גלריית ג'קסון הול – קיץ 2025

פורסם ב: סיורי גלריה

ממוקם ביופי הפראי של ג'קסון הול, ויומינג, עם פארקים לאומיים כרקע מדהים, הת'ר ג'יימס ג'קסון הביאה את הקליבר הגבוה ביותר של יצירות אמנות ושירותים למערב Intermountain במשך למעלה מעשור.

הת'ר ג'יימס, המספקת את הקהילה הייחודית שהופכת את ג'קסון הול ליעד שאין שני לו לתרבות האמריקאית ולחיק הטבע, שואפת לספק מבחר שאין דומה לו של יצירות אמנות ושירותי כפפות לבנות למקומיים ולמבקרים כאחד.

 

 

 

 

יצירות אמנות המוצגות כעת בהת'ר ג'יימס ג'קסון הול

 

 

אנדרו וויית' - מסלול כוכבים - צבעי מים על נייר - 21 1/4 x 29 אינץ'.

אנדרו וייט

RICHARD SERRA - Cape Breton Horizontal Reversal No.

ריצ'רד סרה

<div><font face=Lato size=3>Andy Warhol’s "Marilyn #30" (1967) is part of the artist’s landmark Marilyn portfolio, one of his most celebrated and sought-after series. From an edition of 250 (this work numbered 138/250, with 26 artist’s proofs), the portfolio is represented in major institutions including the Museum of Modern Art, New York. </font></div><div><font face=Lato size=3> </font></div><div><font face=Lato size=3>Based on a publicity still from the 1953 film Niagara, Warhol’s Marilyns epitomize his fascination with celebrity, mass media, and the power of the reproduced image. Each print in the series was created with five screens—one carrying the photographic likeness and four for areas of color—deliberately layered with bold hues that are at times slightly off-register. This misalignment heightens the tension between glamour and artifice, echoing the fragile brilliance of Marilyn Monroe’s own persona. </font></div><div><font face=Lato size=3> </font></div><div><font face=Lato size=3>As one of Warhol’s defining bodies of work, the "Marilyn" prints remain icons of Pop Art, merging Hollywood stardom with silkscreen’s mechanical repetition to create a timeless meditation on fame, desire, and image. </font></div>

אנדי וורהול

Rouge Mouille (אדום רטוב) של אלכסנדר קלדר כולל רקע של עיגולים אדומים, חלקם מתפזרים כמו פיצוצים, יוצרים תחושה של התרחבות אנרגטית, ואחרים רצים כלפי מטה כאילו זורמים שובלים של מופע זיקוקים. תפאורת אנימציה זו מעוטרת בכדורים עגולים אטומים רבים, שחורים ברובם, אך שזורים בכדורים כחולים, אדומים וצהובים עדינים בולטים. המיקום האסטרטגי של הכדורים הצבעוניים על רקע האדומים הנפיצים לוכד את היראה והמחזה של מופע זיקוקים, והופך את הציור למטאפורה ויזואלית לאירוע מסנוור וחגיגי זה. יצירת האמנות מהדהדת בהתרגשות ובחיוניות, ומתמצתת את יופייה הארעי במדיום סטטי.

אלכסנדר קלדר

"Wigwam rouge et jaune", ציור גואש שובה לב של אלכסנדר קלדר, הוא חקירה תוססת של עיצוב וצבע. נשלט על ידי סריג של קווים אלכסוניים מצטלבים ליד שיאם, הקומפוזיציה משדרת איזון דינמי. קלדר מכניס אלמנט של שובבות עם צורות יהלומים אדומות וצהובות, המחדיר ליצירה שובבות ויוצר אווירה חגיגית. כדורים אדומים בקודקוד הקווים הנוטים ימינה מעוררים רושם גחמני, בעוד כדורים אפורים קטנים יותר על גבי קווים הנוטים שמאלה מציעים ניגודיות ושיווי משקל. השילוב המופתי של קלדר בין פשטות ואלמנטים עיצוביים חיוניים הופך את Wigwam rouge et jaune לתענוג חזותי.

