תפריט

חיפוש

מחיר מינימום:

מחיר מקסימום:

הביתה
על
חדר צפייה
אמנים
- אמנים
- קטגוריות
גרפיקה
תערוכות
פרסומים
למד
מכר
מוצרים חדשים
איש קשר
המייעצת

הביתה
על
חדר צפייה
אמנים
- אמנים
- קטגוריות
גרפיקה
תערוכות
פרסומים
למד
מכר
מוצרים חדשים
איש קשר
המייעצת

פרסם ניווט

← הפוסט הקודם

הפוסט הבא →

הדרכה בגלריה במדבר פאלם – אחרי המלחמה ואמנות עכשווית

מאי 2021

חדשות

לרגל יום השנה ה -25 שלנו, אנו נרגשים להמשיך להציג יצירות אמנות נדירות כחול שבב על ידי אמנים מוערכים כמו איליין דה Kooning, אדולף גוטליב, אגנס מרטין, וג'ואן מירו. במהלך 25 השנים האחרונות, הת'ר ג'יימס פיין ארט התרחבה לרשת גלובלית עם גלריות וייעוץ ברחבי ארה"ב ואירופה. בשנת 2020 לבדה, הת'ר ג'יימס פיין ארט הציבה 382 יצירות אמנות באוספים חדשים ברחבי העולם, ואנו גאים להמשיך לייעץ לאחרים בגידול האוספים שלהם.

דגימה של פוסט מלחמה ויצירות עכשוויות

The frame of reference for Irish American Sean Scully’s signature blocks and stripes is vast. From Malevich’s central premise that geometry can provide the means for universal understanding to Rothko’s impassioned approach to color and rendering of the dramatic sublime, Scully learned how to condense the splendor of the natural world into simple modes of color, light, and composition. Born in Dublin in 1945 and London-raised, Scully was well-schooled in figurative drawing when he decided to catch the spirit of his lodestar, Henri Matisse, by visiting Morocco in 1969. He was captivated by the dazzling tessellated mosaics and richly dyed fabrics and began to paint grids and stipes of color. Subsequent adventures provided further inspiration as the play of intense light on the reflective surfaces of Mayan ruins and the ancient slabs of stone at Stonehenge brought the sensation of light, space, and geometric movement to Scully’s paintings. The ability to trace the impact of Scully’s travels throughout his paintings reaffirms the value of abstract art as a touchstone for real-life experience.<br><br><br>Painted in rich, deep hues and layered, nuanced surfaces, Grey Red is both poetic and full of muscular formalism. Scully appropriately refers to these elemental forms as ‘bricks,’ suggesting the formal calculations of an architect. As he explained, “these relationships that I see in the street doorways, in windows between buildings, and in the traces of structures that were once full of life, I take for my work. I use these colors and forms and put them together in a way that perhaps reminds you of something, though you’re not sure of that” (David Carrier, Sean Scully, 2004, pg. 98). His approach is organic, less formulaic; intuitive painter’s choices are layering one color upon another so that contrasting hues and colors vibrate with subliminal energy. Diebenkorn comes to mind in his pursuit of radiant light. But here, the radiant bands of terracotta red, gray, taupe, and black of Grey Red resonate with deep, smoldering energy and evoke far more affecting passion than you would think it could impart. As his good friend, Bono wrote, “Sean approaches the canvas like a kickboxer, a plasterer, a builder. The quality of painting screams of a life being lived.”

שון סקאלי

אדום אפור

85 x 75 אינץ'.

שמן על אלומיניום

התעניינותה של ברויאר-וייל ביצירת אמנות המבטאת משמעויות מעורפלות או מרובות הייתה קיבעון עבור האמן. טיסה עוסקת באובססיה של האמן ליצירת רושם של אדם מעופף בפיסול המייצג את חוסר המשקל והחופש של אדם מוטס בברונזה. העובדה שהוא בחר בברונזה, מדיום סטטי שבדרך כלל מייצג משקל ומקום, היא מאתגרת מספיק, אבל מהאסוציאציות שלה, 'טיסה' יכולה להציע כל דבר, מחופש או בריחה ועד "הדימוי המודרני המובהק; האדם בתנועה". באשר למוטות המסתובבים באוהלים המתיימרים להרים את הדמות המתנשאת על הרגליים, ברויאר-וייל הצביעה על מוטיב נושאי זה כמייצג את הקשרים שלנו עם אנשים אחרים, כמו גם את הקשרים שלנו עם העבר שלנו. ברויאר-וייל אישרה ל-Flight להיות מלוהקת במהדורה של 3 פלוס 1 הוכחות אמן.

דוד ברויאר-וייל

נוצר בשנת 2018

חייזר הוא איטרציה של סדרת "המבקר" של ברויאר-וייל. זהו ברונזה ענקית באורך שישה מטרים של דמות דמוית אדם שהתרסקה על פני האדמה. ככל שרגליו הפרועות והבועטות מרמזות על פעולה שמטרתה לשחרר את הגוף מלכידה, ראשו מושתל כאילו הוא עשוי להיות נסיבות קבועות. ברויאר-וייל הסביר את כוונותיו כך: "תמיד הוקסמתי מהרעיון שאנחנו לא לבד, שחייזר מסיבי עלול לנחות פתאום על כדור הארץ. רציתי ללכוד את תחושת הפליאה וההלם שהגעה כזו תיצור". זר, כמובן, יכול ליצור אסוציאציה אחרת לגמרי: האתגרים של להיות אאוטסיידר בתקווה להשתלב בתרבות ובחברה חדשה. "בעבודה זו רציתי להשתמש בצורה אנושית עצומה ונושמת כדי לבטא את הרגשות העמוקים הקשורים לנושאים אלה. והייתי זקוקה לקנה המידה העצום כדי לתאר את עוצמת הרגשות האלה". ברויאר-וייל אישרה ל-Alien להיות מלוהק במהדורה של 3 ועוד 2 הוכחות אמן.

