Hans Hofmann:抽象表現主義の父
Landscape No. 108, 1941, oil on panel, 23 1/4 x 29 1/4 in.
ヘザー・ジェームズは、30年にわたるハンス・ホフマンの作品を網羅したこの展覧会を開催できることを誇りに思います。大規模なコレクションは、単一の個人コレクターから提供された絵画で構成されています。
これほど多くのハンス・ホフマンの絵画を含むコレクションは、心と知性の両方に語りかける作品を重んじたコレクターの証です。人々と同じように、コレクションは決して完成することはなく、構築と時には手放すことの継続的なプロセスです。コレクターは文化遺産の一時的な管理者であり、このコレクションの広がりと質の高さは、1940年代に重点を置きながら、このコレクターのホフマンへの持続的な愛を物語っています。それらを一堂に集めることで、独自の方法で、ホフマンへのビジュアル・エッセイを表現し、20世紀の巨匠への新たな洞察を与えてくれます。
1940年代から1950年代にかけての30年にわたる絵画を巡りながら、本展覧会は各時代に立ち寄り、ホフマンが自身の作品群だけでなく、美術史全般において引き起こした深遠な革命を案内します。
ハンス・ホフマンとは?
Bill Witt, “Hans Hofmann”, 1948, National Portrait Gallery, Smithsonian Institution, Washington, D.C. © Bill Witt
「画家は言葉ではなく、絵具を通して語らなければならない。」— ハンス・ホフマン
1880年生まれのホフマンは、デ・クーニングやロスコといった最年長の抽象表現主義者たちより一世代前の人物であり、1904年から1914年の重要な10年間をパリで過ごし、ピカソやマティスと親交を持ち、1906年にセザンヌの大回顧展が開催された際には現場に立ち会っていた。そのため、1932年にニューヨークに到着した後、ホフマンが様々なスタイルを経てやや回り道をしたとしても不思議ではない。しかし、彼は常に絵画に関する核となる理念に忠実であり続けた。
一般に「スラブ」として知られる、純粋で浮遊する色彩の鮮やかな矩形を描く数十年前、ホフマンはより自由で偶然性に基づいた手法で絵具を刷き、染み込ませ、滴らせていた。彼とポロックのどちらが「ドリップ」絵画技法の先駆者であったかは、今なお決着がついていない。それに比べ、ジョーン・ミッチェルや、より叙情的な抽象表現主義 — 自然とより密接に結びついたもの — へと転じた若手画家たちに対する彼の教育の影響については、論争の余地はほとんどない。
1940年代
Bill Witt, “Hans Hofmann at Gallery 200”, 1949, Archives of American Art, Smithsonian Institution, Washington, D.C.
「芸術は、より深遠な人生の概念へと導く。なぜなら芸術それ自体が、感情の深遠な表現だからである。」― ハンス・ホフマン
ハンス・ホフマンの作品群を分析するにあたり、1940年から1944年にかけて彼が取り組んだ小さな風景画を考慮せずには不完全である。これらの作品は、マティスに触発された具象的な静物画、肖像画、室内画から、後に彼のキャリアを定義することになる純粋な抽象へと移行する、彼の芸術的進化における極めて重要な瞬間を捉えている。フォーヴィスムに根ざし、カンディンスキーの初期作品と共鳴するこれらの作品は、この変革期におけるホフマンの進化する視覚言語の力強い証として残っている。
しかしながら、この10年の後半には、ホフマンの実践において明確な変化が見られる。この変化を過小評価すべきではない。なぜなら、1947年までに、ホフマンは65歳でなお絵画制作を続けており、単一のキャンバスへのアプローチに固執するのではなく、絵画の新たな可能性を発見すべく自らを駆り立てていたからである。この時期、ホフマンの線性への依拠は、彼の初期作品のより流動的で絵画的なダイナミズムからの逸脱を示していた。1944年から1951年にかけて、この線的衝動が彼の実践に浸透し、抽象と構造の調和に取り組む表現様式の長期的な探求を示していた。
ホフマンは、シュルレアリスムやキュビスムといったヨーロッパ・モダニズムの初期の突破口を、アメリカ抽象表現主義の身振り的自由と統合することができた。1940年代後半におけるホフマンの意図的な探求は、容易な分類を拒む作品を創造する彼の独自の能力を際立たせており、形態と色彩の深く個人的な探求として際立っている。
1950年代
Kay Bell Reynal, “Hans Hofmann at work in his studio”, 1952, Archives of American Art, Smithsonian Institution, Washington, D.C.