אלכסנדר קלדר

© 2023 קרן קאלדר, ניו יורק / האגודה לזכויות אמנים (ARS), ניו יורק

אלכסנדר קלדר

אלכסנדר קלדר - הספירלה הסגלגלה - גואש ודיו על נייר - 43 1/4 x 29 1/2 אינץ'.

אלכסנדר קלדר

הארי ברטויה - ללא כותרת (פסל צלילי) - נחושת בריליום וברונזה עם בסיס עץ - 36 1/2 x 8 x 8 אינץ'.

הארי ברטויה

HARRY BERTOIA - פסל ערבה - נירוסטה - 61 1/2 x 39 x 39 אינץ'.

הארי ברטויה

<div><font face=Calibri size=3 color=black>Harry Bertoia was an authentic visionary in art, and they are rare. Of those whose métier is sculpture, Alexander Calder and Harry Bertoia are the twentieth-century American standouts. They are engineers of beauty; their creative currency is feats of invention and pure artistry that honor our experience of them (if we are willing to quiet our mind) as if a sacred event. It was Duchamp who suggested Calder call his kinetic works “mobiles”, but it was up to Bertoia himself to coin a word to describe something for which there was little precedent. Visually precise, kinetic, and offering resonant, vibratory sound, a “Sonambient” sculpture is at once a metaphor for our sentient experience in the world yet capable of inducing an aura of transcendent experience. Given that insight, it is easy to understand Bertoia’s view that “I don’t hold onto terms like music and sculpture anymore. Those old distinctions have lost all their meaning.”</font></div><div> </div><div><font face=Calibri size=3 color=black>The present “Sonambient” sculpture is a forty-eight-inch-tall curtain of thin-gauged tines. Once activated, it becomes a 15 3/4 inch long, 8 inches deep wall of sound. Five rows of narrow tines are staggered in number, alternating between 30 and 29 tines that, when activated, present as an undulating wall of sound. When touched or moved by air currents, the rods produce a sound that, while metallic, does not betray its source of inspiration: the serene connection Bertoia felt in observing the gentle undulating movement of desert grasses. As always, this is a Bertoia sculpture that invites participation in the experience of changing shapes and sounds, a participatory work that asks us to be present in the moment, to connect across time with the object and its creator.</font></div>

הארי ברטויה

ההכרזה החיונית והדרמטית "יהי אור" בספר בראשית אינה רחוקה כל כך מזכרונה של מרי קורס מהרגע בשנת 1968, כאשר שמש אחר הצהריים המאוחרת חשמלה את סימוני הכביש המחזירי אור של מאליבו כשנסעה מזרחה. ברגע, סימוני האספלט הזוהרים סיפקו את האורקל שהיא הייתה צריכה כדי להבין שהיא יכולה "לשים אור בציור ולא רק ליצור תמונה של אור". באמצעות אותם חרוזי זכוכית מיקרוסקופיים המשמשים שירותי תחזוקת כבישים, היא שמה שכבות ומטמיעה את החומר המנסרמטי ברצועות ותצורות גיאומטריות, היוצרות שדות מופשטים מנצנצים וניואנסים המשתנים ככל שהצופה נע ביחס ליצירה. זזו הצידה והעמימות מתבהרת לאור. לכו הלוך ושוב וייתכן שתרגישו אפקט גלי מההשפעות המנצנצות והמנסרמטיות שלו. תמונה צילומית של ציור מיקרוספרה של מרי קורס אינה רק ייצוג משעמם, אלא גם מפספסת את הנקודה - זוהי אמנות תלוית חוויה הדורשת השתתפות כדי "להיות". כמובן, "ללא כותרת" (1975) מתנגדת לפרספקטיבה הסטטית החד-נקודתית הזו, ובמקום זאת, מסתמכת על חוויית אמנות אינטראקטיבית בזמן אמת, אשר מגבירה את המודעות לגוף במרחב כאשר הצופה חווה שינויים בגירוי, תחושה ותחושה ברשתית. זוהי ציפור נדירה. בגודלה הקטן באופן יוצא דופן, בגודל של שישה מטרים רבועים, עיצובה, גיאומטריה וצבעה סותרים את הגילוי הקודם שלה שהוביל למסירות לפלטת הצבעים הצמצמתית הרגילה שלה. במקום זאת, זוהי אמירה נועזת בצבעי פאייטים, שדה המרכז שלה תחום בפינות על ידי מוטיב מדורג אדום נוצץ המפריד בינה לבין פינות שמי הלילה זרועות הכוכבים. היא אולי לא כוללת מוטיב כוכבים, אבל יש לה את הזוהר והנוכחות השייכים לשדרת הכוכבים של הוליווד.