דוד ברויאר-וייל

נוצר בשנת 2012

236 1/8 אינץ'.

ברונזה עם פטינה חומה

שרה יוז, שנולדה באטלנטה בשנת 1981 ומתגוררת בברוקלין, ידועה בגישתה הייחודית לציור נוף, המשלבת השפעות היסטוריות עם רגישויות עכשוויות. פלטת הצבעים הצוהלת שלה מזכירה מאסטרים כמו אנרי מאטיס, המועברת עם הנועזות החזותית המסוגננת של דייוויד הוקני תוך הכרה במסורת רחבה יותר של ציור נוף, כולל השפעות מהאר-נובו, הפוביזם והאקספרסיוניזם הגרמני. All the Pretty Faces הוא סינתזה מודרנית של תנועות אמנות היסטוריות ודימויים דיגיטליים עכשוויים, המציגים בפני הצופים עולמות שובי לב ומומצאים המגשרים בין העבר להווה. זה גם מתקשר לאחד הציטוטים הבולטים ביותר של יוז על הנופים החדשניים שלה המלאים באלמנטים פנטסטיים: "לעתים קרובות חשבתי על הפרחים והעצים כעל דמויות. לפעמים אפילו גל או שמש בציור מקבלים אישיות, אז זה משתנה בהתאם לאיך שהעבודה מסתדרת".

כל הפרצופים היפים

36 x 30 אינץ'.

שמן על בד ציור

ספרה של קתרין גרוס "ללא כותרת" משנת 2016 מרחיב את הערכתנו לאמנית שמביאה את אותה אנרגיה, תעוזה והתעלמות מהמוסכמות הנראות במיצבים האדריכליים המונומנטליים שלה למדיום המסורתי של צבע על בד. הצבע מתפוצץ, מורם ממשטח מורכב ועשיר בשכבות של יישומי צבע שנשפכו, מטפטפים או מתייזים, צעיפים שקופים קורנים ורצועות צבע חופפות שמוזסות ליצירת מעברי צבע רכים. התוצאה היא התרשמות מרתקת של עומק מרחבי ותלת מימדיות. אבל זהו גם טור דה פורס שחושף את גאונותו של גרוס בשילוב של כאוס ושליטה, ספונטניות וכוונה. מגוון הטכניקות שלה יוצר דיאלוג משכנע בין המקרי למכוון, סימן ההיכר של סגנונה הייחודי.

קתרינה גרוס

ללא כותרת

118 x 78 3/4 אינץ'

אקריליק על בד ציור

גנייב פיגיס היא דמות בולטת בסצנת האמנות האירית העכשווית, המוכרת בזכות הדיוקנאות הקבוצתיים החכמים והביקורתיים שלה, שלעתים קרובות לועגים למוסכמות חברתיות ותיקות. באיחור יחסי לציור, היא משכה את תשומת לבו של אמן הניכוס האמריקאי ריצ'רד פרינס בטוויטר, שרכש את אחת מעבודותיה והכיר לה את המעגלים המשפיעים של קהילת האמנות הניו יורקית. עבודתו של פיגיס מבקרת באופן משעשע את הרגלי הצריכה האמידים של מעמד הביניים ואת אורח החיים המפואר, כפי שהונצחו על ידי אמני העבר, ומביאה נושאים אלה היטב אל ההווה עם תערובת של סאטירה ותיאורים גולמיים ואותנטיים של החיים. חשבו על פיגיס כמי שחצה את חולות הזמן אל דומייר או הוגארת', שעבודתם הציעה לעתים קרובות מבט סאטירי על החברה העכשווית, והצטרפה לאמנים העוסקים בסאטירה חברתית וידועים בכישורי ההתבוננות החדים שלהם.

גניב פיגיס

מועדון הנשים

31 1/2 x 39 3/8 אינץ'

אקריליק על בד ציור

HERB ALPERT - ראש חץ - ברונזה - 201 x 48 x 48 אינץ'.

הרב אלפרט

201 x 48 x 48 אינץ'.

מבין טוטמי הרוח הרבים של הרב אלברט מברונזה, בצבע שחור-משיי, למעטים יש את התחושה הגברית המובהקת של Warrior. ומעליו כתר יורד ומשונן שיכול בקלות להתייחס לסמל של ציפור טרף ככיסוי הראש של צ'יף אינדיאני במישורים, התואר "לוחם" הוא תיאור מתאים המתייחס בין היתר לתכונות של כוח, אומץ ורוח בלתי שבירה. בדומה לעבודתו של הנרי מור, אסוציאציות אלה תלויות, בין השאר, בחלל שלילי כדי ליצור את הרושם הדינמי והחזק שהפסל האימתני הזה יוצר.

הרב אלפרט

זוהר וזוהר

161 x 40 x 40 אינץ'.

