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パームデザートギャラリーウォークスルー - 戦後と現代のアート

2021年5月

25周年を迎えるにあたり、エレイン・デ・クーニング、アドルフ・ゴットリーブ、アグネス・マーティン、ジョアン・ミロなど、尊敬されるアーティストの貴重な優良作品を引き続きご紹介していきます。この25年間で、ヘザー・ジェームス・ファイン・アートは、アメリカやヨーロッパにギャラリーやコンサルタント会社を持つグローバルなネットワークに拡大しました。2020年だけでも、ヘザー・ジェームス・ファイン・アートは382点の作品を世界中の新しいコレクションに納めており、今後も他の人々のコレクションを増やすためのアドバイスができることを誇りに思っています。

戦後・現代の作品のサンプリング

When forty rural Sacramento Delta landscapes by Wayne Thiebaud were unveiled at a San Francisco gallery opening in November 1997, attendees were amazed by paintings they never anticipated. This new frontier betrayed neither Thiebaud’s mastery of confectionary-shop colors nor his impeccable eye for formal relationships. Rather, his admirers were shocked to learn that all but seven of these forty interpretations had been completed in just two years. As his son Paul recalled, “the refinements of my father’s artistic process were ever changing in a chameleon-like frenzy.” The new direction had proved an exhilarating experience, each painting an affirmation of Wayne Thiebaud’s impassioned response to the fields and levees of the local environment he dearly loved. <br><br>Viewed from the perspective of a bird or a plane, The Riverhouse is an agrarian tapestry conceived with a kaleidoscopic range of shapes and simple forms; fields striped with furrows or striated fans, deliriously colored parallelograms and trapezoids, an orchard garnished pizza-shaped wedge, and a boldly limned river, the lifeline of a thirsty California central valley largely dependent upon transported water.<br><br>The Riverhouse is a painting that ‘moves’ between seamlessly shifting planes of aerial mapping that recalls Richard Diebenkorn’s stroke of insight when he took his first commercial flight the spring of 1951, and those partitions engaging a more standard vanishing point perspective. Thiebaud explained his process as “orchestrating with as much variety and tempo as I can.” Brightly lit with a fauve-like intensity, The Riverhouse is a heady concoction of vibrant pigment and rich impasto; one that recalls his indebtedness to Pierre Bonnard whose color Thiebaud referred to as “a bucket full of hot coals and ice cubes.” Among his many other influences, the insertion of objects — often tiny — that defy a rational sense of scale that reflects his interest in Chinese landscape painting.<br><br>As always, his mastery as a painter recalls his titular pies and cakes with their bewitching rainbow-like halos and side-by-side colors of equal intensity but differing in hues to create the vibratory effect of an aura, what Thiebaud explained “denotes an attempt to develop as much energy and light and visual power as you can.” Thiebaud’s Sacramento Delta landscapes are an integral and important part of his oeuvre. Paintings such as The Riverhouse rival the best abstract art of the twentieth century. His good friend, Willem de Kooning thought so, too.

ウェイン・ティーボー

ザ・リバーハウス

18 x 35 3/4 in.

キャンバスに油彩

Tom Wesselmann was a leader of the Pop Art movement. He is best remembered for large-scale works, including his Great American Nude series, in which Wesselmann combined sensual imagery with everyday objects depicted in bold and vibrant colors. As he developed in his practice, Wesselmann grew beyond the traditional canvas format and began creating shaped canvases and aluminum cut-outs that often functioned as sculptural drawings. Continuing his interest in playing with scale, Wesselmann began focusing more closely on the body parts that make up his nudes. He created his Mouth series and his Bedroom series in which particular elements, rather than the entire sitter, become the focus.<br> <br>Bedroom Breast (2004) combines these techniques, using vivid hues painted on cut-out aluminum. The work was a special commission for a private collector's residence, and the idea of a bedroom breast piece in oil on 3-D cut-out aluminum was one Wesselmann had been working with for many years prior to this work's creation. The current owner of the piece believed in Wesselmann's vision and loved the idea of bringing the subject to his home.<br><br>It's one of, if not the last, piece Wesselmann completed before he passed away. The present work is the only piece of its kind - there has never been an oil on aluminum in 3D at this scale or of this iconography.