מרי קורסה

<div><font face=Lato size=3>Andy Warhol’s <span style='font-style: italic;'>Mao</span> (1972) is one of the artist’s most iconic and provocative screenprints, reflecting his fascination with the intersection of political power and celebrity culture. This impression, numbered 244/250, comes from the regular edition of 250, in addition to 50 artist’s proofs. Warhol based the image on the widely circulated official portrait of Chairman Mao Zedong, a figure whose likeness was omnipresent in China during the Cultural Revolution. By reimagining the image through his vivid Pop palette, Warhol transformed a symbol of political authority into a mass-produced cultural icon. </font></div><div><font face=Lato size=3> </font></div><div><font face=Lato size=3>In this version, Mao’s face is rendered in a striking deep blue, offset by a green shirt and set against a turquoise background. The bold chromatic choices infuse the portrait with both drama and irony, destabilizing the original propagandistic authority of the image. Warhol further heightens this tension by juxtaposing flat, mechanical silkscreen layers with painterly flourishes, blurring the line between mass production and individual expression. </font></div><div><font face=Lato size=3> </font></div><div><font face=Lato size=3>The <span style='font-style: italic;'>Mao </span>series marked a new chapter in Warhol’s career in the 1970s, shifting from Hollywood stars to figures of global influence. Today, these works are regarded as essential statements on the nature of power, fame, and the pervasive reach of the image in contemporary culture. </font></div>

אנדי וורהול

מסוף שנות החמישים ועד אמצע שנות השישים, תרומותיו המוקדמות של ריי פארקר לציור שדה הצבע בולטות להפליא באיכותן התוססת והרעננה. פארקר סידר שני בלוקים צבעוניים חזקים או יותר בעלי קצוות מחוספסים בטכניקה נמרצת ומברישה על קנבסים גדולים שהוכנו בג'סו. בלוקים אלה, המעובדים בצבעים רוויים אך מלאי חיים בעדינות, מפגינים אנרגיה ייחודית. בעוד שהקומפוזיציות של פארקר עשויות להזכיר את אלה של רותקו, האופן שבו הצבע מועבר - בצורה מוצקה ועוצמתית - מבדיל ביניהן. תוך שמירה על קנה המידה הגדול והדינמיות של אסכולת ניו יורק, עבודתו של פרקר מתפצלת בכך שהיא מוותרת על העוצמה הרגשית המזוהה לעתים קרובות עם אקספרסיוניזם מופשט ומאמצת חזון של תנועה נטולת הפאתוס האופייני לה.

ריי פארקר

ראסל יאנג - מלון אלביס שברון לב (דיפטיך) - דיו אקרילי ושמן ואבק יהלומים, הדפס משי ידני על פשתן - 63 x 94 אינץ'.

