 1/4 in.

huile sur papier couché sur masonite

MARK ROTHKO - Sans titre (brun et noir) - acrylique sur papier monté sur carton - 33 1/4 x 25 3/4 in.

Sans titre (marron et noir)

33 1/4 x 25 3/4 in.

acrylique sur papier monté sur carton

Alexander Calder was a key figure in the development of abstract sculpture and is renowned for his groundbreaking work in kinetic art; he is one of the most influential artists of the Twentieth Century. "Prelude to Man-Eater" is a delicately balanced standing sculpture that responds to air currents, creating a constantly changing and dynamic visual experience.<br><br>Calder's Standing Mobiles were a result of his continuous experimentation with materials, form, and balance. This Standing Mobile is a historically significant prelude to a larger work commissioned in 1945 by Alfred Barr, the first director of the Museum of Modern Art in New York. "Prelude to Maneater" is designed to be viewed from multiple angles, encouraging viewers to walk around and interact with it.<br><br>The present work is a formal study for Man-Eater With Pennant (1945), part of the permanent collection of the Museum of Modern Art in New York. The work is also represented in "Sketches for Mobiles: Prelude to Man-Eater; Starfish; Octopus", which is in the permanent collection of the Harvard Fogg Museum.<br><br>Calder's mobiles and stabiles can be found in esteemed private collections and the collections of major museums worldwide, including the Museum of Modern Art in New York, the National Gallery of Art in Washington, D.C., the Whitney Museum of American Art, New York, the Art Institute of Chicago, and the Tate Gallery in London among others.

ALEXANDRE CALDER

Prélude au mangeur d'hommes

59 x 42 x 18 pouces.

tôle, fil de fer, peinture

TOM WESSELMANN - Smoker No. 21 - huile sur toile façonnée - 74 1/2 x 67 1/2 in.

74 1/2 x 67 1/2 in.

huile sur toile façonnée

Alexander Calder executed a surprising number of oil paintings during the second half of the 1940s and early 1950s. By this time, the shock of his 1930 visit to Mondrian’s studio, where he was impressed not by the paintings but by the environment, had developed into an artistic language of Calder’s own. So, as Calder was painting The Cross in 1948, he was already on the cusp of international recognition and on his way to winning the XX VI Venice Biennale’s grand prize for sculpture in 1952. Working on his paintings in concert with his sculptural practice, Calder approached both mediums with the same formal language and mastery of shape and color.<br><br>Calder was deeply intrigued by the unseen forces that keep objects in motion. Taking this interest from sculpture to canvas, we see that Calder built a sense of torque within The Cross by shifting its planes and balance. Using these elements, he created implied motion suggesting that the figure is pressing forward or even descending from the skies above. The Cross’s determined momentum is further amplified by details such as the subject’s emphatically outstretched arms, the fist-like curlicue vector on the left, and the silhouetted serpentine figure.<br><br>Calder also adopts a strong thread of poetic abandon throughout The Cross’s surface. It resonates with his good friend Miró’s hieratic and distinctly personal visual language, but it is all Calder in the effective animation of this painting’s various elements. No artist has earned more poetic license than Calder, and throughout his career, the artist remained convivially flexible in his understanding of form and composition. He even welcomed the myriad interpretations of others, writing in 1951, “That others grasp what I have in mind seems unessential, at least as long as they have something else in theirs.”<br><br>Either way, it is important to remember that The Cross was painted shortly after the upheaval of the Second World War and to some appears to be a sobering reflection of the time. Most of all, The Cross proves that Alexander Calder loaded his brush first to work out ideas about form, structure, relationships in space, and most importantly, movement.

ALEXANDRE CALDER

28 3/4 x 36 1/4 in.

huile sur toile

Widely recognized as one of the most consequential artists of our time, Gerhard Richters career now rivals that of Picasso's in terms of productivity and genius. The multi-faceted subject matter, ranging from slightly out-of-focus photographic oil paintings to Kelly-esque grid paintings to his "squeegee" works, Richter never settles for repeating the same thought- but is constantly evolving his vision. Richter has been honored by significant retrospective exhibitions, including the pivotal 2002 show, "Gerhard Richter: Forty Years of Painting," at the Museum of Modern Art, New York. <br><br>"Abstraktes Bild 758-2" (1992) comes from a purely abstract period in Richter's work- where the message is conveyed using a truly physical painting style, where applied paint layers are distorted with a wooden "Squeegee" tool. Essentially, Richter is sculpting the layers of paint, revealing the underlayers and their unique color combinations; there is a degree of "art by chance". If the painting does not work, Richter will move on- a method pioneered by Jackson Pollock decades earlier. <br><br>Richter is included in prominent museums and collections worldwide, including the Tate, London, The Museum of Modern Art, New York, and the San Francisco Museum of Modern Art, among many others.

