פופ ארט: לא יכול לקנות את האהבה שלי
"עסק טוב הוא האמנות הטובה ביותר." – אנדי וורהול
גרפיקה
פופ ארט: לא יכול לקנות את האהבה שלי
"אני בעד אמנות ההלבשה התחתונה ואמנות המוניות. אני בעד אמנות גביעי הגלידה שנפלו על בטון." – קלאס אולדנבורג
על
"פופ ארט: לא יכול לקנות את האהבה שלי" בוחן את הפופ ארט ואת הקשר שלו למסחר במשך יותר מארבעה עשורים. מראשיתה בשנות ה-60 ועד להשפעותיה על האמנות העכשווית, התערוכה מתחקה אחר מקורותיה והתפתחותן של התנועות באמצעות אמנים מרכזיים ובהם אנדי וורהול, קית' הרינג, ג'יימס רוזנקוויסט, מל ראמוס, קלאס אולדנבורג ועוד.
אתה גונה להיות פופולרי!
הפופ ארט התפתח בעשורים שלאחר מלחמת העולם השנייה. מיד לאחר מכן, האקספרסיוניזם המופשט הפך לסגנון הדומיננטי (ראו תערוכה אקספרסיוניזם מופשט: התעלות מעל הרדיקלי), אך עם דעיכת המלחמה במראה האחורית, אמנים החלו לפקפק בעליונותה של AbEx ובתרבות הצריכה ההומוגנית בארצות הברית. למרות שפופ ארט התחיל בבריטניה, היה זה השיווק ההמוני והמסחריות של ארצות הברית שסיפקו קרקע פורייה לאמני פופ.
בעוד אמנים מתנועות אחרות תיעלו את הכעס והרגשות שלהם, אמני פופ לקחו את פני השטח המבריקים של הצריכה והקונפורמיות כדי לשקף אותה בחזרה לקהל תמים.
יש אמנים שיצרו אירוניה מגניבה בעבודותיהם כמו רוי ליכטנשטיין שניכוס את אמנות הקומיקס. כוחה של עבודתו טמון במתח שבין אמנות "נמוכה" ל"גבוהה". אחרים, כמו קלאס אולדנבורג, השתמשו בהומור כדי לנתח את התפשטות הדימויים והייצור ההמוני.
לא כל אמני הפופ השתמשו באירוניה מנותקת. ג'ים דיין כרה את החוויה האישית שלו ואת זהותו היהודית. במיוחד צייר דיין את זיכרונות ילדותו מהתבגרותו בחנות לחומרי בניין של סבו. העבודה בתערוכה רומזת בעדינות על זיכרונות אלה באמצעות בוב האינסטלציה.
עבור ג'יימס רוזנקוויסט, פופ ארט יכול להיות גם כלי לכבד ולהתאבל על חבר קרוב. הציור בתערוכה השתמש באובייקטים יומיומיים כדי לגעת בנושאים של חיים, מוות וחברות.
עם זאת, אמנים כמו לירוי ניימן יצרו פופ ארט בצלליות בהירות ויפות, וחגגו את צבע החיים בכל הצורות. ניימן צייר לעתים קרובות על אירועי ספורט ודמויות. במהלך חייו, ניימן היה אחד האמנים הפופולריים ביותר שהובילו את וורהול לציטוט, "אני רוצה להצליח כמו ניימן". וורהול ראה בניימן אמן שיכול להתחבר לטעמים פופולריים כדי להפוך לרב מכר כלכלי. וורהול אף קיווה שתצלומיו וציוריו של מוחמד עלי יתבררו, כמו גם הציור של ניימן בגובה תשעה מטרים של אגדת האגרוף. חוסר האירוניה או הרצינות יכול להיות הלם בעולם של היום, אבל העולם הבהיר שהוא יצר עם ציוריו ממלא אותנו באופטימיות שפופ ארט בחן לעתים קרובות.
עשור דקדנטי
בעוד שתקופת השיא של הפופ ארט הייתה בשנות ה-60 וה-70, בשנות ה-80 התנועה מצאה ביטוי חדש. העשור ההוא עמד בסימן הקפיטליזם המשתולל שהוכר בצורה הטובה ביותר בציטוט מהסרט " וול סטריט", "תאוות בצע, בהיעדר מילה טובה יותר, היא טובה".
עבור אמנים כמו וורהול, זו הייתה הזדמנות לנצל כל הזדמנות כדי לחקור את מעמקי השוק החופשי והמסחריות. התערוכה מציגה את מגוון חזונו של וורהול באמצעות הפולארוידים שלו, הדפסי מסך ואפילו רישום. הכל היה למכירה וורהול דאג ליידע אותנו.
