Hans Hofmann: Il Padre dell'Espressionismo Astratto
Landscape No. 108, 1941, oil on panel, 23 1/4 x 29 1/4 in.
Heather James è orgogliosa di presentare questa mostra di Hans Hofmann che copre tre decenni di opere, con un'ampia curatela di dipinti provenienti da un unico collezionista privato.
Con una collezione che comprende così tanti dipinti di Hans Hofmann come questa, le opere testimoniano un collezionista che apprezzava pezzi capaci di parlare sia al cuore che alla mente. Come le persone, le collezioni spesso non sono mai complete, un processo continuo di costruzione e talvolta di abbandono. I collezionisti sono custodi temporanei di un patrimonio culturale, e l'ampiezza e la qualità di questa collezione, con la sua enfasi sugli anni Quaranta, testimonia l'amore duraturo di questo collezionista per Hofmann. Riunendoli insieme, rappresentano, a loro modo, un saggio visivo su Hofmann, offrendoci nuove prospettive su questo gigante del XX secolo.
Attraversando tre decenni di dipinti, dagli anni Quaranta agli anni Cinquanta, la mostra si immerge in ogni periodo, guidandoci attraverso le profonde rivoluzioni che Hofmann ha avviato, non solo all'interno della propria opera ma nella storia dell'arte in generale.
Chi è Hans Hofmann?
Bill Witt, “Hans Hofmann”, 1948, National Portrait Gallery, Smithsonian Institution, Washington, D.C. © Bill Witt
«I pittori devono parlare attraverso la pittura, non attraverso le parole.» – Hans Hofmann
Nato nel 1880, una generazione prima dei più anziani espressionisti astratti come de Kooning o Rothko, Hofmann trascorse il decennio cruciale tra il 1904 e il 1914 a Parigi, conobbe Picasso e Matisse, e fu presente quando si aprì la grande retrospettiva di Cézanne nel 1906. Non sorprende dunque che, dopo il suo arrivo a New York nel 1932, Hofmann percorse un cammino alquanto tortuoso attraverso una gamma di stili. Tuttavia, rimase sempre fedele a idee fondamentali sulla pittura.
Decenni prima di dipingere vibranti rettangoli di colore puro e fluttuante, comunemente noti come 'slabs,' Hofmann pennellava, macchiava e sgocciolava la pittura con mano più libera, basata sul caso. Se sia stato lui o Pollock il pioniere della tecnica del «dripping» resta ancora questione aperta. Minore controversia circonda l'impatto del suo insegnamento su Joan Mitchell e su numerosi pittori più giovani che si orientarono verso una forma più lirica di espressionismo astratto — una più strettamente allineata alla natura.
Anni '40
Bill Witt, “Hans Hofmann at Gallery 200”, 1949, Archives of American Art, Smithsonian Institution, Washington, D.C.
«L'arte conduce a un concetto più profondo della vita, perché l'arte stessa è un'espressione profonda del sentimento.» – Hans Hofmann
Qualsiasi analisi dell'opera di Hans Hofmann risulta incompleta senza considerare i suoi piccoli paesaggi, che lo occuparono tra il 1940 e il 1944. Questi lavori catturano un momento cruciale nella sua evoluzione artistica, segnando la transizione dalle nature morte figurative ispirate a Matisse, dai ritratti e dagli interni verso l'astrazione pura che avrebbe successivamente definito la sua carriera. Radicati nel Fauvismo e in risonanza con l'opera giovanile di Kandinsky, questi lavori rimangono una robusta testimonianza del linguaggio visivo in evoluzione di Hofmann durante questo periodo di trasformazione.
Tuttavia, nella seconda metà del decennio, si verifica un chiaro mutamento nella pratica di Hofmann. Tale mutamento non deve essere sottovalutato poiché, nel 1947, Hofmann continuava a dipingere all'età di 65 anni e, anziché radicarsi in un unico approccio alla tela, Hofmann si spinse alla scoperta di nuove possibilità pittoriche. Durante questo periodo, l'adesione di Hofmann alla linearità rappresentò una partenza dal dinamismo più fluido e pittorico delle sue opere precedenti. Dal 1944 al 1951, questo impulso lineare permeò la sua pratica, segnalando un'esplorazione prolungata di modalità espressive nelle quali si confrontò con la riconciliazione tra astrazione e struttura.
Hofmann fu in grado di sintetizzare le precedenti conquiste del Modernismo europeo, quali il Surrealismo e il Cubismo, con la libertà gestuale dell'Espressionismo Astratto americano. Le deliberate esplorazioni di Hofmann durante la fine degli anni '40 sottolineano la sua capacità unica di creare opere che resistono a una facile categorizzazione, distinguendosi come esplorazioni profondamente personali di forma e colore.
Anni '50
Kay Bell Reynal, “Hans Hofmann at work in his studio”, 1952, Archives of American Art, Smithsonian Institution, Washington, D.C.
«Percepire l'invisibile ed essere in grado di crearlo – questa è l'arte.» – Hans Hofmann
Gli anni '50 videro Hofmann entrare nei suoi settant'anni ancora curioso e innovativo come sempre. Un Hans Hofmann settantaduenne lavorava le sue tele con deliberazione e riflessione per ottenere impatto attraverso la moderazione. L'opera di Hofmann non è mai stata fortemente associata al Surrealismo eppure, in questo decennio, sembrò richiamare quel movimento d'avanguardia precedente, sintetizzandolo con l'Espressionismo Astratto e sottolineando l'adattabilità della sua celebre teoria del «push-pull», in cui le forze espansive e contrattive del colore e della forma creano tensione superficiale, profondità e movimento.