GERHARD RICHTER

Abstraktes Bild 758-2

24 1/2 x 32 1/4 in.

huile sur toile

Tom Wesselmann was a leader of the Pop Art movement. He is best remembered for large-scale works, including his Great American Nude series, in which Wesselmann combined sensual imagery with everyday objects depicted in bold and vibrant colors. As he developed in his practice, Wesselmann grew beyond the traditional canvas format and began creating shaped canvases and aluminum cut-outs that often functioned as sculptural drawings. Continuing his interest in playing with scale, Wesselmann began focusing more closely on the body parts that make up his nudes. He created his Mouth series and his Bedroom series in which particular elements, rather than the entire sitter, become the focus.<br> <br>Bedroom Breast (2004) combines these techniques, using vivid hues painted on cut-out aluminum. The work was a special commission for a private collector's residence, and the idea of a bedroom breast piece in oil on 3-D cut-out aluminum was one Wesselmann had been working with for many years prior to this work's creation. The current owner of the piece believed in Wesselmann's vision and loved the idea of bringing the subject to his home.<br><br>It's one of, if not the last, piece Wesselmann completed before he passed away. The present work is the only piece of its kind - there has never been an oil on aluminum in 3D at this scale or of this iconography.

Poitrine de chambre à coucher

80 x 76 x 10 po.

huile sur aluminium découpé

Tom Wesselmann will undoubtedly be remembered for associating his erotic themes with the colors of the American flag. But Wesselmann had considerable gifts as a draftsman, and the line was his principal preoccupation, first as a cartoonist and later as an ardent admirer of Matisse. That he also pioneered a method of turning drawings into laser-cut steel wall reliefs proved a revelation. He began to focus ever more on drawing for the sake of drawing, enchanted that the new medium could be lifted and held: “It really is like being able to pick up a delicate line drawing from the paper.”<br><br>The Steel Drawings caused both excitement and confusion in the art world. After acquiring one of the ground-breaking works in 1985, the Whitney Museum of American Art wrote Wesselmann wondering if it should be cataloged as a drawing or a sculpture. The work had caused such a stir that when Eric Fischl visited Wesselmann at his studio and saw steel-cut works for the first time, he remembered feeling jealous. He wanted to try it but dared not. It was clear: ‘Tom owned the technique completely.’<br><br>Wesselmann owed much of that technique to his year-long collaboration with metalwork fabricator Alfred Lippincott. Together, in 1984 they honed a method for cutting the steel with a laser that provided the precision he needed to show the spontaneity of his sketches. Wesselmann called it ‘the best year of my life’, elated at the results that he never fully achieved with aluminum that required each shape be hand-cut. “I anticipated how exciting it would be for me to get a drawing back in steel. I could hold it in my hands. I could pick it up by the lines…it was so exciting…a kind of near ecstasy, anyway, but there’s really been something about the new work that grabbed me.”<br><br>Bedroom Brunette with Irises is a Steel Drawing masterwork that despite its uber-generous scale, utilizes tight cropping to provide an unimposing intimacy while maintaining a free and spontaneous quality. The figure’s outstretched arms and limbs and body intertwine with the petals and the interior elements providing a flowing investigative foray of black lines and white ‘drop out’ shapes provided by the wall. It recalls Matisse and any number of his reclining odalisque paintings. Wesselmann often tested monochromatic values to discover the extent to which color would transform his hybrid objects into newly developed Steel Drawing works and, in this case, continued with a color steel-cut version of the composition Bedroom Blonde with Irises (1987) and later still, in 1993 with a large-scale drawing in charcoal and pastel on paper.