トム・ヴェッセルマン

ベッドルームブレスト

80 x 76 x 10 in

切り抜きアルミニウムに油

The frame of reference for Irish American Sean Scully’s signature blocks and stripes is vast. From Malevich’s central premise that geometry can provide the means for universal understanding to Rothko’s impassioned approach to color and rendering of the dramatic sublime, Scully learned how to condense the splendor of the natural world into simple modes of color, light, and composition. Born in Dublin in 1945 and London-raised, Scully was well-schooled in figurative drawing when he decided to catch the spirit of his lodestar, Henri Matisse, by visiting Morocco in 1969. He was captivated by the dazzling tessellated mosaics and richly dyed fabrics and began to paint grids and stipes of color. Subsequent adventures provided further inspiration as the play of intense light on the reflective surfaces of Mayan ruins and the ancient slabs of stone at Stonehenge brought the sensation of light, space, and geometric movement to Scully’s paintings. The ability to trace the impact of Scully’s travels throughout his paintings reaffirms the value of abstract art as a touchstone for real-life experience.<br><br><br>Painted in rich, deep hues and layered, nuanced surfaces, Grey Red is both poetic and full of muscular formalism. Scully appropriately refers to these elemental forms as ‘bricks,’ suggesting the formal calculations of an architect. As he explained, “these relationships that I see in the street doorways, in windows between buildings, and in the traces of structures that were once full of life, I take for my work. I use these colors and forms and put them together in a way that perhaps reminds you of something, though you’re not sure of that” (David Carrier, Sean Scully, 2004, pg. 98). His approach is organic, less formulaic; intuitive painter’s choices are layering one color upon another so that contrasting hues and colors vibrate with subliminal energy. Diebenkorn comes to mind in his pursuit of radiant light. But here, the radiant bands of terracotta red, gray, taupe, and black of Grey Red resonate with deep, smoldering energy and evoke far more affecting passion than you would think it could impart. As his good friend, Bono wrote, “Sean approaches the canvas like a kickboxer, a plasterer, a builder. The quality of painting screams of a life being lived.”

ショーン・スカリー

グレーレッド

85 x 75 インチ。

油彩・アルミニウム

Tom Wesselmann will undoubtedly be remembered for associating his erotic themes with the colors of the American flag. But Wesselmann had considerable gifts as a draftsman, and the line was his principal preoccupation, first as a cartoonist and later as an ardent admirer of Matisse. That he also pioneered a method of turning drawings into laser-cut steel wall reliefs proved a revelation. He began to focus ever more on drawing for the sake of drawing, enchanted that the new medium could be lifted and held: “It really is like being able to pick up a delicate line drawing from the paper.”<br><br>The Steel Drawings caused both excitement and confusion in the art world. After acquiring one of the ground-breaking works in 1985, the Whitney Museum of American Art wrote Wesselmann wondering if it should be cataloged as a drawing or a sculpture. The work had caused such a stir that when Eric Fischl visited Wesselmann at his studio and saw steel-cut works for the first time, he remembered feeling jealous. He wanted to try it but dared not. It was clear: ‘Tom owned the technique completely.’<br><br>Wesselmann owed much of that technique to his year-long collaboration with metalwork fabricator Alfred Lippincott. Together, in 1984 they honed a method for cutting the steel with a laser that provided the precision he needed to show the spontaneity of his sketches. Wesselmann called it ‘the best year of my life’, elated at the results that he never fully achieved with aluminum that required each shape be hand-cut. “I anticipated how exciting it would be for me to get a drawing back in steel. I could hold it in my hands. I could pick it up by the lines…it was so exciting…a kind of near ecstasy, anyway, but there’s really been something about the new work that grabbed me.”<br><br>Bedroom Brunette with Irises is a Steel Drawing masterwork that despite its uber-generous scale, utilizes tight cropping to provide an unimposing intimacy while maintaining a free and spontaneous quality. The figure’s outstretched arms and limbs and body intertwine with the petals and the interior elements providing a flowing investigative foray of black lines and white ‘drop out’ shapes provided by the wall. It recalls Matisse and any number of his reclining odalisque paintings. Wesselmann often tested monochromatic values to discover the extent to which color would transform his hybrid objects into newly developed Steel Drawing works and, in this case, continued with a color steel-cut version of the composition Bedroom Blonde with Irises (1987) and later still, in 1993 with a large-scale drawing in charcoal and pastel on paper.

トム・ヴェッセルマン

ベッドルームブルネットwithアイリス

105 3/4 x 164 5/8 in.

