לונדון

CONSULTNEWSSERVICES כל המיקומים

HJFA פועלת ברחבי העולם מאז הקמתה לפני 25 שנה. הייעוץ שלנו בלונדון, בהובלת אמה בארנס, מייצג פרק חדש ומלהיב המאפשר לנו לשרת לקוחות באופן ישיר יותר באחד משווקי האמנות הפעילים והמשפיעים ביותר בעולם.

– ג'יימס קרונה, מייסד שותף ובעלים משותף של הת'ר ג'יימס אמנות

HJFA_LDN_Emma

אמה בארנס

יועץ אמנות
לונדון, אנגליה

אמה מובילה את הייעוץ הלונדוני של הת'ר ג'יימס פיין ארט לאחר שלוש שנים בפאלם דזרט של החברה, קליפורניה, המטה שבו היא עדיין מחלקת זמן. היא עבדה גם עם הת'ר ג'יימס ניו יורק וסן פרנסיסקו. אמה סייעה בעסקאות גדולות כולל יצירות של וינסנט ואן גוך; קלוד מונה; דייגו ריברה; אדוארד הופר; ג'ורג'יה אוקיף; אד רושה. המומחיות שלה משתרעת על פני אמנות שבב כחול על פני ז'אנרים. 

אמה עבדה בעבר שש שנים בוושינגטון הבירה. היא סיימה בהצטיינות את לימודיה באוניברסיטת פנסילבניה ובהצטיינות מקינג'ס קולג' בלונדון, וגדלה בברקשייר, אנגליה.

[email protected]

ג: +44 (0)7835 233 238

הזיכרונות המוקדמים שלי כוללים אמנות ותרבות בלונדון. אני נרגש לחזור לעיר ומצפה להעמקת היחסים עם אספנים פרטיים ושותפים בתעשייה כאחד.
– אמה בארנס

לחץ לייעוץ אישי

הת'ר ג'יימס פיין ארט – לונדון תהיה משאב יקר ערך עבור לקוחות מקומיים, מתן מגוון רחב של תמיכה וסיוע עבור מגוון רחב של נכסים. בעזרת מומחי הת'ר ג'יימס אמנות, הנציגים שלנו יכולים לסייע לך אם יש לך שאלות לגבי קנייה או מכירה, או רוצה לקבל אובייקט מהאוסף שלך מוערך.

אנו מספקים מגוון רחב של שירותים מבוססי לקוח כולל עיזבון ותכנון מס, ניהול גבייה, שמאות, ניהול לוגיסטי, רכישות ושירותים פיננסיים.

בחדשות

חדשות

שוק האמנות מרץ 2023

הת'ר ג'יימס פיין ארט, מייסדת שותפה, ג'ים קרונה, דנה בחוסן שוק האמנות ומציעה תובנות על השקעה באמנות בתקופה הפיננסית של הדובים. עוד...

ללחוץ

הת'ר ג'יימס השאילה את ואן גוך שנכלל ב"ואן גוך באמריקה" מושך קהל

אוקטובר 2, 2022
הת'ר ג'יימס השאילה את ואן גוך שנכלל ב"ואן גוך באמריקה" ומושכת קהל נלהב.
הצג מאמר

ללחוץ

הת'ר ג'יימס משאילה את מייג'ור ואן גוך ל"ואן גוך באמריקה"

ספטמבר 30, 2022
הת'ר ג'יימס משאילה את "Harvest in Provence", אותו צייר ואן גוך ב-1888, בהשראת הנוף והצבעים של ארל, צרפת, למכון דטרויט לאמנות עבור "ואן גוך ב
הצג מאמר

חדשות

חוסן שוק האמנות

הת'ר ג'יימס פיין ארט, מייסדת שותפה של ג'ים קרונה, סוקרת את הביצועים של שוק האמנות בתקופות מיתון קודמות ומציעה תצפיות מרכזיות מדוע שוק האמנות הוכיח את עצמו כ עוד...

חדשות

אמנות כהשקעה

פיין ארט מופיעה בין ההימורים הטובים ביותר לשנת 2022. ראה את הניתוח המעמיק שלנו של אמנות כנכס בתיק ההשקעות שלך. עוד...

וידאו

להכיר את הת'ר ג'יימס אמנות

חוגגים מעל 25 שנים, צוות הת'ר ג'יימס נפתח על מה המשימה שלנו אומרת לנו. עוד...

