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每个收藏家的艺术品

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艺术品

<div><font face=Lato size=3>Andy Warhol’s<em> Campbell’s Soup I: Vegetable Soup </em>(1968) is part of his first screenprint portfolio dedicated to the iconic soup cans, produced in an edition of 250 with additional artist’s proofs. This impression, numbered 198/250, translates one of Warhol’s most famous painted subjects into the medium that would define his career.</font></div><br><br><div><font face=Lato size=3> </font></div><br><br><div><font face=Lato size=3>The speed with which the art world embraced Warhol was remarkable: in July 1962, his thirty-two<em> Campbell’s Soup Cans</em> paintings debuted at the Ferus Gallery in Los Angeles, quickly cementing his reputation. Those early canvases, among his last hand-painted works, appeared almost mechanically produced, but Warhol soon abandoned the brush in favor of silkscreen, a commercial process that allowed for both endless repetition and striking variations of his chosen subjects.</font></div><br><br><div><font face=Lato size=3> </font></div><br><br><div><font face=Lato size=3><em>Vegetable Soup</em> was one of the original thirty-two varieties and remains a pop culture phenomenon, continually reappearing on everything from plates and mugs to t-shirts, neckties, and even surfboards. Warhol’s transformation of an everyday supermarket staple into an enduring icon underscores his genius for elevating the ordinary into the realm of high art. With its crisp outlines and industrial precision, <em>Vegetable Soup </em>embodies the artist’s most radical contribution: the merging of consumer culture with fine art.</font></div>

安迪·沃霍尔

金宝汤 I：蔬菜汤

纸上的丝印

理查德-迪本科恩曾经解释说："所有的绘画都是从一种情绪开始的，从与事物或人的关系开始的，从一个完整的视觉印象开始的。"迪本科恩因其在湾区具象艺术运动中的决定性作用而闻名，与战后主导纽约市的抽象艺术相对立，迪本科恩经常在具象和抽象之间摇摆不定。1952年，他在厄巴纳的伊利诺伊大学担任了一个学年的教职。在那里，他向建筑系的学生教授初级绘画，并将他家的一间卧室作为工作室使用。1952-53年的这段时期，即所谓的乌尔巴纳系列，是迪本科恩风格发展中的一个富有成效的关键时期。他通过抽象对具象的创新探索就是从这些关键的早年开始的，并将在他60年代末至80年代广为人知的海洋公园系列中得到充分实现。

理查德·迪本科恩

无题（厄巴纳系列）

13 7/8 x 11 in.

纸上的墨水

The essential and dramatic declaration “Let there be light” of Genesis is not so far removed from Mary Corse’s recollection of the moment in 1968 when the late afternoon sun electrified the reflective road markings of Malibu as she drove east. In an instant, the glowing asphalt markings provided the oracle she needed to realize she could ‘put light in the painting and not just make a picture of light’. Using the same glass microbeads utilized by road maintenance services, she layers and embeds the prismatic material in bands and geometric configurations creating nuanced glimmering abstract fields which shift as the viewer moves in relationship to the work. Move to one side and dimness brightens to light. Walk back and forth and you might feel a rippling effect from its shimmering, prismatic effects.<br><br>A photographic image of a Mary Corse microsphere painting is not only a dull representation, but it also misses the point – it is experience dependent art that requires participation to ‘be’. Of course, “Untitled” (1975) defies that one-point static perspective and instead, depends upon a real time, interactive art experience which heightens awareness of the body in space as the viewer experiences shifts of retinal stimulation, sensation and feeling. It is a rare bird. Unusually petite at two-foot square, its design, geometry and color belie her earlier revelation that led to a devotion to her usual reductive palette. Instead, it is a bold statement in sequined color, its center field bounded at the corners by a sparkling red stepped motif that separates it from its starry night sky corner spandrels. It may not include a star motif, but it has the glamour and presence that belongs along Hollywood’s Walk of Fame.

玛丽·科罗斯

帆布上的丙烯酸和钻石粉

Signed and titled verso<br>JR-33-76

画布上的丙烯酸

Op Art evolved as an alternative trend in painting to the abstract expressionist movement of the 1950s. The genesis of the movement was in the 1960s, when artists such as Victor Vasarely, Bridget Riley, and Richard Anuszkiewicz embraced a more structured and geometric approach to their painting, often using visual tricks to create a sense of movement. While the artistic and spiritual predecessors to OP Art, such as Josef Albers (!888-1976), utilized a softer and more subdued approach, the Op Artists were using bold, large-scale works with variable dimensions to create their visual statement. <br><br>A student of Albers, Richard Anuszkiewicz, used enamel and acrylic paint on wood in such a way to create his uncompromising and exact compositions. A great sense of action can be felt in the present work, "Translumina". The sister piece to "Translumina," "Translumina II" (1986), is in the permanent collection of the Albright-Knox Art Gallery, Buffalo.