切り抜きアルミニウムに油

ロバート・インディアナの4文字の2列配置が、1960年代のムーブメントにどのような影響を与えたかは、想像に難くない。その原点は、宗教に深く触れ、友人であり師であったエルズワース・ケリーの硬質なスタイルと官能的でアクセントのない色彩が印象に残ったことにある。しかし、インディアナが「LOVEが私を噛んだ！」と言うように、それは偶然のキスメットのようなもので、デザインはシャープで集中したものになった。もちろん、インディアナはこのデザインを何度も試行錯誤し、そして、このロゴはあちこちに芽を出し始めたのです。イタリア語の "Amor "は、"O "が右に傾いているのが特徴的です。しかし、このバージョンは、「L」の足で蹴られるのではなく、上の「A」に美しい演出で揺さぶりをかけているのである。これは、愛とその感情的な性質について、新しい、しかし決して深くない印象を与えます。いずれにせよ、「Love」の傾いた「O」は、他の安定したデザインに不安定さを与え、「この言葉に関連するしばしば空虚な感傷、甘ったるい愛情ではなく、報われない憧れと失望を隠喩的に示唆する」（Robert Indiana's Best: A Mini Retrospective, New York Times, May 24, 2018）というインディアナの暗黙の批判を深く投影しています。繰り返しは、もちろん、シンプルさと、画期的なデザインの天才に対する私たちの評価を低下させる厄介な習慣があります。晩年、インディアナは「素晴らしいアイデアだったが、ひどい間違いでもあった」と嘆いている。あまりにも人気が出てしまった。人気が出るのを嫌う人もいるんだ」。しかし、分裂と混乱に満ちた世界の住人である私たちは、あなたに感謝します。"Love "とその多くのバージョンは、私たちの愛の能力を強く思い出させるものであり、それこそが、より良い未来への永遠の希望なのです。

ロバート・インディアナ

AMOR（レッド・イエロー）

96×96×48インチ

ポリクロームアルミニウム

ブロイヤー・ヴァイルは、曖昧な意味や複数の意味を表現する芸術作品を制作することに関心を持ち、それに固執してきました。フライト」は、ブロンズで空飛ぶ人間の無重力と自由を表現した彫刻で、空飛ぶ人間の印象を作り出すことへの作家の執念を表現しています。ブロンズという、通常は重さや場所を表す静的な媒体を選んだことだけでも十分挑戦的ですが、「飛行」は、自由や逃避から「移動する人間という現代的なイメージの典型」まで、あらゆることを連想させます。支持体なしで人物を持ち上げているように見せかけたテント状のひょろ長いポールについて、ブロイヤー＝ワイルは、このテーマ的モチーフが他の人々との絆や過去との絆を表していると指摘しています。ブロイヤー＝ワイルは、「フライト」を3点＋1点のアーティストプルーフで制作することを許可しています。

デヴィッド・ブロイアー=ワイル

2018年に考案された

センチ、２５０センチ、２５０センチ。

ジェームズ・ローゼンキスト - ゴードン・マッタ・クラークのためのバニティ不公平 - キャンバス上の油 - 62 3/4 x 43 x 2 3/4で。

ジェームズ・ローゼンキスト

ゴードン・マッタ・クラークのためのバニティ・アンフェア

62 3/4 x 43 x 2 3/4 in.

キャンバスに油彩

The Pop Art movement elevated common, often commercial subjects- redefining them as Fine Art. James Rosenquist's work helped shape the trajectory of the Pop Art phenomenon, and he was one of the few artists from this group to live well into the 21st century. <br><br>"Where the Water Goes" (1988) is an oil painting on canvas related to a series of monumentally scaled pressed paper pulp pieces produced in partnership with master printer Kenneth Tyler. The series is based on collaged visual elements arranged on a monumental scale. <br><br>The works from the "Welcome to the Water Planet" series appear to share a celestial setting and could be inspired by the artist's knowledge of the space shuttle program of the 1980s. Rosenquist also demonstrated his fascination with modern technology in his early masterpiece F-111 (1964-65).