חדשות

חוגגים 25 שנה של הת'ר ג'יימס אמנות

בשנת 2021, הת'ר ג'יימס אמנות חגגה 25 שנים בעסקים. בזמן הזה, הצבנו מעל 6,500 יצירות אמנות עם אספנים עוד...

חדשות

הת'ר ג'יימס אסיה

הת'ר ג'יימס אמנות יפה מחפשת יועצי אמנות להצטרף לצוות המכירות שלנו ולסייע בהתרחבות שלנו לשוק האסייתי. עוד...

חדשות

הת'ר ג'יימס פותחת את חברת הייעוץ לונדון

HJFA פועלת ברחבי העולם מאז הקמתה לפני 25 שנה. הייעוץ שלנו בלונדון, בהובלת אמה בארנס, מייצג פרק חדש ומרגש המאפשר לנו לשרת לקוחות באופן ישיר יותר ב עוד...

חדשות

UBS וארט באזל על גביית מגמות ב-2021

נקודות עיקריות מתוך סקירת אמצע השנה של UBS וארט באזל על איסוף אמנות. עוד...

קטלוגים

מהפכות באמנות המודרנית

במהפכות באמנות המודרנית, אנו מקווים לשפוך אור על האופן שבו השמות הגדולים ביותר של האמנות המודרנית שינו את מהלך תולדות האמנות. עוד...

קטלוגים

הת'ר ג'יימס אמנות – אודותינו

הת'ר ג'יימס אמנות כבר בעסק במשך 25 שנים, מציג יצירות חשובות המשתרעות על פני תקופות זמן וז'אנרים כולל עכשווי, מודרני, אימפרסיוניסטי, אמריקאי, אמריקה הלטינית, מאסטרים ישנים. עוד...

שירותים

הת'ר ג'יימס פיין ארט מספקת מגוון רחב של שירותים מבוססי לקוח המתאימים לצרכי איסוף האמנות הספציפיים שלך. צוות התפעול שלנו כולל מטפלים מקצועיים באמנות, מחלקת רשם מלאה וצוות לוגיסטי בעל ניסיון רב בהובלת אמנות, התקנה וניהול אוספים. עם שירות כפפות לבנות וטיפול מותאם אישית, הצוות שלנו עובר את הקילומטר הנוסף כדי להבטיח שירותי אמנות יוצאי דופן עבור לקוחותינו.

תכנון נדל"ן ומס

ניהול אוספים 

משיכת השקעות

ניהול לוגיסטיקה

שמאות הערכה

פיננסיים

משאבים נוספים

 

  • שירותים ביתיים
  • שירותים-ג'סיקה1
  • Svc_hirst
  • שירותים-בריאן1
  • Svc_Warhol
  • מיזוג
  • Svc_kapoor

הכירו אותנו

גלריות

פנים גלריית פאלם דזרט

מדבר פאלם

שדרות פורטולה 45188
פאלם דזרט, קליפורניה 92260
(760) 346-8926
שעות: בתיאום מראש

גלריית ג'קסון הול

ג'קסון

רחוב סנטר 172, סוויטה 101
ת.ד. 3580
 ג'קסון הול, וואי 83001
(307) 200-6090
שעות: בתיאום מראש

ייעוץ וייעוץ

ניו יורק

ניו יורק

לונדון

לונדון

לוס אנג'לס

לוס אנג'לס

באזל

באזל

סן פרנסיסקו

סן פרנסיסקו

ניופורט ביץ'

ניופורט ביץ'

מונטסיטו

מונטסיטו

פאלם ביץ'

פאלם ביץ'