里查德·阿努斯齐维奇

特兰卢米纳

木材上的丙烯酸

查克-克洛斯（Chuck Close）的四件玻璃全息图套装是他对自画像的持久探索和对创新艺术媒介的兴趣的迷人交集。自画像一直是克洛斯作品的基石，使他能够深入探讨人类身份的复杂性和艺术创作的过程。全息图随着观众的位置而变化，创造出一种动态体验，与克洛斯的像素化作品遥相呼应，但又增加了实体存在感。全息图》展示了艺术家不断发展其艺术语言的决心，巧妙地将传统肖像画与现代技术进步相结合，不断挑战和重新定义视觉表现的界限。

14 x 11 in. ea.

一套4个玻璃全息图

卡尔-本杰明（Karl Benjamin）和他的同行洛瑟-费特森（Lorser Feitelson）、弗雷德里克-哈默斯利（Frederick Hammersley）以及约翰-麦克劳克林（John McLaughlin）在美国抽象艺术史上占有独特的地位。他们以精确的几何形式和强调平面感的简洁边缘著称，是 20 世纪 50 年代末崛起的加州硬边画家。与埃尔斯沃思-凯利（Ellsworth Kelly）等人不同的是，他们的作品反映出一种明亮、清晰的色调，暗示着加利福尼亚的自然和建筑环境，而不是东海岸更多的城市和工业影响。此外，与东海岸竞争激烈的艺术界相比，加利福尼亚的艺术家群体相对较小且关系密切，他们具有合作和共同探索的意识，从而促成了一场具有鲜明个性的凝聚运动。

卡尔·本杰明

画布上的油画

EDGAR ALWIN PAYNE - Sotto Marino 的威尼斯船 - 布面油画 - 23 3/8 x 26 1/4 英寸。

埃德加·阿尔温·佩恩

索托马利诺的威尼斯游船

23 3/8 x 26 1/4 英寸

画布上的油画

FIONA RAE - 无题（黄、红+棕） - 布面油画 - 72 x 78 英寸。

无题(黄、红+棕)

画布上的油画

<div>Untitled, a large-scale diptych by Ed Moses, created with acrylic on canvas, showcases his experimental flair and abstract mastery. Measuring 84 x 126 inches, the work comprises two panels that together form a vibrant, chaotic composition. Both panels feature deep green backgrounds adorned with dynamic swirls, circular motifs, and jagged patches of mottled white and black, creating a textured, almost graffiti-like effect. The interplay of overlapping shapes and spontaneous brushwork invites viewers into a layered visual journey. </div><br><br><div> </div><br><br><div>Moses, a pioneering artist among the first generation showcased at L.A.’s legendary Ferus Gallery in 1957, brings a rich legacy to this early 2000s piece. His innovative use of acrylic allows for a tactile surface that blends controlled chaos with expressive freedom, and the large scale of the diptych envelops the viewer with this carefully-balanced visual energy. This work exemplifies his boundary-pushing aesthetic, and stands as a powerful testament to Moses’ contribution to contemporary art. </div>

南博小组一、二

画布上的丙烯酸

JOANNA POUSETTE-DART - 无题（红色沙漠研究） - 木板上的丙烯酸 - 33 1/2 x 42 x 3/4 英寸。

乔安娜·普塞特-达特

无题（红色沙漠研究）

33 1/2 x 42 x 3/4 英寸。

木板上的亚克力

ARNE HIERSOUX - Mem Sahib - 丙烯酸和画布上的纸张 - 70 1/2 x 120 1/2 in.

ARNE 希尔苏克斯

梅姆·萨希卜

70 1/2 x 120 1/2 in.

画布上的丙烯酸和纸张

从 20 世纪 50 年代末到 60 年代中期，雷-帕克早期对色域绘画的贡献以其鲜活、清新的特质脱颖而出。帕克在用石膏粉预处理过的大画布上，用生猛的笔触排列出两个或更多粗犷的色块。这些色块的色彩饱和而微妙，展现出一种独特的活力。虽然帕克的构图可能会让人联想到罗斯科的作品，但坚实有力的色彩表现方式却使其与众不同。帕克的作品保持了纽约画派的宏大规模和活力，但又与抽象表现主义不同，他摒弃了抽象表现主义常有的强烈情感，接受了抽象表现主义运动的愿景，没有典型的悲怆。

30 1/8 x 23 1/4 英寸

画布上的油画

OLAF WIEGHORST - 阿帕奇 - 布面油画 - 20 x 24 in.

