ハンス・ホフマン
アートワーク
「私たちが視覚的に経験する世界全体は、色という神秘的な領域を通して私たちにもたらされる。- ハンス・ホフマン
に関しては
ハンス・ホフマンの教師としての影響力を挙げる人は多いが、戦後アメリカの偉大な画家の一人として認める人はまだ少ない。ヘザー・ジェームズは、ホフマンの遺産の驚くべき幅広さを示す、4点の模範的な作品を提供できることを嬉しく思う。抽象画の重要な道は、彼の教えと模範によって切り開かれた広範な領域で勢いを増した。
1880年生まれのホフマンは、デ・クーニングやロスコのような最も古い抽象表現主義者たちとは世代が離れているが、1904年から1914年までの重要な10年間をパリで過ごし、ピカソやマティスを知り、1906年にセザンヌの大回顧展が開かれたときには現場にいた。そのため、1932年にニューヨークに到着した後、ホフマンが現在最もよく知られている特徴的なスタイルに至るまで、少々回り道をしたことは驚くにはあたらない。一般に「スラブ」と呼ばれる、浮遊するような純粋な色彩の鮮やかな長方形を描く数十年前、ホフマンは、よりゆるやかで偶然性に基づいた手つきで、絵具をブラシで塗り、汚し、垂らしていた。彼とポロックのどちらが「ドリップ」絵画技法の先駆者であるかは、いまだに定かではない。ホフマンの指導が、ジョーン・ミッチェルや、より叙情的な抽象表現主義（より自然に近い表現主義）に傾倒した若い画家たちに与えた影響については、あまり論争がない。
"私にとって芸術とは、人間の精神を賛美するものであり、それが生み出される時代の文化的記録である"- ハンス・ホフマン
無題（プロヴィンスタウン港の眺め）、c. 1937
ハンス・ホフマンほど、ヨーロッパのモダニズムとアメリカの抽象表現主義の橋渡しをしたアーティストはいない。 無題（プロヴィンスタウン港の眺め）は、両時代の要素をシームレスに組み合わせている。フォーヴ派の自由奔放な色彩と、ニューヨーク派のオートマティズム的技法を予感させる幅広い筆致が融合している。この絵画は非常にジェスチャー的で、ラウル・デュフィの筆致のモチーフとダイナミックなスピードを取り入れながら、より男性的で大胆なエネルギーを放っている。このアプローチは、アクション・ペインティングのルーツを示唆し、ロードアイランド州プロビデンスで過ごしたホフマンの革新的な精神を反映している。
愛の歌, 1952
72歳のハンス・ホフマンは、このキャンバスをじっくりと考え、抑制の効いたインパクトのある作品に仕上げた。広々とした空間がキャンバスの呼吸を促し、青い絵の具が表情豊かに滴り落ち、液体の夢のように流れる。ホフマンの作品は決してシュルレアリスムと強く結びついているわけではない。しかし、画面全体に蛇行する糸状の蔓は、シュルレアリスムのオートマティズムの根源に触れ、ミロの気まぐれな精神と呼応している。最も印象的なのは、開いている部分が真っ白でも「調色」されているのでもなく、陰影のある存在感を帯びていることで、この絵に豊かで呪術的な深みを吹き込み、魅惑的で喚起的な視覚体験にしている。
ザ・クライム、1960年
多くのアメリカの画家たちが抽象画を新たな方向へ押し進めるか、あるいは否定していた時代に描かれたこの作品は、官能的で巧みな絵画的タッチが際立つ、当時の絵画である。その一方で クライム1952年以来、水彩画のような手軽さでキャンバスに吸い込まれるような色彩の浮遊を試みていた。一方、これらの短い帯やプリズムのようなスラーリーは、ホフマンが親友のロベール・ドローネと色彩理論に取り組み、プリズムについて多くのことを考えたパリでの幸福な日々を思い起こさせる。また、フォーヴ派や、ワシリー・カンディンスキー、カシミール・マレーヴィチ、フランティセク・クプカ、ピエト・モンドリアンといった、まさに抽象画を発明した芸術家たちから学んだ教訓も反映されている。 クライムは、画家が過去と現在の両方から引き出した輝かしい表現であり、遊び心に溢れながらも軽薄ではなく、十分な知識を持ち、画家としての能力をシンプルかつ確信を持って表現する用意がある。
無題, 1962
ホフマンが教職を退いて間もなく描かれた作品、 無題は、伝統的な遠近法やモデリングによらず、空間と奥行きを自在に操る彼の能力を示す、自信に満ちた積極的な絵の具の塗り方によって特徴づけられた、色彩豊かな作品である。弧を描き、勢いよくブラッシングされた青と白の多彩な通路は、暖かい色調と暗い部分に照らし出されたエネルギーの稲妻であり、視覚的に魅力的な空間的奥行きとダイナミズムの部屋の中に宙吊りにされている。ホフマンのキャリアのこの後期は、この若さゆえの探究心と、ダイナミックなプッシュ・プル理論の活用が際立っている。色彩の相互作用は、単に美的な選択としてだけでなく、彼の理論を体現するものとして機能し、形や色彩が前進したり後退したりすることで、キャンバスに生命を吹き込む視覚的緊張を示し、見る者の目を惹きつける生き生きとした表面を作り出している。豊かな温かみのある背景の中にある、暗示された空間的な奥行きとエネルギッシュな電気の弧は、抽象絵画は直接的な表現ではなく、色と形の感情的・視覚的な力によって、三次元世界の感覚を呼び起こすことができるという彼の信念を反映している。
黄色い花瓶, 1942
ホフマンが《黄色い壷》を描いたのは、1944年にニューヨークのアート・オブ・ザ・センチュリー・ギャラリーで初めて個展を開くわずか2年前のことだった。この生き生きとした作品は、1942年当時、抽象表現主義の発展原理であった形の崩壊を考察する即興的な習作である。ホフマンはこの時期、著名な教師であり、彼の弟子にはヘレン・フランケンサーラー、アラン・カプロー、マイケル・ゴールドバーグなど数十人がいた。 「黄色い壷」は、表現と抽象に対するホフマン独自のアプローチのダイナミズムをとらえている。彼の作品のエネルギーと動きは、20世紀アメリカン・アートへの最も重要な貢献のひとつとなった。
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