ジェームズ・ローゼンキスト

水のゆくえ

102×60インチ

キャンバスに油とアクリル

エイリアン」は、ブロイヤー＝ワイルの代表作である「ビジター」シリーズの繰り返しである。6メートルの巨大なブロンズ像で、頭から大地に墜落した人型が描かれている。その荒々しく蹴る脚は、閉塞感から身体を解放しようとする行為を示唆するのと同様に、その頭部は永久に続く状況であるかのように埋め込まれている。ブロイヤー＝ワイルは、その意図をこのように説明している。「私はいつも、私たちは一人ではない、巨大なエイリアンが突然地球に降り立つかもしれないというアイデアに魅了されています。私は、そのような到着が生み出す驚きと衝撃の感覚を捉えたいと思ったのです"。もちろん、エイリアンには、新しい文化や社会に溶け込もうとするアウトサイダーとしての挑戦という、まったく別の連想があります。「この作品では、これらのテーマに関連する深い感情を、巨大で呼吸する人間の姿で表現したいと思いました。そして、その感情の激しさを表現するために、巨大なスケールが必要だったのです。ブロイヤー＝ワイルは、「エイリアン」を3体＋2体のアーティストプルーフで鋳造することを許可しています。

デヴィッド・ブロイアー=ワイル

2012年に考案

茶色のパティナとブロンズ

MEL RAMOS - Nude Descending a Staircase #2 - キャンバスに油彩 - 70 x 52 1/8 in.

メル・ラモス

階段を降りるヌード #2

70 x 52 1/8インチ。

キャンバスに油彩

ダグ・エイトケンは、極端に拡大・断片化した画面を使った実験的なビデオアーティストとしてよく知られています。鏡は、彼の彫刻、インスタレーション、映画において中心的なモチーフとなっています。2011年に制作されたクロエ・セヴィニー主演の「ブラック・ミラー」は、コレクターのダキス・ジョアンヌの依頼で、ギリシャ沖に浮かぶはしけの上でデビューしました。2016年のカタリナ島沖の画期的な水中アートインスタレーションでは、表面が鏡面になっているパビリオンが、水中を流れる光を屈折させ、万華鏡のような視覚効果を生み出しました。2012年に制作されたこの彫刻「Movie」でも鏡が使用されており、同様の知覚の分断の感覚を呼び起こし、印象的なプリズム照明効果を作り出しています。この作品は、「Fate」「Free」「Now」「Riot」「Sex」「Star」など、パンチの効いた言葉を使ったテキスト彫刻のシリーズから生まれました。

27 1/4 x 79 1/2 x 8 in.

高密度発泡体、鏡、塗装済みガラス

ハーブアルパート - アローヘッド - ブロンズ - 201 x 48 x 48インチ。

ハーブ・アルパート

201 x 48 x 48 in.

ハーブ・アルバートの多くのブロンズ鋳造、絹のような黒色のパテント仕上げのスピリット・トーテムの中で、ウォーリアほどはっきりとした男性的な雰囲気を持つものは他にありません。猛禽類の紋章や平原インディアンの酋長の頭飾りを思わせるような鋸歯状の冠をかぶった「戦士」というタイトルは、強さ、勇気、不屈の精神などの特徴を適切に表現している。ヘンリー・ムーアの作品と同様に、これらの連想は、この力強い彫刻がダイナミックで強い印象を与えるために、ネガティブ・スペースに依存している部分があります。

ハーブ・アルパート

161 x 40 x 40 in

Alexander Calder was a key figure in the development of abstract sculpture and is renowned for his groundbreaking work in kinetic art; he is one of the most influential artists of the Twentieth Century. "Prelude to Man-Eater" is a delicately balanced standing sculpture that responds to air currents, creating a constantly changing and dynamic visual experience.<br><br>Calder's Standing Mobiles were a result of his continuous experimentation with materials, form, and balance. This Standing Mobile is a historically significant prelude to a larger work commissioned in 1945 by Alfred Barr, the first director of the Museum of Modern Art in New York. "Prelude to Maneater" is designed to be viewed from multiple angles, encouraging viewers to walk around and interact with it.<br><br>The present work is a formal study for Man-Eater With Pennant (1945), part of the permanent collection of the Museum of Modern Art in New York. The work is also represented in "Sketches for Mobiles: Prelude to Man-Eater; Starfish; Octopus", which is in the permanent collection of the Harvard Fogg Museum.<br><br>Calder's mobiles and stabiles can be found in esteemed private collections and the collections of major museums worldwide, including the Museum of Modern Art in New York, the National Gallery of Art in Washington, D.C., the Whitney Museum of American Art, New York, the Art Institute of Chicago, and the Tate Gallery in London among others.