רוג'ר בראון ידוע בדימוייו האישיים ולעתים קרובות פנטסטיים ובציוריו המסוגננים מאוד עם דמויות וחפצים המשקפים את העניין שלו בחוויות היומיום. Acid Rain בוחן נושאים של החיים המודרניים ופרשנות חברתית המשקפים את תפקידו של האמן בחברה ואת הפוטנציאל של האמנות לחולל שינוי. ברמה האישית יותר, הנושא של גשם חומצי עשוי לסמל מצבים רגשיים או פסיכולוגיים מאכלים, כגון דיכאון, חרדה, או תחושה של להיות מוצף על ידי נסיבות שאינן בשליטתו של האדם. בדיוק כפי שגשם חומצי היה בעיה סביבתית בלתי נראית אך הרסנית, המשבר של מגיפת האיידס המתהווה ככל הנראה הניע את בראון ליצור את העבודה לעיבוד אבל אישי, לבקר את התגובה הלא מספקת של מנהיגים פוליטיים, ולתמוך בחמלה, הבנה ומחקר רפואי.

רוג'ר בראון

גשם חומצי

48 x 72 x 2 אינץ'

שמן על בד ציור

וילם דה KOONING - אישה בסירת משוטים - שמן על נייר הניח על הבונים החופשיים - 47 1/2 x 36 1/4 ב.

וילם דה קונינג

אישה בסירת משוטים

47 1/2 x 36 1/4 אינץ'.

שמן על נייר מונח על הבונים החופשיים

MARK ROTHKO - ללא כותרת (חום ושחור) - אקריליק על נייר מותקן על לוח - 33 1/4 x 25 3/4 אינץ '.

מארק רותקו

ללא כותרת (חום ושחור)

33 1/4 x 25 3/4 אינץ'

אקריליק על נייר רכוב על הסיפון

Alexander Calder was a key figure in the development of abstract sculpture and is renowned for his groundbreaking work in kinetic art; he is one of the most influential artists of the Twentieth Century. "Prelude to Man-Eater" is a delicately balanced standing sculpture that responds to air currents, creating a constantly changing and dynamic visual experience.<br><br>Calder's Standing Mobiles were a result of his continuous experimentation with materials, form, and balance. This Standing Mobile is a historically significant prelude to a larger work commissioned in 1945 by Alfred Barr, the first director of the Museum of Modern Art in New York. "Prelude to Maneater" is designed to be viewed from multiple angles, encouraging viewers to walk around and interact with it.<br><br>The present work is a formal study for Man-Eater With Pennant (1945), part of the permanent collection of the Museum of Modern Art in New York. The work is also represented in "Sketches for Mobiles: Prelude to Man-Eater; Starfish; Octopus", which is in the permanent collection of the Harvard Fogg Museum.<br><br>Calder's mobiles and stabiles can be found in esteemed private collections and the collections of major museums worldwide, including the Museum of Modern Art in New York, the National Gallery of Art in Washington, D.C., the Whitney Museum of American Art, New York, the Art Institute of Chicago, and the Tate Gallery in London among others.

אלכסנדר קלדר

הקדמה לאוכל האדם

59 x 42 x 18 אינץ'

פח, חוט, צבע

טום וסלמן - מעשנה מס' 21 - שמן על בד מעוצב - 74 1/2 x 67 1/2 אינץ'

טום ווסלמן

מעשן מספר 21, אילת

74 1/2 x 67 1/2 אינץ '.

שמן על בד מעוצב

Alexander Calder executed a surprising number of oil paintings during the second half of the 1940s and early 1950s. By this time, the shock of his 1930 visit to Mondrian’s studio, where he was impressed not by the paintings but by the environment, had developed into an artistic language of Calder’s own. So, as Calder was painting The Cross in 1948, he was already on the cusp of international recognition and on his way to winning the XX VI Venice Biennale’s grand prize for sculpture in 1952. Working on his paintings in concert with his sculptural practice, Calder approached both mediums with the same formal language and mastery of shape and color.<br><br>Calder was deeply intrigued by the unseen forces that keep objects in motion. Taking this interest from sculpture to canvas, we see that Calder built a sense of torque within The Cross by shifting its planes and balance. Using these elements, he created implied motion suggesting that the figure is pressing forward or even descending from the skies above. The Cross’s determined momentum is further amplified by details such as the subject’s emphatically outstretched arms, the fist-like curlicue vector on the left, and the silhouetted serpentine figure.<br><br>Calder also adopts a strong thread of poetic abandon throughout The Cross’s surface. It resonates with his good friend Miró’s hieratic and distinctly personal visual language, but it is all Calder in the effective animation of this painting’s various elements. No artist has earned more poetic license than Calder, and throughout his career, the artist remained convivially flexible in his understanding of form and composition. He even welcomed the myriad interpretations of others, writing in 1951, “That others grasp what I have in mind seems unessential, at least as long as they have something else in theirs.”<br><br>Either way, it is important to remember that The Cross was painted shortly after the upheaval of the Second World War and to some appears to be a sobering reflection of the time. Most of all, The Cross proves that Alexander Calder loaded his brush first to work out ideas about form, structure, relationships in space, and most importantly, movement.

אלכסנדר קלדר

28 3/4 x 36 1/4 אינץ'.