Chambre brune avec iris

105 3/4 x 164 5/8 in.

huile sur aluminium découpé

The Pop Art Movement is notable for its rewriting of Art History and the idea of what could be considered a work of art. Larry Rivers association with Pop-Art and the New York School set him aside as one of the great American painters of the Post-War period. <br><br>In addition to being a visual artist, Larry Rivers was a jazz saxophonist who studied at the Juilliard School of Music from 1945-1946. This painting's subject echoes the artists' interest in Jazz and the musical scene in New York City, particularly Greenwich Village and the Lower East Side. <br><br>“Untitled” (1958) is notable bas the same owner has held it since the work was acquired directly from the artist several decades ago. This work is from the apex of the artists' career in New York and could comfortably hang in a museum's permanent collection.

RIVIÈRES LARGES

huile sur toile

ROBERT INDIANA (EN)

AMOR (Rouge Jaune)

96 x 96 x 48 po.

aluminium polychrome

Entre 1978 et sa mort en 1984, Ansel Adams a méticuleusement constitué une collection de tirages photographiques qu'il considérait comme des œuvres emblématiques. Chaque photographie capture un moment de beauté immaculée et rappelle l'équilibre fragile entre le développement humain et la préservation d'une nature sauvage intacte. Son objectif était de mettre les séries à la disposition de diverses institutions à des fins d'exposition publique et d'éducation. Ces ensembles, connus sous le nom de "Ansel Adams Sets", font aujourd'hui partie de la collection de la National Gallery of Art, du J. Paul Getty Museum, du de Young Museum et d'autres institutions. La série de douze tirages originaux au gélatino-argentique est rarement mise sur le marché. Elles mesurent 11 x 14 et 16 x 20 pouces, sont montées sur un carton de musée à 4 couches et sont toutes signées par l'artiste au crayon.

L'ensemble des musées

16 x 20 in. et 11 x 14 in.

épreuve à la gélatine argentique

JEAN-MICHEL BASQUIAT - Sans titre (Anatomie de pigeon) - huile, mine de plomb et craie sur papier - 22 x 30 in.

JEAN-MICHEL BASQUIAT

Sans titre (Anatomie de pigeon)

huile, graphite et craie sur papier

Dans « Nu descendant un escalier n° 2 », Mel Ramos entremêle de manière ludique l’héritage du chef-d’œuvre moderniste de Marcel Duchamp avec l’esthétique vibrante du Pop Art, créant une réinterprétation intelligente et visuellement stimulante. En associant le mouvement abstrait de Duchamp à son style pin-up caractéristique, Ramos crée un dialogue dynamique entre les traditions vénérées des beaux-arts et les qualités graphiques audacieuses de l’imagerie commerciale. Cette œuvre illustre l’habileté de Ramos à naviguer dans l’histoire de l’art et la culture contemporaine, en utilisant l’attrait de la nudité féminine pour explorer et satiriser les obsessions sociétales de la beauté, du désir et de la marchandisation. Ce faisant, l’œuvre de Ramos devient une concoction Pop Art par excellence, se délectant de son association ludique avec Duchamp tout en critiquant et en célébrant simultanément la culture visuelle de son époque.

Nu descendant un escalier n° 2

70 x 52 1/8 in.

huile sur toile

A major figure in both the Abstract Expressionist and American Figurative Expressionist movements of the 1940s and 1950s, Elaine de Kooning's prolific output defied singular categorization. Her versatile styles explored the spectrum of realism to abstraction, resulting in a career characterized by intense expression and artistic boundary-pushing. A striking example of de Kooning's explosive creativity is Untitled (Totem Pole), an extremely rare sculptural painting by the artist that showcases her command of color. <br><br>She created this piece around 1960, the same period as her well-known bullfight paintings. She left New York in 1957 to begin teaching at the University of New Mexico in Albuquerque, and from there would visit Ciudad Juárez, where she observed the bullfights that inspired her work. An avid traveler, de Kooning drew inspiration from various sources, resulting in a diverse and experimental body of work.

ELAINE DE KOONING

Sans titre (Totem Pole)

97 x 12 3/8 x 12 3/8 po.

huile sur toile tendue sur des cylindres en carton

ANDY WARHOL - Superman (II.260) - sérigraphie - 38 x 38 in.

