誰もがファンタジーを求めている。アメリカのポップアート
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アンディ・ウォーホルの言葉をタイトルとインスピレーションにした「Everyone Needs a Fantasy」は、ポップアートの力強さ、欲望、そして喜びを探求するものです。本展では、30年以上にわたるポップアートの歴史を紹介します。ウォーホル、ロイ・リキテンスタイン、メル・ラモス、ラリー・リバーズ、トム・ウェッセルマンなどの世界に飛び込んでみてください。
誰もがファンタジーを必要としている」の作品は、アメリカン・ポップ・アートの華やかさと隠されたエッジの両方を追求しています。1960年代に主流となった抽象表現主義とは対照的に、ポップアートは太陽のように明るく、思慮深いものでした。ポップアートと抽象表現主義の対比と共通点については、別の展覧会「ジューイッシュ・モダニズム Part 1」をご覧ください。
ポップアートは、その明るさとは裏腹に、アメリカ人の心理を鋭く突いていました。例えば、ウォーホルは、単にセレブリティや名声に魅了されただけでなく、これらのテーマをさらに掘り下げて、美しいもの、明るいもの、トラウマ的なものといったアメリカ独自のビジョンを反映させたのです。
メル・ラモス、トム・ウェッセルマン、ラリー・リバーズの作品は、美術史、ポップアート、消費者文化の中での人間の役割を私たちに問いかけています。ポップアートは、シリアスとキャンプ、アバンギャルドとキッチュを融合させる場となりました。
ロイ・リキテンスタインのコミックをモチーフにした作品も、いわゆるファインアートとメインストリームカルチャーの境界線を曖昧にし、アプロプリエーション（流用）についての冷静な疑問を投げかけます。
この展覧会のタイトルが示唆するように、ポップアートはファンタジーとリアリティの両方を均等に提供し、購入するだけで喜びが得られます。
アンディ・ウォーホル
ポップ・アーティストの中でも最も傑出した存在であるウォーホルは、オスカー・ワイルドの言葉を借りれば、表面と深みを併せ持つ作品を生み出しました。ブラックグラマの広告に登場するジュディ・ガーランドは、魅力的なファンタジーと悲劇的な現実の両方を強調しています。本展では、「死と災難」シリーズから派生した「電気椅子」の全作品が展示されており、アメリカでの名声と悪評に悩まされたウォーホルの姿を見ることができます。
ロイ・リキテンシュタイン
リキテンスタインは、ウォーホルとともに、題材とスタイルの両方においてコミックを流用することで、20世紀のポップ・アートとアメリカン・アートを定義するようになりました。リキテンスタインは、記録とパロディの両方を兼ね備えたコミックの構図を正確に再現しました。リキテンスタインの作品は、大衆広告に大きな影響を受けており、一周回って、主流の広告に影響を与えています-欲望の消費サイクルです。
ジム・ダイン
ジム・ダインの作品は、子供のような魅力を持つものを瞑想し、普遍的でノスタルジックな言葉を探しています。ダインのローブは、彼の長く輝かしいキャリアの中で最もよく知られたイメージのひとつです。また、鉛のプラムを使用することで、ダイン自身の子供の頃の道具や金物に対する経験をポップなレンズで表現しています。
アレックス・カッツ
アレックス・カッツは、アメリカのフィギュラティヴ・アートの中心的存在です。彼のカラフルでスタイル化されたフラットな肖像画や絵画は、彼が生まれた時代の抽象表現主義とは全く対照的です。また、ミニマリストではなく、彼の死んだような人物像は、ポップカルチャーや商業デザインと比較されるような性質を持っています。カッツの作品には、クールな距離感と同時にクールなヒップネスが感じられます。
ロバート・ラウシェンバーグ
アメリカのアーティスト、ロバート・ラウシェンバーグは、拾い物やポップカルチャーを取り入れたアッサンブラージュで、20世紀のアートに革命をもたらしました。物体と意味を重ね合わせることで、芸術の概念とその境界線を問い直したのです。
ジェームズ・ローゼンクイスト
ジェームズ・ローゼンクイストは、ポップ・アーティストの代表的な存在です。彼の大規模なキャンバスには、広告や商業文化から引用したイメージがコラージュされている。ローゼンクイストはビルボード・ペインターとしての訓練を受け、その経験を生かして、日常生活の中で遭遇する広告のような巨大なキャンバスを制作しました。静止画ではあるが、角張った分解と再結合によって、チャンネルサーフィンのように高速でイメージが点滅しているかのような印象を与え、ビルボードのハイウェイをドライブしているかのような、あるいはウェブサイトからウェブサイトへジャンプしているかのような印象を与える。アンディ・ウォーホルが友人のジェームス・ローゼンクイストをお気に入りのアーティストと呼んだのは偶然ではありません。
エド・ルシェ
エド・ルシェは、アメリカを代表するアーティストの一人であり、アメリカ的な象徴や言語と芸術の関係を探求していることでも知られています。1990年代から2000年代にかけて、「The End」という映画のテーマを絵画、版画、ドローイングに取り入れ、特に1991年には近代美術館で大規模なペインティングを発表しました。時間の経過と陳腐化をテーマに、ルシェは古めかしい書体と、映画の中でテキストを使用するという古い映画の伝統を利用しています。
Mel Ramos
ラモスは、女性のヌードをコカコーラやデルモンテなどの商業的トーテムと並べて描くことが多く、アメリカ社会における広告を流用し、再文脈化しています。私たちは、視覚的で風味豊かなファンタジーに直面しているのです。友人のリキテンシュタインのように、ラモスは商業的なイメージの拡散を利用して、この光学的な豊かさに解釈を与えました。ラモスは、文化的な指標を参照するだけでなく、古典的なヌードへの言及も取り入れました。
ラリー・リバーズ
ポップアートのゴッドファーザー、そしてアンファン・テリトリーとも言われるリバースは、抽象表現主義の父、ハンス・ホフマンに師事したこともあります。そのため、リバースは、リキテンシュタインやウォーホルのような工業的・工場的な手法で消すのではなく、常にアーティストの手で作品を作りたいと考えていました。しかし、彼の作品は、抽象と具象をポップカルチャーや消費者文化と融合させ、芸術の限界を押し広げました。
ジョージ・シーガル
セガールが等身大の人体に着目したことで、抽象表現主義の流行に対抗することができました。さらに、友人や家族の包帯で作られたこれらの鋳型は、実存的な響きを持っています。終わりもなければ始まりもない行為の中で、時間の中に浮遊する人々。ポーランド系ユダヤ人の家庭に生まれ、その多くがホロコーストで亡くなったセガールは、人間の状態を思い起こさせる、文字通りの抜け殻のような人物を生み出しています。
トム・ウェッセルマン
ラモスと同様、トム・ウェッセルマンの作品は、美術史に残る古典的なヌードを参照し、それを現代的なものと重ね合わせています。彼は、ビキニの日焼けラインを使うなど、現代の観客のためにヌードを更新しました。ラモスが人物にリアリズムをもたらす一方で、ウェッセルマンは鮮やかなグラフィック・スタイルを提供しています。このように抽象化を推し進めることで、視覚的な消費と商業的な消費との間に、より大胆なつながりが生まれるのです。
