Pittura di Dorothy Hood

I dipinti distintivi e carichi di emozione di Dorothy Hood rappresentano un punto di riferimento nell'arte del dopoguerra, un ponte significativo tra il Surrealismo latino-americano ed europeo e l'astrazione newyorkese. Probabilmente non mise mai piede nel bar Cedar Tavern di Greenwich Village, dove si evolse la cara mitologia nata dai dibattiti dominati da uomini che bevevano molto e usavano i pugni, e dalla notte in cui Jackson Pollock, in preda a uno stato di ubriachezza, strappò la porta del bagno dai cardini e la scagliò attraverso la stanza contro Franz Kline. Il suo percorso fu invece personale, con la libertà di pensare, dipingere e disegnare come desiderava. Dal 1941 al 1962, Hood si mosse all'interno di un altro epicentro: la ricca confluenza culturale, politica e artistica del Messico, caratterizzata da un'intensa attività creativa. Tra i suoi amici vi erano le surrealiste Remedios Varo e Leonora Carrington, Rufino Tamayo e José Clemente Orozco, con il quale sviluppò una profonda amicizia.

I dipinti di questa mostra provengono da un periodo in cui Hood tornò in Texas e affrontò grandi temi: l'immensità dell'universo, le complessità della psiche con un anelito di nutrimento spirituale. Creò una narrazione che si rivela continuamente attraverso la padronanza tattile della pittura, stesa a pennello o versata, la cui ampiezza è praticamente ineguagliata negli annali dell'arte del dopoguerra del XX secolo. Il suo lavoro pittorico esplora la sua comprensione spaziale unica e la sua bussola interiore, trasmettendo immense distese energetiche punteggiate da vertiginose interruzioni di forme nettamente definite e opache accanto a fasce di colore lussureggiante ed evocativo. Queste sono le opere che definiscono l'opera di Hood e che ne assicureranno il posto nel pantheon dei grandi artisti americani del dopoguerra.