グレースハーティガン (1922-2008)

ライフ誌が1957年5月13日号で「昇天する女性芸術家」と題する見開きの写真を掲載したとき、グレース・ハーティガンを「若い女性芸術家の中で最も名高い」と評した。正直なところ、メアリー・ガブリエルが『Ninth Street Women』でニューヨーク画壇の主要な女性メンバーとして挙げた5人の女性、グレース・ハーティガン、リー・クラスナー、ジョアン・ミッチェル、エレーヌ・デ・クーニング、ヘレン・フランケンサーラーのうち誰一人として、「女性」という修飾語が付くと自分たちの作品を疎外されると感じていたことでしょう。 結局のところ、彼女たちは、抽象表現主義が台頭してきたまさにその時に、新興のアートシーンに身を投じ、男性たちと対等な条件でそれを行っていたのである。しかし、より重要なのは、この主張が事実であるということである。1950年代、ハーティガンは当時最も成功した女性アーティストであった。1951年から、ティボル・デ・ナギー・ギャラリーで個展が毎年のように開かれるようになっていた。 1954年には、近代美術館の館長アルフレッド・バーが、彼女のキャンバス「ペルシャのジャケット」を購入するように指示した。彼の考えでは、ハーティガンの正反対のブラッシュアップされたイメージは、抽象の教訓を具象に生かしたもので、ポロックからの後退ではなく、前進であることを証明するものであった。この作品は、ニューヨーク派の「第二世代」の画家の作品としては、男女を問わず、近代美術館はもちろんのこと、美術館のコレクションとして受け入れられる最初のものとなった。彼女は描けるものをほぼすべて売り払った。

ハーティガンは、エレーヌやウィレム・デ・クーニングと同じように、具象と抽象の中間的な作品を制作し続けました。初期には、3階建てのスタジオの外で繰り広げられる喧騒やウィンドウ・ディスプレイを視覚的に取り入れ、ニューヨーク派の最強のカラーリストの一人としてその才能を発揮したのである。その後、画期的な作品『マリリン』では、映画スターの顔をキャンバスに散りばめ、グレイスが繰り返し嫌悪感を示すポップ・アートを連想させずにはいられない。 しかし、彼女は1954年に描いた『グランド・ストリート・ブライド』で、その主要な主題のひとつである大衆文化の陳腐さに触れている。ブライダルのテーマを「空虚な儀式のアイデアのひとつ」と皮肉っているが、これは彼女自身の結婚の失敗に直接言及したもので、「私は反対するものを描いて素晴らしく見せる（しかし実際はそうではない）」と述べている。1960年に最後の結婚をした後、ボルチモアに移り住んだ彼女は、衣装、紙人形、聖人、殉教者、オペラ歌手、女王など、初期のキャリアの一部であった具象的なイメージのある派手で大胆な色彩のテーマに沿ったキャンバスに転向していったのです。

ハーティガンの絵画は、ニューヨーク近代美術館（MoMA）の画期的なミッドセンチュリー展「12人のアメリカ人」（1956年）や、MoMAと米国情報局の共催で1958年から59年にかけてヨーロッパ8都市を巡回した「新しいアメリカの絵画」に出品されている。ハーティガンは、そのような機会に恵まれた数少ない女性画家の一人として、1957年の『ライフ』誌、1959年の『ニューズウィーク』誌に掲載され、大きな注目を集めた。ハーティガンの作品は、ニューヨークの「ナインスストリートショー」（1951年）をはじめ、ニューヨークのユダヤ博物館（1957年）、西ドイツのカッセルのドクメンタ（1959年）、グッゲンハイム美術館（1961年）、ニューヨークのホイットニー美術館（1989、1999年）、ロサンゼルス現代美術館（1992、1999年）で大規模な団体展に出展された。ティボール・デ・ナギー（1951-59）、マーサ・ジャクソン・ギャラリー（1962-70）での個展のほか、ボルチモア美術館（1980）、スキッドモア大学（サラトガ・スプリングス、ニューヨーク）、ニューバーガー美術館（パーチェス、ニューヨーク）（2001）で個展が開催された。ハーティガンの作品は、ニューヨークのホイットニー美術館、シカゴ美術館、ワシントンD.C.のナショナル・ギャラリーなどのパーマネント・コレクションに収蔵されている。