見えない状態。アジア系アメリカ人アーティストと抽象化

"最終的に自分自身の不可視性を認識することは、最終的に可視化への道を歩むことです。見えないことは誰にとっても自然な状態ではない。"- 山田ミツエ

ヘザー・ジェームスは、アジア系アメリカ人アーティストの芸術を探求する展覧会を開催します。この展覧会では、第二次世界大戦後、特にアジア系アメリカ人アーティストによって開拓された抽象芸術を検証します。この展覧会では、民族的な共通性を理由とした作家たちのスタイルやテーマの共通性を辿るのではなく、アジア系アメリカ人の抽象芸術家たちの親密な調査を紹介します。

展覧会のタイトルは、アジア系アメリカ人の多くがアメリカの中で自分自身を見失い、聞いてもいない限界的な空間を表現した詩人山田光栄のエッセイに由来しています。このタイトルと展覧会には、多面的な理解が込められています。本展は、アジア系アメリカ人アーティストの抽象化の歴史に光を当て、目に見えないものを目に見える形にすることを目指しています。全体としては、これまで主流の美術史の議論からはしばしば取り残されてきた抽象化をめぐるさまざまな会話について考えさせられ、開かれたものとなっています。

例えば、桑山忠明は、1958年に日本からニューヨークに移住して以来、ミニマリズム・アートの最前線で活躍してきました。1960年代からは、日本の伝統的な絵の具や顔料から、市販の家庭用の絵の具や色に切り替えていきます。桑山の作品は、スプレー塗料を使用することで作家の手を消しているように見え、アルミ製の台紙は機械的な生産を示唆しています。これらの技法を通して、桑山は美術制作の手段に対するミニマリズムの調査の中心的な信条のいくつかを確固たるものにしています。タイトルはまた、作家の手が消えているからアートではないと言う人もいるかもしれないが、「アートとはむしろ（脳の中で起こる）ことに似ている」と語った桑山の言葉をヒントにしたものでもある。

本展では、第二次世界大戦中にトパーズ移転センターで生まれたサンフランシスコ・ベイエリアのアーティスト、高橋雅子の初期の作品も展示されています。これらの作品には、サンフランシスコの抽象表現主義の学校との対話が見られます。この西海岸の発展の中で、日本の作家の筆致に影響を受けた作家も多く、高橋の作品には、アジアとアメリカの作家の会話が、ある種のダブリングバックしているように感じられます。

高橋と同じくアメリカ生まれのシンゴ・フランシスは、サム・フランシスの息子です。フランシスのミニマルな絵画は、形と色、そして知覚の境界を探求しています。フランシスは、「境界が表すものは、この二つの存在の間の相互作用、点である」と述べています。それは文化だけでなく、人格や心理学にまで広がり、より大きな境界線のようなものになった」と語っています。

アジア系アメリカ人のアイデンティティは、膨大な文化の中から自分の遺産を辿る人々を包含しているため、表現が難しい。もう一つのアプローチは、広大な文化と出身国の間にある「見えない」同盟関係、つまり見えない状態が現実の結果をもたらしていることを理解することにあります。日系アメリカ人アーティストと並んで展示されるのは、インド系アメリカ人のシッダールス・パラスニスとベトナム系アメリカ人のトマス・ヴーです。パラスニスの作品は、街の風景であると同時に、絵の具や色の物理的な性質を利用した抽象画でもあります。一方、ヴーの作品は、テクノロジーとポストインダストリアルの進歩によるトラウマとドラマが詰まった想像上の空間を描いています。

この展覧会は、アジア系アメリカ人アーティストの決定的な調査であると主張することはできません。本展では、これらのアーティストの抽象化への貢献を考察し、アイデンティティーから視覚的知覚まで、目に見えない状態を中心に展開していきます。

他にも、横井輝子、桑山（匡介）、マンスール薫、中川直人などが出品しています。