ANDY WARHOL (EN)

Superman (II.260)

ANDY WARHOL - Mickey (II.265) - sérigraphie avec poussière de diamant - 38 x 38 in.

ANDY WARHOL (EN)

Mickey (II.265)

sérigraphie avec poussière de diamant

Jim Dine était un artiste pop américain dont le travail méditait sur des objets à l'allure enfantine pour trouver un langage universel et nostalgique. Les robes de Dine sont parmi les images les plus reconnaissables qui ont émergé de sa longue et illustre carrière. Ils ont été exposés pour la première fois à la galerie Sidney Janis à l'automne 1964 - c'est un exemple. Double Silver Point Robes est un assemblage à grande échelle de techniques mixtes. Le travail est exécuté à la pointe d'argent - une technique qui utilise un morceau d'argent comme un instrument de dessin sur un sol spécialement préparé par lequel il s'oxyde sur une période de mois pour créer un ton brun chaud. Les deux toiles jointes comportent des blocs de bois à la place des têtes et un élément en bois suspendu qui se déplace en fonction des courants d'air.

Robes double Silver Point

53 1/2 x 96 po.

silverpoint et acrylique sur 2 toiles jointes, bois, couteau et ficelle dans le cadre de l'artiste

DAVID SMITH - Sans titre - huile sur toile - 12 x 16 in.

DAVID SMITH (EN)

huile sur toile

DAVID SMITH - Sans titre - huile sur toile - 12 x 15 3/4 in.

DAVID SMITH (EN)

12 x 15 3/4 in.

huile sur toile

Connu pour son engagement rigoureux dans la chambre noire, Ansel Adams a réalisé 1 300 tirages de Moonrise, Hernandez ayant passé plus de 40 ans à les découper et à les brûler, créant ainsi un groupe longitudinal de chefs-d'œuvre. Moonrise est une composition formidable qui nous tient en haleine par sa beauté obsédante. Nous n'avons pas besoin de connaître les efforts désespérés d'Ansel pour installer son trépied et trouver son appareil de mesure pour saisir ce caractère éphémère, ni de réfléchir à la chance de capturer ce moment. Dans ce tirage de 1959, tous les détails glorieux sont présents : la lune presque pleine, mais pas tout à fait, avec ses caractéristiques discernables, et le cimetière essentiel avec ses bornes lumineuses et ses croix blanches éclairées de façon crue, prises dans le moment déclinant de l'inévitable retraite de la lumière du jour.

Lever de lune, Hernandez, Nouveau-Mexique

1941, imprimé c. 1959

10 3/8 x 13 3/8 in.

épreuve à la gélatine argentique

Well known for his candor and pragmatic sensibility, Alexander Calder was as direct, ingenious, and straight to the point in life as he was in his art. “Personnages”, for example, is unabashedly dynamic, a work that recalls his early love of the action of the circus as well as his insights into human nature. The character of “Personnages” suggests a spontaneous drawing-in-space, recalling his radical wire sculptures of the 1920s.<br>© 2023 Calder Foundation, New York / Artists Rights Society (ARS), New York

ALEXANDRE CALDER

29 1/2 x 43 1/4 in.

gouache et encre sur papier

La série Ocean Park de Diebenkorn évoque l'équilibre délicat de la lumière et de la couleur, la composition réfléchie et l'intégration subtile d'éléments paysagers, qui simulent tous l'ambiance côtière de son studio de Santa Monica. Au début des années 1990, Diebenkorn a revisité les thèmes et les sensibilités esthétiques de la série Ocean Park en utilisant diverses techniques d'impression pour approfondir son exploration du langage abstrait qu'il avait développé dans ses peintures. High Green, Version I illustre cette recherche, suggérant les stratégies de composition, la palette et les préoccupations spatiales qui définissent la série Ocean Park, tout en montrant les possibilités uniques de la gravure pour réinterpréter ces éléments.