「目に見えないものを感知し、それを創造することができる――それが芸術である。」― ハンス・ホフマン
1950年代に入り、ホフマンは70代を迎えたが、依然として好奇心旺盛で革新的であり続けた。72歳のハンス・ホフマンは、抑制によってインパクトを達成すべく、意図的かつ思慮深くキャンバスに取り組んだ。ホフマンの作品はシュルレアリスムと強く結びつけられることはないが、この10年において、彼はその初期の前衛運動を想起させるかのように、それを抽象表現主義と統合し、彼の有名な「プッシュ・プル」理論――色彩と形態の拡張と収縮の力が表面の緊張、深度、動きを生み出す――の適応性を際立たせた。
また、この10年において、ホフマンは色彩の断片を探求し取り入れ始め、それらを空間に浮遊させることで、浮揚感のある筆致に対する緊張感を生み出し、溢れる生命力を通じて調和させた。
1960年代
“Hans Hofmann, Toshimitsu Imai, and others at the Venice Biennale”, 1960, photographic print, Archives of American Art, Smithsonian Institution
「楽観主義なしに絵を描くことができる人がいるなんて、私には理解できない。今日の世界における一般的な悲観主義的態度にもかかわらず、私は楽観主義者以外の何者でもない。」— ハンス・ホフマン
1960年、ホフマンはヴェネツィア・ビエンナーレで米国を代表する4人のアーティストの1人に選ばれた。世界は若さと若き天才に執着する。この観点から見ると、ハンス・ホフマンは遅咲きであった。しかし、ホフマンが指導した抽象表現主義者たちを見てみれば、多くの者が40代になるまで本領を発揮しなかった。あるいは、40代になってからベイエリア具象運動の先駆者となったデイヴィッド・パーク。あるいはより最近では、長い人生の最後の数十年になってから絵画で称賛を得たエテル・アドナン。年齢は経験と視点をもたらすものである。
キャンバスに適用される対立のプッシュプル理論を維持しながら、この10年間もホフマンは絵具の可能性を押し広げ続けた。単色の優雅で生き生きとした筆致がキャンバス全体を飛び交う作品もある。うねる色彩の海の上に絵具の一塊が浮かぶ作品もある。綿密に計画されたように見える絵画もあれば、熱狂的な偶然の産物のように見える絵画もある。しかし余計なものや無駄なものは何もないように見える。キャンバス上のすべてが意味を持つ。
1960年代、ホフマンは人生の最後の数年を迎えつつあったにもかかわらず、より高い名声と敬意を得た。おそらく、色彩と筆致による活力と躍動感がホフマンの評価を高めたのであろう。おそらく、リー・クラズナー、ジョーン・ミッチェル、ウルフ・カーンを含む一世代の画家たちへの影響力が次第に認識されるようになったのであろう。おそらく、単調な反復に落ち着くことのなかった芸術家の特異性、視覚的研究として機能し、楽観主義と喜びに満ちた彼の絵画によるものであろう。
ホフマンについての芸術家たち
Burt Glinn, “Hans Hoffman and Helen Frankenthaler exchange greetings at an opening for one of Frankenthaler’s shows. New York City”,1957 © Burt Glinn | Magnum Photos
「人間として、そして芸術家として、積極的で、精力的で、優雅。スポーツマンだ。」— ヘレン・フランケンサーラー、2003年
「ホフマンの抽象は苦労して勝ち取られたものである。それは彼の周りの世界を描写することから生まれる…私は彼を過大評価しただろうか。そうは思わない。私にとって、この今なお過小評価されている芸術家は、世紀の偉大な画家の1人として際立っている。」— アンソニー・カロ、1990年
「ハンス・ホフマンは、地球をオレンジのように割ることができる暴力の無限小の粒子を見ることができるかのように絵を描く。彼は私たちに物質の生命力、その創造とその破壊、その闇と光の天使を見せてくれる。」— テネシー・ウィリアムズ、1949年
「私は本当に最初の衝撃を受けなかった。それ[キュビスム]の完全な衝撃を受けたのは、ホフマンと仕事をするまでだった。」— リー・クラズナー、1938年
人間の精神
“Vaclav Vytlacil and classmates being instructed by Hans Hofmann”, 1926 Archives of American Art, Smithsonian Institution, Washington, D.C.
「芸術とは、私にとって人間精神の讃美であり、そのようなものとして、それが生み出された時代の文化的記録である。」– ハンス・ホフマン
ハンス・ホフマンは真正な初期モダニストであった。その後、自らの能力を完全に掌握した成熟した芸術家として、彼の業績は、抽象表現主義を生み出した活気に満ちたニューヨークの環境によって刺激され、可能にさえされた。したがって、ロスコの柔らかな縁取りの矩形、フランツ・クラインの拡大された書道的筆致、クリフォード・スティルの暗く粗削りな形態といった単一の図像的外観を追求した抽象表現主義者の大半とは異なり、ホフマンが絶えず異なる、矛盾する効果を求めていたことは、おそらく驚くべきことではない。
彼の絵画は大胆に多様であり、現代抽象芸術に利用可能な最も刺激的な道筋へ向けて広い軌跡を刻んだ。ホフマンは長きにわたって単一の様式に落ち着くことを拒んだ勇敢な実験者であり、その意図を明確に述べていた。「私が最も嫌うのは、自分自身を何度も繰り返すこと、つまり偽りの様式を発展させることだ…私は発明し、発見し、想像し、思索し、即興したい、つまり霊感を得るために危険を捉えたいのだ。」
“芸術とは、芸術家の溢れる魂の表現である。”
ハンス・ホフマン