アレクサンダー・カルダー

マンイーターへの序曲

59×42×18インチ。

板金、ワイヤー、塗料

Having unwittingly inserted himself into the Pop Art conversation with his Great American Nude series, Tom Wesselmann spent the rest of his career explaining that his motivation was not to focus excessively on a subject matter or to generate social commentary but instead, to give form to what titillated him most as beautiful and exciting. His disembodied Mouth series of 1965 established that an image did not have to rely on extraneous elements to communicate meaning. But it was his follow-up performances with the Smoker series and its seductive, fetish allure that raised his standing among true sybarites everywhere. Apart from perceiving smoking as cool and chic, a painting such as Smoker #21 is the consummate celebration of Wesselmann’s abilities as a painter. Enticed by the undulating smoke, Wesselmann took great pains to accurately depict its sinuous movements and observe the momentary pauses that heightened his appreciation of its sensual nature. Like all of Wesselmann’s prodigious scaled artworks, Smoker #21 has the commanding presence of an altarpiece. It was produced during long hours in his impressive Manhattan studio in Cooper Square, and the result is one of sultry dynamism — evocative, sensual, alluring, sleek, luscious, and perhaps, even sinister — a painting that flaunts his graphic supremacy and potent realism varnished with his patented sex appeal flair.<br><br>Tom Wesselmann expanded upon the success of his Great American Nudes by focusing on singular features of his subjects and began painting his Mouth series in 1965. In 1967, Wesselmann’s friend Peggy Sarno paused for a cigarette while modeling for Wesselmann’s Mouth series, inspiring his Smoker paintings. The whisps of smoke were challenging to paint and required Wesselmann to utilize photographs as source material to capture the smoke’s ephemeral nature properly. The images here show Wesselmann photographing his friend, the screenwriter Danièle Thompson, as she posed for some of Wesselmann’s source images.

トム・ヴェッセルマン

スモーカー#21

74 1/2 x 67 1/2 in.

油彩・変形キャンバス

Alexander Calder executed a surprising number of oil paintings during the second half of the 1940s and early 1950s. By this time, the shock of his 1930 visit to Mondrian’s studio, where he was impressed not by the paintings but by the environment, had developed into an artistic language of Calder’s own. So, as Calder was painting The Cross in 1948, he was already on the cusp of international recognition and on his way to winning the XX VI Venice Biennale’s grand prize for sculpture in 1952. Working on his paintings in concert with his sculptural practice, Calder approached both mediums with the same formal language and mastery of shape and color.<br><br>Calder was deeply intrigued by the unseen forces that keep objects in motion. Taking this interest from sculpture to canvas, we see that Calder built a sense of torque within The Cross by shifting its planes and balance. Using these elements, he created implied motion suggesting that the figure is pressing forward or even descending from the skies above. The Cross’s determined momentum is further amplified by details such as the subject’s emphatically outstretched arms, the fist-like curlicue vector on the left, and the silhouetted serpentine figure.<br><br>Calder also adopts a strong thread of poetic abandon throughout The Cross’s surface. It resonates with his good friend Miró’s hieratic and distinctly personal visual language, but it is all Calder in the effective animation of this painting’s various elements. No artist has earned more poetic license than Calder, and throughout his career, the artist remained convivially flexible in his understanding of form and composition. He even welcomed the myriad interpretations of others, writing in 1951, “That others grasp what I have in mind seems unessential, at least as long as they have something else in theirs.”<br><br>Either way, it is important to remember that The Cross was painted shortly after the upheaval of the Second World War and to some appears to be a sobering reflection of the time. Most of all, The Cross proves that Alexander Calder loaded his brush first to work out ideas about form, structure, relationships in space, and most importantly, movement.

アレクサンダー・カルダー

28 3/4 x 36 1/4 in.

キャンバスに油彩

The Pop Art Movement is notable for its rewriting of Art History and the idea of what could be considered a work of art. Larry Rivers association with Pop-Art and the New York School set him aside as one of the great American painters of the Post-War period. <br><br>In addition to being a visual artist, Larry Rivers was a jazz saxophonist who studied at the Juilliard School of Music from 1945-1946. This painting's subject echoes the artists' interest in Jazz and the musical scene in New York City, particularly Greenwich Village and the Lower East Side. <br><br>“Untitled” (1958) is notable bas the same owner has held it since the work was acquired directly from the artist several decades ago. This work is from the apex of the artists' career in New York and could comfortably hang in a museum's permanent collection.