שמן על בד ציור

Widely recognized as one of the most consequential artists of our time, Gerhard Richters career now rivals that of Picasso's in terms of productivity and genius. The multi-faceted subject matter, ranging from slightly out-of-focus photographic oil paintings to Kelly-esque grid paintings to his "squeegee" works, Richter never settles for repeating the same thought- but is constantly evolving his vision. Richter has been honored by significant retrospective exhibitions, including the pivotal 2002 show, "Gerhard Richter: Forty Years of Painting," at the Museum of Modern Art, New York. <br><br>"Abstraktes Bild 758-2" (1992) comes from a purely abstract period in Richter's work- where the message is conveyed using a truly physical painting style, where applied paint layers are distorted with a wooden "Squeegee" tool. Essentially, Richter is sculpting the layers of paint, revealing the underlayers and their unique color combinations; there is a degree of "art by chance". If the painting does not work, Richter will move on- a method pioneered by Jackson Pollock decades earlier. <br><br>Richter is included in prominent museums and collections worldwide, including the Tate, London, The Museum of Modern Art, New York, and the San Francisco Museum of Modern Art, among many others.

גרהרד ריכטר

אברקטס בילד 758-2

24 1/2 x 32 1/4 אינץ'

שמן על בד ציור

Tom Wesselmann was a leader of the Pop Art movement. He is best remembered for large-scale works, including his Great American Nude series, in which Wesselmann combined sensual imagery with everyday objects depicted in bold and vibrant colors. As he developed in his practice, Wesselmann grew beyond the traditional canvas format and began creating shaped canvases and aluminum cut-outs that often functioned as sculptural drawings. Continuing his interest in playing with scale, Wesselmann began focusing more closely on the body parts that make up his nudes. He created his Mouth series and his Bedroom series in which particular elements, rather than the entire sitter, become the focus.<br> <br>Bedroom Breast (2004) combines these techniques, using vivid hues painted on cut-out aluminum. The work was a special commission for a private collector's residence, and the idea of a bedroom breast piece in oil on 3-D cut-out aluminum was one Wesselmann had been working with for many years prior to this work's creation. The current owner of the piece believed in Wesselmann's vision and loved the idea of bringing the subject to his home.<br><br>It's one of, if not the last, piece Wesselmann completed before he passed away. The present work is the only piece of its kind - there has never been an oil on aluminum in 3D at this scale or of this iconography.

טום ווסלמן

חזה חדר שינה

80 x 76 x 10 אינץ'

שמן על אלומיניום חתוך

Tom Wesselmann will undoubtedly be remembered for associating his erotic themes with the colors of the American flag. But Wesselmann had considerable gifts as a draftsman, and the line was his principal preoccupation, first as a cartoonist and later as an ardent admirer of Matisse. That he also pioneered a method of turning drawings into laser-cut steel wall reliefs proved a revelation. He began to focus ever more on drawing for the sake of drawing, enchanted that the new medium could be lifted and held: “It really is like being able to pick up a delicate line drawing from the paper.”<br><br>The Steel Drawings caused both excitement and confusion in the art world. After acquiring one of the ground-breaking works in 1985, the Whitney Museum of American Art wrote Wesselmann wondering if it should be cataloged as a drawing or a sculpture. The work had caused such a stir that when Eric Fischl visited Wesselmann at his studio and saw steel-cut works for the first time, he remembered feeling jealous. He wanted to try it but dared not. It was clear: ‘Tom owned the technique completely.’<br><br>Wesselmann owed much of that technique to his year-long collaboration with metalwork fabricator Alfred Lippincott. Together, in 1984 they honed a method for cutting the steel with a laser that provided the precision he needed to show the spontaneity of his sketches. Wesselmann called it ‘the best year of my life’, elated at the results that he never fully achieved with aluminum that required each shape be hand-cut. “I anticipated how exciting it would be for me to get a drawing back in steel. I could hold it in my hands. I could pick it up by the lines…it was so exciting…a kind of near ecstasy, anyway, but there’s really been something about the new work that grabbed me.”<br><br>Bedroom Brunette with Irises is a Steel Drawing masterwork that despite its uber-generous scale, utilizes tight cropping to provide an unimposing intimacy while maintaining a free and spontaneous quality. The figure’s outstretched arms and limbs and body intertwine with the petals and the interior elements providing a flowing investigative foray of black lines and white ‘drop out’ shapes provided by the wall. It recalls Matisse and any number of his reclining odalisque paintings. Wesselmann often tested monochromatic values to discover the extent to which color would transform his hybrid objects into newly developed Steel Drawing works and, in this case, continued with a color steel-cut version of the composition Bedroom Blonde with Irises (1987) and later still, in 1993 with a large-scale drawing in charcoal and pastel on paper.

טום ווסלמן

חדר שינה ברונטית עם איריסים

105 3/4 x 164 5/8 אינץ'.

שמן על אלומיניום חתוך

The Pop Art Movement is notable for its rewriting of Art History and the idea of what could be considered a work of art. Larry Rivers association with Pop-Art and the New York School set him aside as one of the great American painters of the Post-War period. <br><br>In addition to being a visual artist, Larry Rivers was a jazz saxophonist who studied at the Juilliard School of Music from 1945-1946. This painting's subject echoes the artists' interest in Jazz and the musical scene in New York City, particularly Greenwich Village and the Lower East Side. <br><br>“Untitled” (1958) is notable bas the same owner has held it since the work was acquired directly from the artist several decades ago. This work is from the apex of the artists' career in New York and could comfortably hang in a museum's permanent collection.