ראסל יאנג

פעמון זה, שנשמר היטב, הוא אחד מפסלי הברונזה הגדולים ביותר הידועים מתקופת הברונזה של דרום מזרח אסיה, הנקרא בדרך כלל על שם אתר דונגסון בצפון וייטנאם. עיצוב הרצועה המסתחררת יצוק בצורה עדינה וחדה. תופי ברונזה של דונגסון דווחו גם בדרום סין, תאילנד, לאוס, מערב מלזיה ואינדונזיה, וגם במזרח הרחוק כמו ג'אווה המערבית של איראן. תרבות דונג סון היא תרבות מתקופת הברונזה הכוללת את כל דרום מזרח אסיה וארכיפלג הודו-מלאיה משנת 1000 עד שנת 1 לפני הספירה. הדונג סון, שמרכזה בעמק הנהר האדום בווייטנאם, היו חקלאים מתוחכמים שגידלו אורז ותאו. דונג סון כנראה צמח מתרבויות ניאוליתיות מקומיות, כמו שלבי פונג נגוין ודונג דאו. דונג סון מזוהה עם שושלת ואן לאנג, השושלת השלטת הראשונה של וייטנאם. עד המאה השנייה לפני הספירה, הורגשו השפעות משושלת האן בסין, ועל פי תיעודים היסטוריים, הדונג סון נספגו בשטח שושלת האן.

דרום מזרח אסיה

<div><font face=Lato size=3 color=black>Wayne Thiebaud’s <span style='font-style: italic;'>Breakfast</span>, from an edition of 50, demonstrates the artist’s signature blend of Pop-inflected realism and painterly intimacy. Executed in colored drypoint, the work captures the simple subject of a morning meal with a remarkable freshness: hatching lines soften and blur the composition, creating a pastel-like effect that distinguishes it from the crispness of commercial print design. Though slightly faded, the impression retains the playful chromatic sensibility and softly modeled shadowing that became hallmarks of Thiebaud’s style.</font></div><div><font face=Lato size=3> </font></div><div><font face=Lato size=3 color=black>Since the early 1960s, Thiebaud has been celebrated for his depictions of food—cakes, pies, gumball machines, and diner counters—rendered not as literal meals but as cultural icons, at once nostalgic and idealized. In <span style='font-style: italic;'>Breakfast</span>, the modest meal is transformed into a subject of contemplation and delight, celebrating the pleasures of everyday American life while evoking memory and desire. The combination of precision and informality speaks to Thiebaud’s ability to merge the immediacy of drawing with the enduring resonance of painting.</font></div><div><font face=Lato size=3> </font></div><div><font face=Lato size=3 color=black>Institutional recognition of the work’s importance is reflected in its inclusion within the National Gallery of Art, Washington, affirming its role within Thiebaud’s larger project of elevating common objects into images of enduring cultural significance.</font></div>

ויין תיאבאוד

אלסוורת' קלי - ללא כותרת, (מתוך תיק העבודות "שמונה על שמונה" לציון העכשווי הזמני) - ליטוגרפיה על נייר קשתות - 28 3/4 x 40 3/4 אינץ'.

אלסוורת קלי

אלכס כץ - ויויאן - הדפס משי על קרטון מוזיאון - 39 x 41 אינץ'.

אלכס כץ

אלסוורת' קלי - עקומה אדומה - ליטוגרפיה צבעונית - 25x21 ס"מ

אלסוורת קלי

אלסוורת' קלי - עקומה אדומה (מדינה שחורה) - ליטוגרפיה צבעונית - 25x21 ס"מ

אלסוורת קלי

JOSEF ALBERS - ניסוח: ביטוי - טביעת מסך - משמאל: 10 x 17 1/2 אינץ' מימין: 6 x 10 1/2 אינץ'.

יוזף אלברס

JOSEF ALBERS - ניסוח: ביטוי - טביעת מסך - 12 x 11 3/4 אינץ'.

יוזף אלברס

לורנס שילר - סוף היום, מרילין מונרו, "משהו חייב לתת" - הדפס ג'לטין מכסף - 20 x 24 אינץ '.

לורנס שילר