גרפיקה מוצגת

Cottonwood Tree (Near Abiquiu), New Mexico (1943) by celebrated American artist Georgia O’Keeffe is exemplary of the airier, more naturalistic style that the desert inspired in her. O’Keeffe had great affinity for the distinctive beauty of the Southwest, and made her home there among the spindly trees, dramatic vistas, and bleached animal skulls that she so frequently painted. O’Keeffe took up residence at Ghost Ranch, a dude ranch twelve miles outside of the village of Abiquiú in northern New Mexico and painted this cottonwood tree around there. The softer style befitting this subject is a departure from her bold architectural landscapes and jewel-toned flowers.<br><br>The cottonwood tree is abstracted into soft patches of verdant greens through which more delineated branches are seen, spiraling in space against pockets of blue sky. The modeling of the trunk and delicate energy in the leaves carry forward past experimentations with the regional trees of the Northeast that had captivated O’Keeffe years earlier: maples, chestnuts, cedars, and poplars, among others. Two dramatic canvases from 1924, Autumn Trees, The Maple and The Chestnut Grey, are early instances of lyrical and resolute centrality, respectively. As seen in these early tree paintings, O’Keeffe exaggerated the sensibility of her subject with color and form.<br><br>In her 1974 book, O’Keeffe explained: “The meaning of a word— to me— is not as exact as the meaning of a color. Color and shapes make a more definite statement than words.” Her exacting, expressive color intrigued. The Precisionist painter Charles Demuth described how, in O’Keeffe’s work, “each color almost regains the fun it must have felt within itself on forming the first rainbow” (As quoted in C. Eldridge, Georgia O’Keeffe, New York, 1991, p. 33). As well, congruities between forms knit together her oeuvre. Subjects like hills and petals undulate alike, while antlers, trees, and tributaries correspond in their branching morphology.<br><br>The sinewy contours and gradated hues characteristic of O’Keeffe find an incredible range across decades of her tree paintings. In New Mexico, O’Keeffe returned to the cottonwood motif many times, and the seasonality of this desert tree inspired many forms. The vernal thrill of new growth was channeled into spiraling compositions like Spring Tree No.1 (1945). Then, cottonwood trees turned a vivid autumnal yellow provided a breathtaking compliment to the blue backdrop of Mount Pedernal. The ossified curves of Dead Cottonweed Tree (1943) contain dramatic pools of light and dark, providing a foil to the warm, breathing quality of this painting, Cottonwood Tree (Near Abiquiu). The aural quality of this feathered cottonwood compels a feeling guided by O’Keeffe’s use of form of color.

ג'ורג'יה אוקיף

דייגו ריברה - דיוקן אנריקטה ג' דווילה - שמן על בד - 79 1/8 x 48 3/8 אינץ'.

דייגו ריברה

וילם דה KOONING - אישה בסירת משוטים - שמן על נייר הניח על הבונים החופשיים - 47 1/2 x 36 1/4 ב.

וילם דה קונינג

Having unwittingly inserted himself into the Pop Art conversation with his Great American Nude series, Tom Wesselmann spent the rest of his career explaining that his motivation was not to focus excessively on a subject matter or to generate social commentary but instead, to give form to what titillated him most as beautiful and exciting. His disembodied Mouth series of 1965 established that an image did not have to rely on extraneous elements to communicate meaning. But it was his follow-up performances with the Smoker series and its seductive, fetish allure that raised his standing among true sybarites everywhere. Apart from perceiving smoking as cool and chic, a painting such as Smoker #21 is the consummate celebration of Wesselmann’s abilities as a painter. Enticed by the undulating smoke, Wesselmann took great pains to accurately depict its sinuous movements and observe the momentary pauses that heightened his appreciation of its sensual nature. Like all of Wesselmann’s prodigious scaled artworks, Smoker #21 has the commanding presence of an altarpiece. It was produced during long hours in his impressive Manhattan studio in Cooper Square, and the result is one of sultry dynamism — evocative, sensual, alluring, sleek, luscious, and perhaps, even sinister — a painting that flaunts his graphic supremacy and potent realism varnished with his patented sex appeal flair.<br><br>Tom Wesselmann expanded upon the success of his Great American Nudes by focusing on singular features of his subjects and began painting his Mouth series in 1965. In 1967, Wesselmann’s friend Peggy Sarno paused for a cigarette while modeling for Wesselmann’s Mouth series, inspiring his Smoker paintings. The whisps of smoke were challenging to paint and required Wesselmann to utilize photographs as source material to capture the smoke’s ephemeral nature properly. The images here show Wesselmann photographing his friend, the screenwriter Danièle Thompson, as she posed for some of Wesselmann’s source images.