עם זאת, שנות ה -80 לא היו כל זוהר וזוהר ולא כל האמנים הציגו את החריגות של התקופה. מגפת האיידס הרסה קהילות וחיים; אמנים כמו מסאמי טראוקה הציגו את הרגשות והדאגות באמצעות אמנות. Teraoka מעוצבת בהשראת הדפסי חיתוך עץ יפניים של Ukiyo-e. האופי האפיגוני של ההדפסים מתיישב עם המשיכה של פופ ארט לייצור המוני וצריכה.
שילוב של סגנון יפני עם אייקונים אמריקאים, Teraoka מצא את הצומת של הומור ופרשנות חברתית חותכת. גם שנות ה-80 בארה"ב היו כרוכות בגל כביכול של "סכנה צהובה", בעיקר מיפן. בהסתכלות על הסטיגמה של איידס ושכבות של זהויות תרבותיות, האמנות של טראוקה של שנות ה-80 נגעה בנושאים רגישים בחן ובשנינות.
ראה עוד על האמנות והאמנים של שנות השמונים בתערוכה שלנו זה היה מקובל בשנות ה -80.
הכל חייב ללכת
אתה רוצה את זה? זה שלך! זה היה סנטימנט שאמני פופ רבים חקרו ולעתים קרובות ניצלו. בחזרה לוורהול, אנו רואים חפצים של החפצים שלכדו את דמיונו – קופסת ממתקים, נעליים, ואפילו בובת תיקון הכרוב המעוררת חותמת. איזה אמן אחר יכול לגלם טוב יותר את רוח תרבות הפופ והצרכנות האמריקאית מאשר בובת תיקון כרוב שצילם וורהול? אפילו הרישום של וורהול על מכונית פורד (התייחסות חוזרת לתחילת דרכו כאמן מסחרי) מנצל את הקסם של האומה מקמעונאות ושיווק.
בצד השני להתמקדות של וורהול בזוהר, קית' הרינג סיפק חזון של פופ ארט שמקורו ברחובות והיה פתוח לכל אחד. וורהול אולי היה בעל השקפה שוויונית, גם אם מנותקת, על צרכנות בארה"ב, אבל הרינג היה זה שהוציא לפועל רעיונות שוויוניים. אולי אחת הדוגמאות הטובות ביותר שלו הייתה חנות הפופ. כפי שציין הרינג:
הנה הפילוסופיה שמאחורי חנות הפופ: רציתי להמשיך באותו סוג של תקשורת כמו עם ציורי הרכבת התחתית. רציתי למשוך את אותו מגוון רחב של אנשים, ורציתי שזה יהיה מקום שבו, כן, לא רק אספנים יכולים לבוא, אלא גם ילדים מהברונקס. הנקודה העיקרית הייתה שלא רצינו לייצר דברים שיזלזלו באמנות. במילים אחרות, זו עדיין הייתה הצהרה אמנותית
כזה היה כוחו של הרינג והפילוסופיה שלו, שאפילו וורהול הפך לחבר קרוב ותמך בפופ שופ.
אם וורהול שיקף בחזרה את הצריכה והרינג יצר חלוקה שוויונית עם עבודותיהם, מל ראמוס הפך את הסאבטקסט לטקסט עם ציוריו. ראמוס שילב עירום חושני עם אייקונים מסחריים פופולריים, ושיחזר את תפקיד הפרסומת והתשוקה באמריקה. התפשטות הפרסומת בעירום יוצרת סביבה של שפע אופטי שבה הצופה מתענג על פנטזיות ויזואליות ומלוחות כאחד.
אמני פופ התייחסו לקונטקסטואליזציה והתעמתו עם הצריכה ומצאו מאפיינים לא שוויוניים ודמוקרטיים בערכי פני השטח של המסחריות האמריקאית. לצריכה ההמונית ולשיווק הקשור אליה יש אפקט משווה אך משטח. וורהול ציין בקרירות, "קולה היא קולה ושום סכום כסף לא יכול להשיג לך קולה טובה יותר מזו שהבום בפינה שותה. כל הקולה זהה וכל הקולה טובה. ליז טיילור יודעת את זה, הנשיא יודע את זה, הבום יודע את זה, ואתם יודעים את זה".
"אני באמת מרחם על אנשים שחושבים שדברים כמו כלי סבון או מראות או בקבוקי קולה הם מכוערים כי הם מוקפים בדברים כאלה כל היום וזה חייב להפוך אותם לאומללים." – רוברט ראושנברג