לארי ריברס

68 x 58 אינץ'

שמן על בד ציור

לא קשה להבין כיצד הסידור המבריק בן שתי השורות של רוברט אינדיאנה בן ארבע האותיות סייע להעצים תנועה בשנות השישים. מקורו בחשיפה עמוקה לדת ומהחבר והמנטור אלסוורת' קלי, שסגנונו הקשוח וצבעו החושני וחסר המבטא הותירו רושם עז. אבל כמו שאינדיאנה קרא, זה היה רגע של נשיקה שקרה בדיוק כש"אהבה נשכה אותי!" והעיצוב הגיע אליו חד וממוקד. אינדיאנה, כמובן, העבירה את העיצוב בצעדים רבים, ואז הלוגו החל לנבוט בכל מקום. המסר, המועבר בצורה הטובה ביותר בפיסול, עומד בערים ברחבי העולם ותורגם למספר שפות, שאחת מהן היא האיטרציה האיטלקית שלו, "אמור" עם האות "O" המקרית שלו גם היא מוטה ימינה. אבל במקום להיבעט ברגל של "L", גרסה זו מעניקה אפקט מתנודד מבוים להפליא ל "A" לעיל. זה נותן רושם חדש, אבל לא פחות עמוק, של אהבה וטבעה הטעון רגשית. בכל מקרה, האות O המוטה של לאב מקנה חוסר יציבות לעיצוב יציב אחרת, השלכה עמוקה של הביקורת המובלעת של אינדיאנה על "הסנטימנטליות החלולה לעתים קרובות הקשורה במילה, המרמזת באופן מטאפורי על כמיהה נכזבת ואכזבה במקום על חיבה סכרינית" (Robert Indiana's Best: A Mini Retrospective, New York Times, May 24, 2018). לחזרתיות, כמובן, יש הרגל מגונה להחליש את הערכתנו לגאונות של פשטות ועיצוב פורץ דרך. בשלב מאוחר בחייה, אינדיאנה קוננה על כך ש"זה היה רעיון נפלא, אבל גם טעות איומה. זה הפך פופולרי מדי. ויש אנשים שלא אוהבים פופולריות". אבל אנחנו, תושבי עולם רווי מחלוקות ולכודים במהומה, תודה. "אהבה" וגרסאותיה הרבות הן תזכורות חזקות ליכולתנו לאהוב, וזוהי תקוותנו הנצחית הטובה ביותר לעתיד טוב יותר.

רוברט אינדיאנה

אמור (אדום, צהוב)

96 x 96 x 48 אינץ'

אלומיניום פוליכרום

בין 1978 לפטירתו ב-1984 אצר אנסל אדמס בקפידה אוסף של הדפסי צילום שאותם ראה כעבודות סמליות. כל תצלום לוכד רגע של יופי בתולי ומשמש תזכורת לאיזון השברירי בין ההתפתחות האנושית לבין שימור השממה הבתולית. הוא שאף להנגיש תפאורות למוסדות שונים למטרות ציבוריות וחינוכיות. הם נודעו בשם סטים של אנסל אדמס ונמצאים כיום באוסף הגלריה הלאומית לאמנות, מוזיאון ג'יי פול גטי, מוזיאון דה יאנג ואחרים. סט של שנים עשר הדפסי ג'לטין-כסף מקוריים לעתים רחוקות מגיעים לשוק. הם בגודל 11 x 14 ו 16 x 20 אינץ ', רכובים על לוח מוזיאון 4 רובדים, כל אחד חתום על ידי האמן בעיפרון.

אנסל אדמס

סט המוזיאון

16 x 20 אינץ' ו-11 x 14 אינץ'.

הדפס ג'לטין מכסף

ז'אן-מישל בסקיאט - ללא כותרת (אנטומיה של יונים) - שמן, גרפיט וגיר על נייר - 22X30 אינץ'.

ז'אן מישל בסקיאט

ללא כותרת (אנטומיה של יונים)

22 x 30 אינץ'.

שמן, גרפיט וגיר על נייר

ב"עירום יורד במדרגות מס' 2", מל ראמוס שוזר בשובבות את מורשת יצירת המופת המודרניסטית של מרסל דושאן עם האסתטיקה התוססת של הפופ ארט, ויוצר פרשנות מחודשת חכמה ומעוררת ויזואלית. על ידי שיוך התנועה המופשטת של דושאן עם סגנון הפין-אפ האופייני לו, ראמוס יוצר דיאלוג דינמי בין המסורות הנערצות של האמנות היפה לבין האיכויות הגרפיות הנועזות של דימויים מסחריים. עבודה זו מדגימה את מיומנותו של ראמוס לנווט בתולדות האמנות ובתרבות העכשווית, תוך שימוש בפיתוי של עירום נשי כדי לחקור ולעשות סאטירה על אובססיות חברתיות ליופי, תשוקה וסחורה. בכך הופכת יצירתו של ראמוס לרקיחה מובהקת של פופ ארט, המתענגת על הקשר המשעשע שלה עם דושאן ובה בעת מבקרת וחוגגת את התרבות החזותית של זמנה.

מל ראמוס

עירום יורד בגרם מדרגות מס' 2

70 x 52 1/8 אינץ'

שמן על בד ציור

A major figure in both the Abstract Expressionist and American Figurative Expressionist movements of the 1940s and 1950s, Elaine de Kooning's prolific output defied singular categorization. Her versatile styles explored the spectrum of realism to abstraction, resulting in a career characterized by intense expression and artistic boundary-pushing. A striking example of de Kooning's explosive creativity is Untitled (Totem Pole), an extremely rare sculptural painting by the artist that showcases her command of color. <br><br>She created this piece around 1960, the same period as her well-known bullfight paintings. She left New York in 1957 to begin teaching at the University of New Mexico in Albuquerque, and from there would visit Ciudad Juárez, where she observed the bullfights that inspired her work. An avid traveler, de Kooning drew inspiration from various sources, resulting in a diverse and experimental body of work.