טום ווסלמן

When forty rural Sacramento Delta landscapes by Wayne Thiebaud were unveiled at a San Francisco gallery opening in November 1997, attendees were amazed by paintings they never anticipated. This new frontier betrayed neither Thiebaud’s mastery of confectionary-shop colors nor his impeccable eye for formal relationships. Rather, his admirers were shocked to learn that all but seven of these forty interpretations had been completed in just two years. As his son Paul recalled, “the refinements of my father’s artistic process were ever changing in a chameleon-like frenzy.” The new direction had proved an exhilarating experience, each painting an affirmation of Wayne Thiebaud’s impassioned response to the fields and levees of the local environment he dearly loved. <br><br>Viewed from the perspective of a bird or a plane, The Riverhouse is an agrarian tapestry conceived with a kaleidoscopic range of shapes and simple forms; fields striped with furrows or striated fans, deliriously colored parallelograms and trapezoids, an orchard garnished pizza-shaped wedge, and a boldly limned river, the lifeline of a thirsty California central valley largely dependent upon transported water.<br><br>The Riverhouse is a painting that ‘moves’ between seamlessly shifting planes of aerial mapping that recalls Richard Diebenkorn’s stroke of insight when he took his first commercial flight the spring of 1951, and those partitions engaging a more standard vanishing point perspective. Thiebaud explained his process as “orchestrating with as much variety and tempo as I can.” Brightly lit with a fauve-like intensity, The Riverhouse is a heady concoction of vibrant pigment and rich impasto; one that recalls his indebtedness to Pierre Bonnard whose color Thiebaud referred to as “a bucket full of hot coals and ice cubes.” Among his many other influences, the insertion of objects — often tiny — that defy a rational sense of scale that reflects his interest in Chinese landscape painting.<br><br>As always, his mastery as a painter recalls his titular pies and cakes with their bewitching rainbow-like halos and side-by-side colors of equal intensity but differing in hues to create the vibratory effect of an aura, what Thiebaud explained “denotes an attempt to develop as much energy and light and visual power as you can.” Thiebaud’s Sacramento Delta landscapes are an integral and important part of his oeuvre. Paintings such as The Riverhouse rival the best abstract art of the twentieth century. His good friend, Willem de Kooning thought so, too.

ויין תיאבאוד

אלפרד סיסלי - ל'אגלייז דה מורט, לה סואר - בד שמן - 31 1/4 x 39 1/2 אינץ'.

אלפרד סיסלי

אמיל נולדה - Sonnenblumen, Abend II - שמן על בד - 26 1/2 x 35 3/8 אינץ'.

אמיל נולדה

אלכסנדר קלדר - הצלב - שמן על בד - 28 3/4 x 36 1/4 אינץ '.

אלכסנדר קלדר

בתחילת שנות ה-70 של המאה ה-19 צייר וינסלו הומר לעתים קרובות סצנות של חיים כפריים ליד כפר חקלאי קטן שנודע במשך דורות בזכות דוכני החיטה המרשימים שלו, הממוקם בין נהר ההדסון לקטסקיל במדינת ניו יורק. כיום הארלי מפורסם הרבה יותר כהשראה לאחת מיצירותיו הגדולות ביותר של הומרוס, Snap the Whip שצויר בקיץ 1872. בין הציורים הרבים האחרים בהשראת האזור, נערה עומדת בשדה החיטה עשירה בסנטימנטים, אך לא סנטימנטלית מדי. הוא מתקשר ישירות למחקר משנת 1866 שצויר בצרפת בשם "בשדות החיטה", ומחקר נוסף שצויר שנה לאחר מכן לאחר שובו לאמריקה. אבל הומרוס היה ללא ספק גאה ביותר בזה. זהו דיוקן, חדר לימוד תלבושות, ציור ז'אנרי במסורת הגדולה של הציור הפסטורלי האירופי, וטור דה פורס מואר בדרמטיות, ספוג באור השעה הזוהר הדועך במהירות, מצופה בתווים פרחוניים ונגיעות קוצים של חיטה. בשנת 1874 שלח הומרוס ארבעה ציורים לתערוכה של האקדמיה הלאומית לעיצוב. אחד מהם נקרא "ילדה". יכול להיות שזה לא זה?

וינסלו הומר

פרידה KAHLO - פטיש ומגל (ותינוק שטרם נולד) - טיח יבש ומדיה מעורבת - 16 1/4 x 13 x 6 אינץ '.

פרידה קאלו

נ.C ווית' - סאמר. "שקט" - שמן על בד - 33 3/4 x 30 1/4 אינץ'.

נ.C. וייט

שון סקאלי - אדום אפור - שמן על אלומיניום - 85 x 75 אינץ'.