RICHARD DIEBENKORN

High Green, Version I

La série de sculptures Bali de Frank Stella se caractérise par des formes flottantes et fluides, s’étendant dans l’espace du spectateur et invitant à l’interaction entre l’objet et son environnement. Le « dadap », un type d’arbre associé à la croissance et à la signification rituelle dans la culture balinaise, reflète la nature organique et dynamique des sculptures de Stella. En passant de l’acier inoxydable et de l’aluminium au bambou, Stella a préservé la nature essentielle de l’esthétique balinaise qui exalte des formes organiques, fluides et dynamiques dans leur espace. Dadap présente une continuité dans l’exploration thématique de Stella où l’esprit de son travail transcende la matérialité. Le métal offre une texture, une réflectivité et une interaction différentes avec la lumière et l’espace, tout en adhérant aux principes du mouvement et de l’interactivité. Il s’agit d’un transfert créatif de forme et de concept à travers différents médiums, en conservant l’esprit de l’inspiration initiale tout en permettant aux propriétés du nouveau matériau d’exprimer ces idées dans un nouveau contexte.

FRANK STELLA (EN)

66 1/2 x 50 1/4 x 19 in.

acier inoxydable et aluminium

Le déjeuner de l'artiste de la région de la Baie Roland Petersen est une huile sur toile de 1961, une année critique pour sa série de pique-niques la plus connue. Son travail de cette période est caractérisé par un empâtement épais et une couleur riche. Profondément influencé par les études de Hans Hoffman, Petersen expérimente l'abstraction, mêlant ici des styles abstraits et figuratifs. Peint lorsque Petersen avait 35 ans, Luncheon s'inscrit dans un cadre temporel qui comprend son exposition personnelle à guichets fermés en 1962 à la Staempfli Gallery de New York, son exposition personnelle à Esther-Robles à Los Angeles et la bourse Guggenheim Fellowship qui lui a permis d'étudier à Paris.

ROLAND PETERSEN

huile sur toile

Expositions dignes d'intérêt

8 novembre 2018 - 28 février 2019New York, NY

DE KOONING X DE KOONING

8 novembre 2018 - 28 février 2019 New York, NY

26 août 2020 - 28 février 2021Jackson Hole, WY

MERVEILLES DE L'ART IMPRESSIONNISTE ET MODERNE EN AMÉRIQUE ET EN EUROPE

26 août 2020 - 28 février 2021 Jackson Hole, WY

16 mars 2020 - 28 février 2021Palm Desert, CA

LA COLLECTION GLORIA LURIA

16 mars 2020 - 28 février 2021 Désert de Palm, CA

25 mars 2020 - 28 février 2021New York, NY

ALEXANDER CALDER : DES GOUACHES AUDACIEUSES

25 mars 2020 - 28 février 2021 New York, NY

Artistes sélectionnés que nous avons placés auprès des collectionneurs en 2020

Claude Monet

Alexandre Calder

Edouard Hopper

Helen Frankenthaler

Camille Pissarro

Tracey Emin

Fernand Léger

Pablo Picasso

David Hockney

Andrew Wyeth

Grace Hartigan

Salvador Dali

Anish Kapoor

Condo George

Jean Arp

Vincent van Gogh

Andy Warhol

Robert Motherwell

Marc Chagall

Deborah Butterfield

Pat Steir

Raoul Dufy

Georgia O'Keeffe

Ed Ruscha

Elaine de Kooning

Mark Bradford

Ansel Adams

Norman Rockwell (en)

Ai Weiwei

Carlos Cruz-Diez

CLAUDE MONET
SALVADOR DALI
ALEXANDRE CALDER

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Heather James Art Advisory met à profit des décennies d'expérience en matière de conservation, grâce aux conseils de notre équipe de conservateurs principaux qui ont organisé des expositions dans le monde entier, dans des musées, des galeries et des résidences privées. En associant des éléments esthétiques et historiques de l'art, nous aiderons votre collection et votre maison à refléter vos intérêts artistiques.

Logistique

HJ Art Advisory fournit une logistique complète lors de la manipulation, du transport et de la supervision des œuvres d'art de nos clients. Notre surveillance porte sur tous les aspects de l'entretien de l'œuvre d'art. Nous supervisons chaque étape du processus de transport, d'installation et de stockage des œuvres d'art. Nous conseillons et facilitons la conception de l'encadrement, l'éclairage, les exigences en matière de sécurité, la conservation et l'évaluation de l'état des œuvres.