איליין דה קונינג

ללא כותרת (עמוד טוטם)

97 x 12 3/8 x 12 3/8 אינץ'.

שמן על בד נמתח על צילינדרים מקרטון

אנדי וורהול - סופרמן (II.260) - הדפס רשת - 38 x 38 אינץ'

אנדי וורהול

סופרמן (II.260)

טביעת מסך

אנדי וורהול - מיקי (II.265) - הדפס רשת עם אבק יהלומים - 38 x 38 אינץ'

אנדי וורהול

מיקי (II.265)

הדפסת מסך עם אבק יהלומים

ג'ים דיין היה אמן פופ אמריקאי שעבודתו מדיטציה על חפצים עם משיכה ילדותית למצוא שפה אוניברסלית ונוסטלגית. גלימותיו של דיין הן בין הדימויים המוכרים ביותר שיצאו מהקריירה הארוכה והמהוללת שלו. הם הוצגו לראשונה בגלריה סידני ג'ניס בסתיו 1964 – זוהי דוגמה אחת כזו. גלימות סילבר פוינט כפולות הוא מכלול מדיה מעורב בקנה מידה גדול. העבודה מבוצעת בסילפוינט – טכניקה העושה שימוש בפיסת כסף ככלי ציור על פני קרקע שהוכנה במיוחד על ידיה היא מתחמצןת על פני תקופה של חודשים כדי ליצור גוון חום חם. שני הקנבסים המצורפים כוללים גושי עץ במקום שבו הראשים צריכים להיות ואלמנט עץ תלוי שזז בתגובה לזרמים אוויריים.

ג'ים דיין

גלימות סילבר פוינט כפולות

53 1/2 x 96 אינץ'.

סילברפוינט ואקריליק על 2 בדים מחוברים, עץ, סכין וחוט במסגרת האמן

דיוויד סמית ' - ללא כותרת - שמן על בד - 12 x 16 אינץ '.

דייוויד סמית'

ללא כותרת

12 x 16 אינץ'.

שמן על בד ציור

דיוויד סמית ' - ללא כותרת - שמן על בד - 12 x 15 3/4 אינץ '.

דייוויד סמית'

ללא כותרת

12 x 15 3/4 אינץ'.

שמן על בד ציור

אנסל אדמס, הידוע במעורבותו הקפדנית בחדר החושך, יצר 1,300 הדפסים של זריחת ירח, הרננדז במשך 40 שנה של התחמקות וצריבה, ויצר קבוצה אורכית של יצירות מופת. זריחת הירח היא קומפוזיציה אימתנית שמחזיקה אותנו בהערכה מושהית לרושם היפה להפליא שלה. איננו צריכים לדעת על מאבקו הנואש של אנסל להציב את החצובה שלו, למצוא את המונה שלו כדי לתפוס את הארעיות הזאת, או להרהר בנשיקה של לכידת הרגע הזה. בהדפס זה משנת 1959 נוכחים כל הפרטים המפוארים: הירח המלא הכמעט, אך לא ממש, על תווי פניו הניכרים, ובית הקברות החיוני עם סמניו הזוהרים והצלבים הלבנים המוארים היטב שנלכדו ברגע הדעיכה של נסיגתו הבלתי נמנעת של אור היום.

אנסל אדמס

זרח' ירח, הרננדז, ניו מקסיקו

1941, נדפס בסביבות 1959

10 3/8 x 13 3/8 אינץ'

הדפס ג'לטין מכסף

Well known for his candor and pragmatic sensibility, Alexander Calder was as direct, ingenious, and straight to the point in life as he was in his art. “Personnages”, for example, is unabashedly dynamic, a work that recalls his early love of the action of the circus as well as his insights into human nature. The character of “Personnages” suggests a spontaneous drawing-in-space, recalling his radical wire sculptures of the 1920s.<br>© 2023 Calder Foundation, New York / Artists Rights Society (ARS), New York

אלכסנדר קלדר

דמויות אישיות

29 1/2 x 43 1/4 אינץ'.

גואש ודיו על נייר

סדרת אושן פארק של דיבנקורן מעוררת את האיזון העדין של האמן בין אור וצבע, את הקומפוזיציה המהורהרת שלו ואת השילוב העדין של אלמנטים נופיים, שכולם מדמים את אווירת החוף של הסטודיו שלו בסנטה מוניקה. בתחילת שנות התשעים חזר דיבנקורן לנושאים ולרגישויות האסתטיות של סדרת אושן פארק על ידי מינוף טכניקות הדפס שונות כדי להרחיב את חקירתו את השפה המופשטת שפיתח בציוריו. High Green, גרסה I מדגימה את המרדף הזה, ומציעה את אסטרטגיות הקומפוזיציה, פלטת הצבעים והדאגות המרחביות המגדירות את סדרת אושן פארק, תוך הצגת האפשרויות הייחודיות של הדפס לפרשנות מחדש של אלמנטים אלה.