画布上的油画

托马斯-诺兹科夫斯基出生于1944年，他创作了一些小幅的、色调丰富的画作，反映了抽象表现主义者和包豪斯难民的二元影响，他曾在库珀联盟学习。他使用小画笔，他的处理方式包括刮擦和擦掉颜料，这些都会在作品中得到体现。他开发了一个独特的，广泛的词汇，在不同的配色方案和广泛的联想中部署生物形态般的几何形式：瓷砖地板，细胞群，建筑和外太空。这些作品往往是从他自己的记忆和经验中提炼出来的。诺兹科夫斯基评论这幅具体的画作（《无题》，1994年）时说，这幅画反映了他对文艺复兴时期卡松多雷胸板上所画的神话场景的迷恋。他说这是这个系列三四幅15"x30"的画中最好的一幅。诺兹科夫斯基多年来一直由佩斯画廊处理。他于2019年去世。

THOMAS NOZKOWSKI

油彩、麻布、板面

弗朗西斯科·托利多 - 无标题 - 纸上混合介质 - 8 x 10 1/4 in.

弗朗西斯科·托莱多

纸上混合介质

玛丽莲-明特 - 《下班后》 - 色素印刷品 - 85 1/2 x 55 3/4 英寸。

玛丽莲-明特

85 1/2 x 55 3/4 英寸。

亨利-莫尔--皇帝的头像--青铜，带棕色铜锈--6 3/4 x 8 1/4 x 4 1/2 英寸。

皇帝的头颅

6 3/4 x 8 1/4 x 4 1/2 in.

青铜与棕色帕蒂娜

CHUCK CLOSE - Kate - 存档颜料打印 - 32 x 24 英寸。

档案颜料印刷

MEL RAMOS - Lola Cola; A.C. Annie; Della Monty; Tobacco Red - 四幅胶印彩色石版画 - 每幅 30 3/4 x 25 1/4 英寸。

梅尔·拉莫斯

罗拉可乐；A.C. 安妮；德拉蒙蒂；烟草红

各 30 3/4 x 25 1/4 英寸。

四幅胶印彩色石版画

LEROY NEIMAN - 马术骑手 - 纸上混合媒体 - 22 x 28 英寸。

马术运动员

纸上混合介质

肯尼思·诺兰 - 风82-23 - 手工纸上涂漆的单型 - 86 1/2 x 31 3/8 in.

肯尼思·诺兰

86 1/2 x 31 3/8 in.

手工纸上涂漆的单型

这是中世纪印度神庙中的皇家游行场景。中央的骑手头戴装饰精美的头盔或王冠，彰显其王室身份。他的两侧有两名同伴相伴，他们都转过身面向他，以示敬意。在骑士身后的楣板上，一群支持者注视着游行队伍。雕刻师将随从置于主要人物身后的壁架上，并将这些次要人物的比例缩小，从而传达出一种纵深感。虽然这种技法缺乏希腊罗马古典楣画等作品的复杂性，但艺术家仍然获得了一种深度和透视感，同时为描绘马匹和中心人物提供了宽阔的空间。此外，雕刻师在马鞍和马具以及骑手靴子和铠甲绑腿的细节处理上也展现出了非凡的技艺。

宽度：23 英寸

CHINESE - Sancai-Glazed Official - 釉陶 - 高：34 英寸。

三才琉璃官

唐朝（公元 618-907 年）

高度：34 英寸

JAPANESE - Dog and Wagon Embroidery - silk and gold thread embroidery - 88 1/2 x 48 1/2 in.

狗和马车刺绣

88 1/2 x 48 1/2 英寸

JAPANESE - 6 Panel Japanese Byobu - 纸与木 - 67 1/2 x 146 英寸。

6 块面板的日式小木屋

明治/大正时期：20 世纪初

67 1/2 x 146 英寸

JACK ROTH - Untitled - acrylic on canvas - 18 x 30 1/8 in.

18 x 30 1/8 英寸

画布上的丙烯酸

罗伦斯-希勒 - 芭芭拉-史翠珊（皮草帽） - 古董银色明胶照片 - 11 x 14 in.

芭芭拉-史翠珊(皮草帽)

复古银质明胶照片

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