Fu anche durante questo decennio che Hofmann iniziò a esplorare e incorporare passaggi di colore, permettendo loro di fluttuare nello spazio dove producono una sensazione di tensione contro pennellate galleggianti, armonizzandosi insieme attraverso l'esuberanza.
Anni '60
“Hans Hofmann, Toshimitsu Imai, and others at the Venice Biennale”, 1960, photographic print, Archives of American Art, Smithsonian Institution
«Non riesco a capire come qualcuno possa dipingere senza ottimismo. Nonostante l'atteggiamento generale di pessimismo nel mondo odierno, io non sono altro che un ottimista.» – Hans Hofmann
Nel 1960, Hofmann fu selezionato come uno dei quattro artisti a rappresentare gli Stati Uniti alla Biennale di Venezia. Il mondo è ossessionato dalla giovinezza e dai giovani prodigi. Da questa prospettiva, Hans Hofmann è stato un talento tardivo. Tuttavia, si osservino gli espressionisti astratti che Hofmann guidò – molti non raggiunsero la piena maturità fino ai 40 anni. O David Park che non diede vita al Bay Area Figurative Movement fino ai suoi 40 anni. O più recentemente, Etel Adnan, che non ottenne riconoscimento per i suoi dipinti fino agli ultimi decenni della sua lunga vita. L'età porta con sé esperienza e prospettiva.
Mantenendo la sua dottrina del push-pull delle opposizioni applicate sulla tela, questo decennio continuò a vedere Hofmann spingere le possibilità della pittura. Alcune opere mostrano pennellate aggraziate e vivaci di colori singoli che guizzano attraverso la tela. Alcune opere mostrano tocchi di pittura fluttuanti sopra un mare ribollente di colore. Alcuni dipinti sembrano essere stati attentamente pianificati mentre altri sembrano essere il risultato di un caso frenetico. Ma nulla appare estraneo o sprecato. Tutto conta sulla tela.
Gli anni '60 videro Hofmann raggiungere livelli più elevati di fama e rispetto, anche mentre stava raggiungendo gli ultimi anni della sua vita. Forse, è la vitalità e il dinamismo attraverso il colore e la pennellata che accrebbero la reputazione di Hofmann. Forse, fu il crescente riconoscimento della sua influenza su una generazione di pittori tra cui Lee Krasner, Joan Mitchell e Wolf Kahn. Forse, sono le idiosincrasie di un artista che non si è mai adagiato in una ripetizione meccanica, i suoi dipinti che fungono da ricerca visiva, traboccanti di ottimismo e gioia.
Gli artisti su Hofmann
Burt Glinn, “Hans Hoffman and Helen Frankenthaler exchange greetings at an opening for one of Frankenthaler’s shows. New York City”,1957 © Burt Glinn | Magnum Photos
"Come uomo e come artista, positivo, energico ed elegante. Uno sportivo." – Helen Frankenthaler nel 2003
"L'astrazione di Hofmann è conquistata duramente: deriva dalla rappresentazione del mondo che lo circonda… L'ho lodato eccessivamente? Credo di no: per me questo artista ancora sottovalutato si distingue come uno dei grandi pittori del secolo." – Anthony Caro nel 1990
"Hans Hofmann dipinge come se potesse scrutare quelle infinitesimali particelle di violenza che potrebbero spaccare la terra come un'arancia. Ci mostra la vitalità della materia, la sua creazione e la sua distruzione, i suoi angeli dell'oscurità e della luce." – Tennessee Williams nel 1949
"Non ho davvero avuto il primo impatto, l'impatto completo di esso [il Cubismo], finché non ho lavorato con Hofmann." – Lee Krasner nel 1938
Lo Spirito Umano
“Vaclav Vytlacil and classmates being instructed by Hans Hofmann”, 1926 Archives of American Art, Smithsonian Institution, Washington, D.C.
«L'arte è per me la glorificazione dello spirito umano e, in quanto tale, è la documentazione culturale del tempo in cui viene prodotta.» – Hans Hofmann
Hans Hofmann fu un autentico modernista delle origini. Successivamente, come artista maturo in pieno possesso delle sue capacità, le sue conquiste furono stimolate — rese possibili persino — dall'esaltante milieu newyorkese che diede origine all'espressionismo astratto. Forse non sorprende quindi che, a differenza della maggior parte degli espressionisti astratti che perseguirono un unico aspetto iconografico — i rettangoli dai bordi morbidi di Rothko, i tratti calligrafici ingranditi di Franz Kline, le forme scure e frastagliate di Clyfford Still — Hofmann cercasse costantemente effetti diversi e contraddittori.
I suoi dipinti erano estremamente variati e tracciavano un'ampia rotta verso le vie più entusiasmanti disponibili all'astrazione contemporanea. Hofmann fu un sperimentatore audace che aveva rifiutato di adagiarsi su un singolo stile per lungo tempo e dichiarò queste intenzioni chiaramente. «Ciò che oderei di più sarebbe ripetermi ancora e ancora – sviluppare uno stile falso... Voglio inventare, scoprire, immaginare, speculare, improvvisare – cogliere il rischioso per essere ispirato.»
“L'arte è l'espressione dell'anima traboccante dell'artista.”
Hans Hofmann