שון סקאלי

עולמו של מארק שאגאל אינו יכול להיות מוכל או מוגבל על ידי התוויות שאנו מצמידים אליו. זהו עולם של דימויים ומשמעויות היוצרים שיח מיסטי להפליא משלהם. Les Mariés sous le baldaquin (החתן והכלה מתחת לחופה) החל עם כניסתו של האמן לשנתו ה-90, אדם שידע טרגדיה וסכסוכים, אך מעולם לא שכח את רגעי ההנאה של החיים. כאן, התענוגות החלומיים של חתונה כפרית רוסית עם סידורי המשתתפים השחוקים היטב מובאים אלינו בשנינות כה שמחה ותמימות עליזה, שאין התנגדות לקסמה. באמצעות תחליב בגוון זהוב המשלב שמן וגואש אטום על בסיס מים, החום, האושר והאופטימיות של הפוזיטיביזם הרגיל של שאגאל עטופים בזוהר זוהר המרמז על השפעתם של איקונות דתיות בעלות עלי זהב או ציורים מראשית הרנסנס שביקשו להקנות רושם של אור אלוהי או הארה רוחנית. שימוש בשילוב של שמן וגואש יכול להיות מאתגר. אבל כאן, ב-Les Mariés sous le baldaquin, שאגאל משתמש בו כדי להעניק לסצנה איכות אחרת, כמעט כאילו זה עתה התממשה מתוך עינו. עדינותו הטקסטואלית יוצרת את הרושם שהאור נובע מהיצירה עצמה ומעניקה איכות ספקטרלית לדמויות המרחפות בשמיים.

מארק שאגאל

ANISH KAPOOR - Halo - נירוסטה - 120 x 120 x 27 in.

אניש קאפור

טום וסלמן - ברונטית חדר שינה עם איריסים - שמן על אלומיניום חתוך - 105 3/4 x 164 5/8 אינץ '.

טום ווסלמן

MARSDEN HARTLEY - באך פרלודס ופוגות מס '1 (נושא מוסיקלי) - שמן על בד מונח על הסיפון - 28 1/2 x 21 אינץ '.

מרסדן הארטלי

Pablo Picasso was not only the greatest painter and most innovative sculptor of the twentieth century, but he was also its foremost printmaker. He produced a staggering number of prints in every conceivable medium. Yet Picasso’s crowning printmaking achievement may be the linocut, a relief print of such a low technical barrier that it is accessible to almost anyone. If you have ever made a block print and experienced the carving and removing of portions so that a succession of colors can be preserved on the resulting print, it is a thrill to feel in your hand how Picasso created the image.<br><br>Buste de Femme au Chapeau was created in 1962 when Picasso was eighty years of age. Boldly designed and simply conceived, it remains today as a testament to his ever-restless nature and genius for expanding his repertoire. Printed in five vibrant opaque colors – yellow, blue, green, red – and black assembled on the strength of his unmatched graphic skill, it is a portrait inspired by his wife Jacqueline Roque. The assertive layering of color carries a visual impact similar to his paintings in oil. Considered by many collectors as his most important linocut, it was printed and published in an edition of 50. The colors of this particular print — an artist’s proof — are exceptionally fresh and strong.

פבלו פיקאסו

דיוקן סילבי לאקומב של תיאו ואן רייסלברגה, שצויר בשנת 1906, הוא יצירת מופת קלאסית של אחד מציירי הדיוקנאות המעודנים והעקביים ביותר של זמנו. הצבע הרמוני, עבודת המכחול נמרצת ומותאמת למשימתה החומרית, גופה וארשת פניה אמיתיים וחושפניים. היושבת היא בתו של חברו הטוב, הצייר ז'ורז' לאקומב, שחלק קשר הדוק עם גוגן, והיה חבר בלה-נאביס עם האמנים בונאר, דניס ווילאר, בין היתר. כיום אנו יודעים על סילבי לאקומב משום שואן ריסלברג מיומנת כל כך בעיבוד הבעות פנים עדינות ובאמצעות התבוננות זהירה ותשומת לב לפרטים, סיפקה תובנות על עולמה הפנימי. הוא בחר במבט ישיר, עיניה אליך, ברית בלתי נמנעת בין הסובייקט לצופה, ללא קשר ליחסנו הפיזי לציור. ואן ריסלברג נטש במידה רבה את הטכניקה הפוינטיליסטית כשצייר דיוקן זה. אבל הוא המשיך ליישם את הקווים המנחים של תורת הצבעים על ידי שימוש בגוונים של אדום - ורוד וסגול - כנגד ירוקים כדי ליצור פלטת צבעים הרמונית ומשופרת של צבעים משלימים, שאליהם הוסיף מבטא חזק כדי למשוך את העין - קשת אדומה רוויה מאוד המונחת באופן א-סימטרי בצד ראשה.

