ポップアートキャント・バイ・マイ・ラブ
"優れたビジネスは最高の芸術である"- アンディ・ウォーホル
アートワーク
ポップアートキャント・バイ・マイ・ラブ
"私は下着の芸術とタクシーの芸術のためにいる。私はコンクリートの上に落とされたアイスクリームのコーンの芸術のためにいるのだ。- クレス・オルデンブルグ
に関しては
"ポップアートCan't Buy My Love」は、40年以上にわたるポップ・アートと商業との関係を検証します。1960年代の誕生から現代美術への影響まで、アンディ・ウォーホル、キース・ヘリング、ジェームズ・ローゼンクイスト、メル・ラモス、クレス・オルデンバーグなど、主要アーティストを通してその起源と発展をたどります。
人気者になれるぞ！
ポップ・アートは、第二次世界大戦後の数十年間に出現しました。その直後、抽象表現主義が主流となり（本展覧会参照 抽象表現主義。ラジカルの超克しかし、戦争がバックミラーに映るようになると、アーティストたちはAbExの優位性や、均質化するアメリカの消費文化に疑問を持ち始めます。ポップ・アートはイギリスから始まったが、ポップ・アーティストに肥沃な土壌を与えたのは、アメリカのマス・マーケティングと商業主義であった。
他のムーブメントに参加したアーティストたちが、自分たちの怒りや感情をぶつけたのに対し、ポップアーティストは、消費と適合の輝く表面を、無防備な観客に向けて反射させたのです。
コミックアートを流用したロイ・リキテンスタインのように、作品にクールな皮肉を込めるアーティストもいた。彼の作品のパワーは、「ロー」アートと「ハイ」アートの間の緊張にあった。また、クレス・オルデンバーグのように、イメージの伝播や大量生産を分析するためにユーモアを利用する者もいた。
すべてのポップ・アーティストが無縁のアイロニーを駆使していたわけではない。ジム・ダインは、自らの個人的な体験とユダヤ人としてのアイデンティティを掘り起こした。特にダインは、祖父が営む金物店で育った幼少期の記憶を利用している。本展の作品は、プラム・ボブを使うことで、その記憶をさりげなくほのめかしている。
ジェームズ・ローゼンクイストにとって、ポップ・アートは親しい友人を敬い、弔うための手段でもあったのでしょう。本展の絵画は、日常的なものを用いて、生と死、そして友情というテーマに触れています。
しかし、ルロイ・ニーマンのようなアーティストは、明るく美しいシルエットのポップ・アートを生み出し、あらゆる形の生命の色を謳歌したのである。ニーマンは、スポーツの試合や人物をよく描いていた。ニーマンは生前、最も人気のあるアーティストの1人であり、ウォーホルは「ニーマンのように成功したい」と口にしていた。ウォーホルはニーマンに、大衆の好みに合わせて経済的なベストセラーになるようなアーティストを見出したのだ。ウォーホルは、モハメド・アリの写真や絵画が、ニーマンの描いた高さ9フィートの伝説のボクシング選手の絵のようになることを望んでさえいた。皮肉や深刻さのなさは現代では衝撃的だが、彼の絵が創り出す明るい世界は、ポップ・アートがしばしば吟味した楽観主義で私たちを満たしてくれるのである。
退廃的な10年
ポップ・アートの全盛期は1960年代から70年代にかけてですが、このムーブメントが新たな表現を獲得したのは1980年代です。映画『ウォール街』の中で、"Greed, for lack of the better word, is good "という名言があるように、この時代は資本主義が蔓延していた。
ウォーホルのようなアーティストにとっては、あらゆる機会を利用して、自由市場や商業主義の深層を探るチャンスだったのです。この展覧会では、ウォーホルのポラロイド、スクリーンプリント、さらにはドローイングを通して、ウォーホルのビジョンの多様性が紹介されています。すべてが売り物で、ウォーホルは私たちにそれを知らせるようにした。
しかし、80年代は華やかな時代ばかりではなく、すべてのアーティストがこの時代の行き過ぎた部分を描いたわけではありません。エイズの流行は、地域社会や人々の生活を破壊しました。寺岡正美のようなアーティストは、芸術を通して感情や懸念を表現しました。寺岡は、日本の浮世絵からインスピレーションを受けています。浮世絵のエピゴニックな性質は、ポップアートの大量生産と消費への憧れと一致しています。
寺岡は、日本のスタイルとアメリカのアイコンを融合させ、ユーモアと鋭い社会批評の交差点を見いだしました。80年代のアメリカは、特に日本からの「黄禍」の波が押し寄せた時代でもありました。エイズの汚名や文化的アイデンティティの重なりなど、寺岡の80年代のアートは、センシティブなテーマを優雅に、そしてウィットに富んで表現しています。
80年代のアートとアーティストについては、「It Was Acceptable in the 80s」展で詳しくご紹介しています。
いかんともしがたい
欲しいか？お前のものだ！」。これは、多くのポップアーティストが探求し、しばしば利用した感情である。ウォーホルに話を戻すと、私たちは、キャンディの箱、靴、そしてキャベツ畑人形のような、彼の想像力をかき立てるオブジェを目にすることができます。ウォーホルが撮影したキャベツ畑人形ほど、アメリカのポップカルチャーと消費主義の精神を体現できるアーティストが他にいるだろうか？ウォーホルはフォードの車を描いていますが、これは彼がコマーシャル・アーティストとしてスタートした頃のもので、小売やマーケティングに対するアメリカ国民の憧れを表現しています。
ウォーホルがグラマラスに焦点を当てたのとは対照的に、キース・ヘリングはストリートから生まれ、誰にでも開かれたポップ・アートのビジョンを提供した。ウォーホルはアメリカの消費主義に対して、距離を置いていたとはいえ平等主義的な考えを持っていたかもしれないが、ヘリングは平等な考えを実践していた。彼の最も優れた例のひとつが、ポップ・ショップであろう。ヘリングはこう言っている。
ポップショップの理念はここにあります。地下鉄のドローイングと同じようなコミュニケーションを続けたいと思いました。コレクターだけでなく、ブロンクスの子供たちにも来てもらえるような場所にしたかったんです。要は、アートを安っぽくするようなものは作りたくないということだったんです。つまり、これはやはりアートの主張だったのです
そんなヘリングとその思想は、ウォーホルも親交を深め、ポップショップを支持するほどであった。
ウォーホルが作品によって消費を振り返り、ヘリングが公平な流通を作り出したとすれば、メル・ラモスは絵画によってサブテキストをテキストにしたのである。ラモスは官能的なヌードと人気のある商業的アイコンを組み合わせ、アメリカにおける広告の役割と欲望を再文脈化したのです。ヌードと広告の組み合わせは、視覚的な豊かさと味覚的なファンタジーの両方を楽しむことができる環境を作り出しているのです。
ポップ・アーティストたちは、アメリカの商業主義の表面的な価値に不平等と民主化の両方の特徴を見出し、消費を文脈化し、それに立ち向かったのである。大量消費とそれに結びついたマーケティングは、平等化する一方で平坦化する効果もある。ウォーホルは「コーラはコーラであり、いくら金を積んでも、街角の浮浪者が飲んでいるものより良いコーラを手に入れることはできない」と冷静に指摘した。コーラはどれも同じで、どれもおいしい。リズ・テイラーも、大統領も、浮浪者も、そしてあなたも、それを知っている。
"石鹸皿や鏡やコーラの瓶のようなものを醜いと思う人は、本当にかわいそうだと思う。- ロバート・ラウシェンバーグ
