נולד בשנת 1885, הקשת של הקריירה של מילטון אייברי היה מסונכרן לתערוכה החשובה ביותר שהתקיימה באמריקה - תערוכת הנשקייה של 1913. האירוע פעל על שאננות אמריקאית בעוצמה מזעזעת. היא גם הניחה את היסודות למהפכה אמנותית שממנה יכול היה לצאת אמן כמו אייברי. אייברי התאפיין לעתים קרובות כמטיס של אמריקה, אך הוא נתפס באופן הולם יותר כמוווריק שהבין את טבעו הפנימי והיה לו חזון מובהק, כמו גם נחישות על-טבעית שממנה מעולם לא היסס. אמן אמריקאי מובהק, רוחו העצמאית באה לידי ביטוי באמנותו ובתנאים שלו: צורות גדולות, ללא דגש על אור וצל או דוגמנות כבדה, צורות שטוחות, פשוטות משתלבות וצבעים לא קשורים ויחסי צבע.
בשנים שלפני שקבוצת אמנים צעירים הלכה אחריו בתשומת לב נלהבת, אייברי היה לבדו. כאילו כדי להמחיש את הנקודה, אשתו סאלי נזכרה בהומור כי, "הוא התחיל לשרטט אותי הרבה והוא עשה את הדמות הגדולה הזאת - דמות יושבת. והאיש שהשאיל למילטון את הסטודיו שלו... נכנס ואמר, "מילטון! אתה נהיה עצלן. לא סיימת את התמונה הזאת!" ומילטון אמר, "אבל סיימתי את זה." זה שלו, אתה יודע, אני מתכוון, "מנקודת המבט שלי זה נגמר." (ראיון עם סאלי מישל אייברי, 3 בנובמבר 1967, הארכיון לאמנות אמריקאית, מכון סמיתסוניאן)
אישה בכחול צוירה במהלך השנים הקשות של השפל הכלכלי, כאשר אפילו ההוצאה של צינור צבע אחד הייתה נטל. אייברי טען בצחוק שהוא יכול לעשות צינור צבע האחרון יותר מכל אחד אחר. זה כנראה היה נכון. בכל מקרה, תגובתו לנסיבות אלה הוכיחה את עצמה כסרנדיפיטית ותרמה לאחד ההיבטים הבולטים ביותר של גאונותו כצייר טהור - יכולתו הבלתי מעורערת להשיג צבע זוהר באמצעות שטיפות מוברשות בזריזות. צויר בסוף שנות השלושים, אישה בכחול היא יצירה המתענגת על טונאליות עשירה יותר מאשר afficionados רבים של עבודתו של אייברי עשוי להיות רגיל לראות. עם זאת, הוא מדגים בשפע את השקיפות הזוהרת שאליה היה מסוגל; ניכר כאן בעבודות המכחול העמוקות של כחלחל-ספיר שעוטפות את כל הדמות הלבושה. אבל אייברי מיומנת באותה מידה בהדגמת ההשפעות של שימוש ביחסי אטימות יחסיים להשפעה רבה. שימו לב, למשל, כאן איך האלמנט הפרחוני האטום 'קופץ' בנדיבות ומושך את העין לסיגריה הלבנה-מטונפת, ולמטה לאורך האמה לאצבעותיה הנשענות על זרוע הכיסא. איברי הרגיש קשר רציני למאטיס כשביקר בתערוכת היחיד של המאסטר הצרפתי במוזיאון לאמנות מודרנית בשנת 1931. אך הבנתו העמוקה והמתוחכמת את הצבע באמצעות הפתגם הידוע "הצורך הוא אם ההמצאה" ווריד ההומור האופטימי והמובהק שלו הם שמבדילים את אייברי מכל האחרים.
ההשפעה של צבעו הזוהר וצורותיו הפשוטות על האמנים הצעירים לא הייתה רק בעלת השפעה, היא קשורה רבות לאופן שבו אנו רואים את האמנים האלה כיום. כפי שמארק רותקו סיפר, "אני לא יכול להגיד לך מה זה אומר עבורנו באותן שנים מוקדמות להתקבל בברכה באולפנים הבלתי נשכחים האלה בברודווי, רחוב72 ושדרת קולומבוס. היינו שם, גם כנושאים של הציורים שלו וגם כקהל האלילים שלו". רותקו יהיה רותקו בלי אייברי? קרוב לוודאי שלא. אבל אולי זה מספיק כדי לבטא את שניהם הצבעוניים הגדולים ביותר של המאה העשרים.
בסופו של דבר, ההספד הנוקב של רותקו שניתן זמן קצר לאחר מותו של אייברי בתחילת ינואר 1965 הצביע על מה שהפך את ציוריו למיוחדים כל כך: "אייברי הוא תחילה משורר גדול. שלו היא שירה של יופי מוחלט, של יופי מוחלט. הודות לו סוג זה של שירה הצליח לשרוד בזמן שלנו. זה לבדו לקח אומץ רב בדור שהרגיש שאפשר לשמוע אותו רק דרך זעקה, כוח והפגן כוח. אבל לאייברי היה את הכוח הפנימי הזה שבו העדינות והשתיקה היו נשמעות ונוקבות יותר." (מארק רותקו, מאמר הנצחה שנמסר בחברה לתרבות אתית בניו יורק, 7 בינואר 1965, הודפס מחדש ב אדלין ד. בריסקין, מילטון אייברי, 1969.)