תיאו ואן רייסלברג

Initially used as a frontispiece illustration for the 1914 novel, “The Witch,” by Mary Johnston, Wyeth’s painting presents a poignant scene of friendship and understanding between a grieving, independent woman and a generous, misunderstood doctor. Although the two hardly know each other, they have a shared understanding of and reverence for what is good. While the rest of the town searches for the devil in all things, these two choose kindness and light. Here, they take a moment to appreciate the lives they have led and the good they have done. Wyeth’s illustration depicts hope and expectation of good despite the perils and sorrows of human life.<br><br>In addition to illustrating more than 100 books, including adventure classics like Treasure Island, Kidnapped, Robinson Crusoe, and The Last of the Mohicans, Wyeth was also a highly regarded muralist, receiving numerous commissions for prestigious corporate and government buildings throughout the United States. Wyeth’s style, honed by early work at the Saturday Evening Post and Scribner’s, demonstrates his keen awareness of the revealing gesture, allowing readers to instantly grasp the essence of a scene.

נ.C. וייט

לא קשה להבין כיצד הסידור המבריק בן שתי השורות של רוברט אינדיאנה בן ארבע האותיות סייע להעצים תנועה בשנות השישים. מקורו בחשיפה עמוקה לדת ומהחבר והמנטור אלסוורת' קלי, שסגנונו הקשוח וצבעו החושני וחסר המבטא הותירו רושם עז. אבל כמו שאינדיאנה קרא, זה היה רגע של נשיקה שקרה בדיוק כש"אהבה נשכה אותי!" והעיצוב הגיע אליו חד וממוקד. אינדיאנה, כמובן, העבירה את העיצוב בצעדים רבים, ואז הלוגו החל לנבוט בכל מקום. המסר, המועבר בצורה הטובה ביותר בפיסול, עומד בערים ברחבי העולם ותורגם למספר שפות, שאחת מהן היא האיטרציה האיטלקית שלו, "אמור" עם האות "O" המקרית שלו גם היא מוטה ימינה. אבל במקום להיבעט ברגל של "L", גרסה זו מעניקה אפקט מתנודד מבוים להפליא ל "A" לעיל. זה נותן רושם חדש, אבל לא פחות עמוק, של אהבה וטבעה הטעון רגשית. בכל מקרה, האות O המוטה של לאב מקנה חוסר יציבות לעיצוב יציב אחרת, השלכה עמוקה של הביקורת המובלעת של אינדיאנה על "הסנטימנטליות החלולה לעתים קרובות הקשורה במילה, המרמזת באופן מטאפורי על כמיהה נכזבת ואכזבה במקום על חיבה סכרינית" (Robert Indiana's Best: A Mini Retrospective, New York Times, May 24, 2018). לחזרתיות, כמובן, יש הרגל מגונה להחליש את הערכתנו לגאונות של פשטות ועיצוב פורץ דרך. בשלב מאוחר בחייה, אינדיאנה קוננה על כך ש"זה היה רעיון נפלא, אבל גם טעות איומה. זה הפך פופולרי מדי. ויש אנשים שלא אוהבים פופולריות". אבל אנחנו, תושבי עולם רווי מחלוקות ולכודים במהומה, תודה. "אהבה" וגרסאותיה הרבות הן תזכורות חזקות ליכולתנו לאהוב, וזוהי תקוותנו הנצחית הטובה ביותר לעתיד טוב יותר.

רוברט אינדיאנה

אדולף גוטליב - אזימוט - שמן על בד - 95 3/4 x 144 1/4 אינץ'.

אדולף גוטליב

פרנק סטלה - המוסקט - מדיה מעורבת על אלומיניום - 74 1/2 x 77 1/2 x 33 אינץ '.

פרנק סטלה

סלומון ואן RUYSDAEL - נוף דיונה עם דמויות נחות זוג על סוסים, נוף של קתדרלת ניימגן מעבר - שמן על בד - 26 1/2 x 41 1/2 אינץ '.

סלומון ואן רוסדאל

יאן ג'וזפסון ואן גוין - נוף נהר עם טחנת רוח וקפלה - שמן על הלוח - 22 1/2 x 31 3/4 אינץ '.

יאן ג'וזפסון ואן גוין

JOAN MIRO - L'Oiseau - ברונזה ומחסום - 23 7/8 x 20 x 16 1/8 אינץ '.

ג'ואן מירו