アレクサンダー・カルダーは、1940年代後半から1950年代前半にかけて、驚くほど多くの油彩画を制作している。この頃には、1930年にモンドリアンのアトリエを訪れ、絵画ではなくその環境に感銘を受けた衝撃が、カルダー独自の芸術言語として発展していたのである。1948年に《十字架》を描いているとき、カルダーはすでに国際的に認められつつあり、1952年の第26回ヴェネツィア・ビエンナーレの彫刻部門の大賞を受賞するところまで来ていたのである。カルダーは、彫刻の制作と並行して絵画の制作も行い、同じ形式言語と形と色彩の卓越性で両方の媒体に取り組みました。

カルダーは、物体を動かし続ける目に見えない力に深い興味を抱いていた。この関心を彫刻からカンバスに移すと、カルダーは 「十字架」の平面とバランスを変化させることによって、その中にトルク感を作り出したことがわかる。その結果、十字架が前方に押し出されるような、あるいは上空から降りてくるような、暗黙の運動が生み出されたのである。十字架》の決定的な勢いは、被写体が強調するように伸ばした腕、左側の拳のような曲線ベクトル、シルエットになった蛇のような人物などのディテールによってさらに増幅される。

カルダーはまた、「十字架」の表面全体に、詩的な放棄の強い糸を採用している。それは親友ミロのヒエラルキーに満ちた、明らかに個人的な視覚言語と共鳴しているが、この絵のさまざまな要素の効果的なアニメーションは、すべてカルダーによるものである。カルダーは、そのキャリアを通じて、形と構図を理解する上で和気あいあいとした柔軟性を保ち続け、これほど詩的なライセンスを獲得したアーティストはいなかった。彼は他人の無数の解釈をも歓迎し、1951年にこう書いている。"私が考えていることを他人が理解することは、少なくとも彼らが他の何かを持っている限り、重要ではないようだ "とね。

いずれにせよ、《十字架》が第二次世界大戦の激動の直後に描かれたことは忘れてはならないし、人によっては当時のことを痛切に反映しているように見えるかもしれない。そして何より、アレクサンダー・カルダーがまず筆を走らせ、形や構造、空間の関係、そして最も重要な動きについて考えを巡らせたことが、この《十字架》で証明されている。