ריצ'רד דיבנקורן

ירוק גבוה, גרסה I

41 x 24 אינץ'

אקווטינטה

סדרת הפסלים של פרנק סטלה מאופיינת בצורות ציפה וזרימה, הנמשכות אל תוך חלל הצופה ומזמינות אינטראקציה בין האובייקט לסביבתו. ה"דאדאפ", סוג של עץ הקשור לצמיחה ולמשמעות פולחנית בתרבות הבאלינזית, משקף את הטבע האורגני והדינמי של פסליה של סטלה. במעבר לנירוסטה ואלומיניום מבמבוק, סטלה שמרה על האופי המהותי של האסתטיקה הבאלינזית המהללת צורות שהן אורגניות, נוזליות ומעורבות באופן דינמי בחלל שלהן. דאדפ מציג המשכיות בחקירה התמטית של סטלה שבה רוח עבודתו עולה על החומריות. מתכת מעניקה מרקם, רפלקטיביות ואינטראקציה שונים עם אור וחלל, אך היא דבקה בעקרונות התנועה והאינטראקטיביות. זוהי העברה יצירתית של צורה וקונספט בין מדיומים שונים, תוך שמירה על רוח ההשראה הראשונית תוך מתן אפשרות לתכונות החומר החדש לבטא רעיונות אלה בהקשר רענן.

פרנק סטלה

66 1/2 x 50 1/4 x 19 אינץ'

נירוסטה ואלומיניום

ארוחת הצהריים של אמן אזור המפרץ רולנד פיטרסן היא שמן על בד משנת 1961, שנה קריטית לסדרת הפיקניק הידועה ביותר שלו. עבודתו מתקופה זו מאופיינת באימפסטו סמיך ובצבע עשיר. בהשפעת מחקרים עם הנס הופמן, פיטרסן התנסה בהפשטה, כאן מיזוג סגנונות מופשטים ופיגורטיביים. צויר כאשר פיטרסן היה בן 35, Luncheon טמון בתוך מסגרת זמן הכוללת את המופע שלו נמכרו איש אחד בשנת 1962 בגלריה Staempfli, ניו יורק, תערוכת היחיד שלו אסתר רובלס בלוס אנג'לס, ואת מלגת גוגנהיים שהעניק את ההזדמנות ללמוד בפריז.

רולנד פיטרסן

ארוחת צהריים

70 x 68 אינץ'.

שמן על בד ציור

תערוכות ראויות לציון

8 בנובמבר 2018 - 28 בפברואר 2019ניו יורק, ניו יורק

דה קונינג X דה קונינג

8 בנובמבר 2018 - 28 בפברואר 2019 ניו יורק, ניו יורק

26 באוגוסט 2020 - 28 בפברואר 2021 חור ג'קסון, WY

פלאי האמנות האימפרסיוניסטית והמודרנית באמריקה ובאירופה

26 באוגוסט 2020 - 28 בפברואר 2021 ג'קסון הול, WY

16 במרץ 2020 - 28 בפברואר 2021 במדבר פאלם, קליפורניה

אוסף גלוריה לוריא

16 במרץ 2020 - 28 בפברואר 2021 פאלם דזרט, קליפורניה

25 במרץ 2020 - 28 בפברואר 2021New York, ניו יורק

אלכסנדר קלדר: גואצ'ים נועזים

25 במרץ 2020 - 28 בפברואר 2021 ניו יורק, ניו יורק

אמנים נבחרים הצבנו עם אספנים בשנת 2020

קלוד מונה

אלכסנדר קלדר

אדוארד הופר

הלן פרנקנטלר

קמיל פיסארו

טרייסי אמין

פרננד לגר

פבלו פיקאסו

דייוויד הוקני

אנדרו וייט

גרייס הרטיגן

סלבדור דאלי

אניש קאפור

ג'ורג' קונדו

ז'אן ארפ

וינסנט ואן גוך

אנדי וורהול

רוברט מאמאוול

מארק שאגאל

דבורה באטרפילד

פט סטייר

ראול דופי

ג'ורג'יה אוקיף

אד רושה

איליין דה קונינג

מארק ברדפורד

אנסל אדמס

נורמן רוקוול

איי ווייווי

קרלוס קרוז-דיאז

קלוד מונה
סלבדור דאלי
אלכסנדר קלדר

למכור איתנו

צרו קשר

צרו קשר

שם *

עניין באמנות *

דואר אלקטרוני *

מספר טלפון

הודעה *

קפצ'ה

אם אתה אנושי, השאר שדה זה ריק.

פרסם ניווט

← הפוסט הקודם

הפוסט הבא →

לברר

טופס קצר של רשימת צירוף

אם אתה אנושי, השאר שדה זה ריק.

התחבר

חזרה לראש הרשימה

© זכויות יוצרים 2024 הת'ר ג'יימס. כל הזכויות שמורות.

מדיניות פרטיות
תנאים והתניות

תודה שיצרת איתנו קשר!

האם ברצונך להתאים אישית את העדפות האמנות שלך?

עבור אל העדפות תקשורת

חינוך

חינוך הוא בעל חשיבות עליונה בייעוץ לאמנות הת'ר ג'יימס. בין אם אתה אספן מנוסה או רק מתחיל, אנו שואפים לצמוח עם לקוחותינו ומאמינים באופן מלא במתן מידע ותובנות כדי לעזור ללקוחותינו ללמוד ולטפח את תחומי האמנות שלהם.

אוצרות

Heather James Art Advisory מביאה עשרות שנות ניסיון אוצרותי בהדרכת צוות האוצרות הבכיר שלנו שארגן תערוכות ברחבי העולם במוזיאונים, גלריות ובבתים פרטיים. בשילוב אלמנטים היסטוריים אסתטיים ואמנותיים, נעזור לאוסף ולבית שלך לשקף את תחומי העניין האמנותיים שלך.

