Woman in Blue」が描かれたのは、絵の具のチューブ1本を買うのも大変な大恐慌の時代でした。エイブリーは、冗談で「自分は誰よりも絵の具のチューブを長持ちさせることができる」と言っていた。それは本当だったのかもしれない。いずれにしても、彼の対応は偶然の産物であり、純粋な画家としての彼の天才性の最も顕著な側面の1つである、巧みにブラシをかけたウォッシュによる輝くような色彩を実現する卓越した能力につながっている。1930年代後半に描かれた「青の女」は、エイブリーの作品を愛する多くの人々が見慣れているよりも、より豊かな色調を楽しむことができる作品です。この作品は、服を着た人物の全体を包む深い青みがかったサファイア色の筆致に見られるように、エイブリーが持つ光り輝く透明感を十分に示しています。しかし、エイブリーは、相対的な不透明度の関係を利用した効果を示すことにも長けています。例えば、たっぷりと塗られた不透明な花の要素がどのように「ポップ」になり、目をつぶされた白いタバコへ、そして前腕に沿って椅子のアームに置かれた彼女の指へと引き寄せるかを見てみましょう。1931年に近代美術館で開催されたマチスの個展を見て、マチスとのつながりを強く感じたことは否定できません。しかし、「必要は発明の母」ということわざが示すように、色彩に対する深く洗練された理解と、明るく独特のユーモアが、エイブリーを他の誰とも違う存在にしています。

彼の輝くような色彩と単純化されたフォルムが若いアーティストたちに与えた影響は、単に衝撃的だっただけでなく、今日のアーティストたちの見方にも大きく関係しています。マーク・ロスコは次のように語っている。「初期の頃、ブロードウェイ、72^丁目、コロンバス・アベニューにある記念すべきスタジオで歓迎されたことが、私たちにとってどのような意味を持っていたのか、言葉にすることはできません。彼の絵の被写体としても、彼のアイドル的な観客としても、私たちはそこにいたのです」。エイブリーがいなければ、ロスコはロスコでいられたでしょうか？おそらくそうではないでしょう。しかし、二人が20世紀最大のカラーリストであることを宣言するには十分であろう。

エイブリーの死後間もない1965年1月初旬にロスコが行った痛烈な弔辞は、彼の絵画が特別なものであることを端的に示しています。「エイブリーはまず偉大な詩人である。彼の詩は、純粋な愛らしさ、純粋な美しさの詩である。彼のおかげで、この種の詩は現代に生き延びることができた。騒々しく、力強く、力を誇示しなければ聞くことができないと感じていた時代には、これだけでも大きな勇気が必要でした。しかし、エイブリーには、優しさと沈黙がより聞き取りやすく、心に響くような内なる力がありました」。(マーク・ロスコ、1965年1月7日にニューヨーク倫理文化協会で行った記念エッセイ、Adelyn D. Breeskin,Milton Avery, 1969に再掲）。)