Documentation

Lors de l'achat d'œuvres d'art, HJ Art Advisory recherche la provenance de l'œuvre et demande au vendeur de lui fournir des déclarations et des garanties selon lesquelles le vendeur détient un titre de propriété valable et que l'objet est libre de tout privilège, de toute réclamation et de toute charge.
HJ Art Advisory demandera une indemnisation pour le remboursement intégral de l'œuvre d'art en cas de violation de la garantie (éventuellement inclure cette ligne ???).
Ventes privées et processus d'enchères : Les informations essentielles à saisir sont les suivantes : Artiste, titre de l'œuvre, date, support, dimensions, prix, image, entité de l'offre, provenance, certificats, facture (si possible), rapport d'état, privilèges, litiges, titre de propriété.

Prêts aux musées

Heather James a eu l'honneur de faciliter les prêts aux plus grands musées du monde, notamment le MoMA, le Centre Pompidou et bien d'autres encore. HJ Art Advisory s'occupe de toutes les formalités administratives et logistiques nécessaires pour nos collectionneurs qui décident de prêter une œuvre d'art à une exposition muséale.

Authentification

HJ Art Advisory applique les normes les plus strictes en matière de diligence raisonnable par le biais d'enquêtes, de recherches et de vérifications de la provenance des objets avant leur acquisition, afin de s'assurer qu'un titre de propriété clair peut être obtenu. Ces recherches comprennent, sans s'y limiter, la détermination des éléments suivants

Historique de la propriété de l'objet
Pays dans lesquels l'objet a été localisé et quand.
Historique de l'exposition de l'objet
Historique de la publication de l'objet
Toute revendication de propriété, si elle a été faite
Bases de données d'objets volés en rapport avec l'objet
Les circonstances dans lesquelles l'objet est offert
Sources de recherche pertinentes, y compris Le registre des pertes d'œuvres d'art ou d'autres bases de données.
Garantie et déclaration d'indemnisation du vendeur, assurant que le vendeur possède un titre de propriété valide et que l'objet est libre de tout privilège, réclamation ou charge.
Recherche et documentation sur l'époque nazie et la Seconde Guerre mondiale, conformément aux lignes directrices relatives à l'acquisition d'objets susceptibles d'avoir séjourné dans l'Europe occupée par les Allemands entre 1933 et 1945.

Finances

HJ Art Advisory assiste ses clients dans le cadre de prêts garantis par des actifs, de l'achat d'œuvres d'art pour des trusts et de la planification successorale. Nous offrons notre expertise sur le marché de l'art afin de positionner au mieux nos clients lorsqu'ils prennent des décisions pour leur collection. Nous travaillons avec les successions, les équipes juridiques et les conseillers financiers pour soutenir au mieux nos clients et leurs objectifs.
Heather James Fine Art n'est pas un conseiller agréé en matière d'investissement, de droit ou de fiscalité. Toutes les opinions financières et d'investissement exprimées par Heather James Fine Art sont des opinions basées sur des recherches personnelles. Les performances passées ne constituent pas une garantie de rendement futur et ne sont pas nécessairement indicatives des performances futures.

Ventes et acquisitions

HJ Art Advisory se concentre sur la recherche d'œuvres d'art pour des acquisitions potentielles à partir de ventes privées, de maisons de vente aux enchères et de commandes d'artistes. HJ Art Advisory surveille en permanence le marché privé et public à la recherche d'œuvres d'art importantes qui intéressent nos clients et qui enrichiront leurs collections. Nous négocions la vente ou le prix de vente au nom d'un collectionneur afin d'obtenir la meilleure transaction possible pour nos clients.

Valeur et assurance

Le groupe HJ Art Advisory évalue les collections d'œuvres d'art en vue de leur évaluation par les assurances, de leur acquisition et de leur cession. Cela implique des recherches approfondies sur l'analyse du marché de l'art privé et public afin de déterminer la valeur.

Connaissance

HJ Art Advisory travaille avec et pour le compte de clients qui développent de nouvelles collections ou qui possèdent des collections bien établies, en leur fournissant des conseils et une offre de services approfondie. Nos connaissances et notre expérience approfondies, ainsi que nos nombreuses années d'expérience dans le secteur de l'art, permettent à notre personnel hautement qualifié et expérimenté de fournir des conseils et des orientations à de multiples niveaux.

Vous voulez en savoir plus sur cette ou ces œuvres ? Envoyez-nous un message pour nous faire part de votre intérêt.

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