לוגיסטיקה

HJ Art Advisory מספקת לוגיסטיקה מלאה בעת טיפול, שינוע ופיקוח על יצירות האמנות של לקוחותינו. הפיקוח שלנו כולל כל היבט של טיפול ביצירות האמנות. אנו מפקחים על כל שלב בתהליך עם הובלה, התקנה ואחסון של יצירות אמנות. אנו מייעצים ומסייעים בעיצוב מסגור, תאורה, דרישות אבטחה, שימור והערכת מצב.

תיעוד

בעת רכישת יצירות אמנות, HJ Art Advisory חוקרת את מקור יצירת האמנות ותבקש מצגים ואחריות מהמוכר, כי למוכר יש בעלות תקפה וכי החפץ נקי מכל שעבודים, תביעות ושעבודים.
HJ Art Advisory תבקש שיפוי עבור החזר מלא עבור יצירת האמנות במקרה של הפרת אחריות (ייתכן שתכלול שורה זו???) .
תהליך מכירה פרטית ומכירה פומבית: מידע קריטי ללכידה כולל: אמן, כותרת יצירה, תאריך, מדיום, מידות, מחיר, תמונה, ישות מציעה, מקור, אישורים, חשבונית (במידת האפשר), דוח מצב, שעבודים, ליטיגציה, כותרת בעלות.

הלוואות למוזיאונים

הת'ר ג'יימס זכתה לכבוד להקל על הלוואות למוזיאונים מובילים ברחבי העולם, כולל MoMA, מרכז פומפידו ועוד. HJ Art Advisory דואגת לכל הניירת והלוגיסטיקה הדרושים לאספנים שלנו שמחליטים להשאיל יצירת אמנות לתערוכה במוזיאון.

אימות

HJ Art Advisory שומרת על הסטנדרטים הגבוהים ביותר של בדיקת נאותות באמצעות חקירה, מחקר ומקור של חפצים לפני הרכישה כדי לקבוע שניתן להשיג כותרת ברורה. מחקר כזה כולל, אך אינו מוגבל לקביעה:

היסטוריית הבעלות על האובייקט
מדינות שבהן נמצא האובייקט ומתי.
תולדות התערוכה של האובייקט
היסטוריית הפרסום של האובייקט
כל תביעה מתנגדת לבעלות אם הוגשה
מאגרי מידע של חפצים גנובים הרלוונטיים לחפץ
הנסיבות שבהן מוצע החפץ
מקורות מחקר רלוונטיים, כולל: ArtLoss Register או מאגרי מידע אחרים.
מצגי אחריות ושיפוי מהמוכר, המבטיחים שלמוכר יש בעלות תקפה, והחפץ נקי מכל שעבודים, תביעות ושעבודים
מחקר ותיעוד מתקופת הנאצים/מלחמת העולם השנייה בעקבות הנחיות הנוגעות לרכישת חפצים שסביר להניח שהיו באירופה הכבושה על ידי גרמניה בין השנים 1933 ו-1945

מימון

HJ Art Advisory מסייעת ללקוחות בהלוואות מגובות נכסים, רכישת אמנות לנאמנויות, תכנון עיזבונות. אנו מציעים את המומחיות שלנו בתובנות שוק האמנות כדי למצב את לקוחותינו בצורה הטובה ביותר בעת קבלת החלטות עבור האוסף שלהם. אנו עובדים עם עזבונות, צוותים משפטיים ויועצים פיננסיים כדי לתמוך בצורה הטובה ביותר בלקוחותינו ובמטרותיהם.
הת'ר ג'יימס פיין ארט אינה יועצת השקעות, משפטית או מס רשומה. כל ההשקעות והדעות הפיננסיות המובעות על ידי הת'ר ג'יימס פיין ארט הן דעות המבוססות על מחקר אישי. ביצועי העבר אינם ערובה לתשואה עתידית, ואינם מעידים בהכרח על ביצועים עתידיים.

מכירות ורכישות

HJ Art Advisory מתמקדת במיקור יצירות אמנות לרכישות פוטנציאליות ממכירות פרטיות, בתי מכירות פומביות ועמלות אמנים. HJ Art Advisory עוקבת ללא הרף אחר השוק הפרטי והציבורי אחר יצירות אמנות משמעותיות הנוגעות לאינטרסים של לקוחותינו שישפרו את האוספים שלהם. אנו מנהלים משא ומתן על מחיר המכירה או המכירה בשם אספן על מנת להשיג את העסקה הטובה ביותר האפשרית עבור לקוחותינו.

ערך וביטוח

קבוצת HJ Art Advisory מעריכה ומעריכה אוספי אמנות לצורך הערכת שווי ביטוח, רכישה וביטול גישה. זה כרוך במחקר מעמיק של ניתוח שוק האמנות הפרטי והציבורי כאחד כדי לקבוע ערך.

אנינות טעם

HJ Art Advisory עובדת עם, ובשמם, של לקוחות המפתחים אוספים חדשים או עם אוספים מבוססים, ומספקת ייעוץ והיצע מעמיק של שירותים. הידע והניסיון הרב שלנו יחד עם שנים רבות בעסקי האמנות מציבים את הצוות המיומן והמנוסה שלנו לספק הדרכה והכוונה במספר מישורים.

רוצה לדעת יותר על זה / עבודות אלה? שלח לנו הודעה כדי ליידע אותנו על העניין שלך.

בקשה - סינגל אמנותי

שם *

מלאי #

דואר אלקטרוני *

מספר טלפון

הודעה *

סיכום ת"א

אם אתה אנושי, השאר שדה זה ריק.

עברית

English
日本語
中文 (简体)
Deutsch
Français
Español
العربية‏