ラリー・リバーズ

68×58インチ。

キャンバスに油彩

JEAN-MICHEL BASQUIAT - 無題（ハトの解剖学） - 紙に油彩、グラファイト、チョーク - 22 x 30 in.

ジャン=ミシェル・バスキア

無題（ハトの解剖学）

紙に油彩、黒鉛、チョーク

JEAN ARP - Sculpture Mythique - bronze - 25 x 9 1/2 x 12 in.

ジャン・アープ

スカルプチャー・ミステイク

25 x 9 1/2 x 12 in.

ラリー・リバーズ

ビヨンド・キャメル

98 3/4 x 79 1/4 in.

キャンバスにアクリル

A major figure in both the Abstract Expressionist and American Figurative Expressionist movements of the 1940s and 1950s, Elaine de Kooning's prolific output defied singular categorization. Her versatile styles explored the spectrum of realism to abstraction, resulting in a career characterized by intense expression and artistic boundary-pushing. A striking example of de Kooning's explosive creativity is Untitled (Totem Pole), an extremely rare sculptural painting by the artist that showcases her command of color. <br><br>She created this piece around 1960, the same period as her well-known bullfight paintings. She left New York in 1957 to begin teaching at the University of New Mexico in Albuquerque, and from there would visit Ciudad Juárez, where she observed the bullfights that inspired her work. An avid traveler, de Kooning drew inspiration from various sources, resulting in a diverse and experimental body of work.

エレーン・デ・クーニング

無題(トーテムポール)

97 x 12 3/8 x 12 3/8 in

ダンボールシリンダーの上に伸ばされたキャンバスに油

ジム・ダインはアメリカのポップアーティストで、普遍的でノスタルジックな言語を見つけるために子供のような魅力を持つオブジェクトに瞑想した作品です。ディーンのローブは、彼の長く輝かしいキャリアから生まれた最も有名なイメージの一つです。彼らは1964年の秋にシドニー・ジャニス・ギャラリーで最初に展示されました - これはそのような例の一つです。ダブルシルバーポイントローブは、大規模な混合メディアアセンブリです。この作品はシルバーポイントで行われ、銀の一部を特別に用意された地面の上に描く道具として利用し、数ヶ月にわたって酸化して暖かい茶色のトーンを作り出す技術です。2つの結合されたキャンバスは、頭部があるべき場所の代わりに木のブロックと空気の流れに応じて動く吊り下げ木要素を備えています。

ジム・ダイン

ダブルシルバーポイントローブ

2つの結合されたキャンバス、木材、ナイフ、およびアーティストのフレームの文字列にシルバーポイントとアクリル

Gottlieb was a first-generation member of the Abstract Expressionists. “Blue on Black” is from his trademark “Burst” series. Like fellow Ab Ex artists including Pollock who settled into their signature style late in their careers, it was not until 1956 that Gottlieb focused on these burst paintings.<br><br>This painting showcases the lyricism that he found within the “Burst” paintings by simplifying color and form. In this painting, the shapes and color coalesce to produce harmony and depth within the visual landscape of the canvas.<br><br>Gottlieb had an amazing 56 solo exhibitions during his long career and his works are included in over 140 museums throughout the world.

アドルフ・ゴットリーブ

ブルーオンブラック

24 x 18 7/8 in.

キャンバスに置かれた紙の上にアクリル

Well known for his candor and pragmatic sensibility, Alexander Calder was as direct, ingenious, and straight to the point in life as he was in his art. “Personnages”, for example, is unabashedly dynamic, a work that recalls his early love of the action of the circus as well as his insights into human nature. The character of “Personnages” suggests a spontaneous drawing-in-space, recalling his radical wire sculptures of the 1920s.<br>© 2023 Calder Foundation, New York / Artists Rights Society (ARS), New York

アレクサンダー・カルダー

29 1/2 x 43 1/4インチ

紙の上のガッシュとインク

ベイエリアのアーティスト、ローランド・ピーターセンのランチョンは、1961年のキャンバスに油彩を描いた、彼の最も有名なピクニックシリーズの重要な年です。この時代からの彼の作品は、濃厚なインパストと豊かな色彩が特徴です。ハンス・ホフマンとの研究に深い影響を受け、ピーターセンは抽象化を試み、ここでは抽象的で比喩的なスタイルをブレンドしました。ピーターセンが35歳の時に描かれたランチョンは、1962年にニューヨークのシュペンプフリ・ギャラリーでの完売したワンマン・ショー、ロサンゼルスのエステル・ロブレスでの個展、グッゲンハイム・フェローシップなど、その時間内に位置しています。パリで勉強する

ローランド・ピーターセン

キャンバスに油彩

注目の展覧会

2018年11月8日～2019年2月28日ニューヨーク

デ・クーニング X デ・クーニング

2018年11月8日～2019年2月28日までニューヨーク

2020年8月26日～2021年2月28日Jackson Hole, WY

アメリカとヨーロッパの印象派と現代美術の不思議

2020年8月26日～2021年2月28日までワイ州ジャクソンホール

2020年3月16日～2021年2月28日カリフォルニア州パームデザート

グロリア・ルリアコレクション

2020年3月16日～2021年2月28日までカリフォルニア州パームデザート

2020年3月25日～2021年2月28日ニューヨーク

ALEXANDER CALDER: BOLD GOUACHES

2020年3月25日～2021年2月28日までニューヨーク

2020年にコレクターに紹介した作家を紹介します。

クロードモネ

アレクサンダー・カルダー

エドワード・ホッパー

ヘレン・フランケンタラー

カミーユ・ピサロ

トレーシーエミン

フェルナン・レジェ

パブロ・ピカソ

デイビッド・ホックニー

アンドリュー・ワイス

グレース・ハーティガン

サルバドールダリ

アニッシュ・カプーア

ジョージ・コンド

ジーン・アープ

ヴィンセント・ファン・ゴッホ

アンディ・ウォーホル

ロバート・マザーウェル

マルク・シャガール

デボラ・バターフィールド

パット・ステイア

ラウル・デュフィ

ジョージア・オキーフ

エド・ルシェ

エレーン・デ・クーニング

マーク・ブラッドフォード

アンセル・アダムス

ノーマン・ロックウェル

アイ・ウェイウェイ

カルロス・クルス＝ディース

クロードモネ
サルバドールダリ
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所有権に対する異議申し立てがなされている場合
対象物に関連する盗難品のデータベース
対象物が提供される状況
以下を含む関連調査情報源：ArtLoss Register またはその他のデータベース。
売主が有効な所有権を有し、対象物に先取特権、請求権、抵当権がないことを保証する、売主からの保証および補償表明。
1933年から1945年の間にドイツ占領下のヨーロッパにあった可能性の高い品物の取得に関するガイドラインに従った、ナチス／第二次世界大戦時代の調査と文書化

ファイナンス

HJアート・アドバイザリーは、資産担保融資、信託のための美術品購入、遺産相続計画などでお客様をサポートします。美術品市場に関する専門知識を駆使し、お客様のコレクションに関する決断をサポートいたします。遺産、法律チーム、ファイナンシャル・アドバイザーと協力し、クライアントとその目標を最大限にサポートします。
ヘザー・ジェームス・ファイン・アートは登録投資、法律、税務アドバイザーではありません。ヘザー・ジェームス・ファイン・アートが表明する投資および財務に関する意見はすべて、個人的な調査に基づく意見です。過去の実績は将来のリターンを保証するものではなく、また必ずしも将来の実績を示唆するものでもありません。

販売と買収

HJアート・アドバイザリーは、個人売買、オークションハウス、アーティストからの依頼など、美術品購入の可能性のある作品の調達に重点を置いています。 HJアート・アドバイザリーは、クライアントのコレクションをより充実させるために、クライアントの関心に関連する重要な美術品について、民間および公的市場を継続的に監視しています。HJアート・アドバイザリーは、クライアントのために最良の取引を実現するために、コレクターに代わって売買価格の交渉を行います。

価値と保険

HJアート・アドバイザリー・グループは、保険評価、買収、売却のための美術品コレクションの評価と鑑定を行っています。これには、価値を決定するための私的および公的な美術品市場分析の綿密な調査が含まれます。

目利き

HJアート・アドバイザリーは、新しいコレクションを開発中のお客様や、すでに確立されたコレクションをお持ちのお客様に代わって、アドバイスや詳細なサービスを提供しています。長年アートビジネスに携わってきた豊富な知識と経験により、熟練した経験豊かなスタッフが、様々なレベルでのガイダンスとディレクションを提供いたします。

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