Figurative Meister der Amerikas
Ann Norton Sculpture Garden, West Palm Beach, Florida
Denken Sie an die Avantgarde-Kunst der letzten 100 Jahre – was stellen Sie sich vor? Denken Sie an konzeptuelle Kunst wie Anish Kapoor? Oder denken Sie an reine Abstraktion wie Hans Hofmann? Ein Großteil der grenzensprengenden Kunst des 20. und 21. Jahrhunderts wurde mit nicht-gegenständlicher Kunst assoziiert, doch die Tendenzen innerhalb der Kunstgeschichte pendelten zwischen Abstraktion und Figuration, während Künstler die Grenzen dessen, was Kunst sein kann, verschoben und tiefere kulturelle und soziale Fragen stellten. Einige der bedeutendsten Künstler wie Andy Warhol und Willem de Kooning sind berühmt für ihren Beitrag zur Kunstgeschichte und Kultur durch ihre figurativen Werke.
In einer Zusammenarbeit zwischen dem Ann Norton Sculpture Garden und Heather James Fine Art untersucht Figurative Masters of the Americas die Bedeutung der Figuration in der Kunstgeschichte neu, mit Fokus auf Künstler aus ganz Amerika. Aufgeteilt in vier Abschnitte, vertieft jeder Galerieraum verschiedene historische und geografische Aspekte der Figuration: Lateinamerika, frühes 20. Jahrhundert, mittleres 20. Jahrhundert und Pop Art.
Heather James presents Figurative Masters of the Americas at the Ann Norton Sculpture Garden, West Palm Beach, Florida
Lateinamerikanisch
Installation view, pictured left to right, works by: Roberto Matta, Carlos Luna, Andy Warhol, Carlos Luna, Alexander Calder
The first gallery represents some of the largest names of Latin American art including Diego Rivera, Rufino Tamayo, and Wifredo Lam. These artists, like many in Latin America, looked beyond representation to create art that spoke to their cultural identity and politics. As Rivera notes, “The secret of my best work is that it is Mexican.” Rivera, Tamayo, and Lam synthesized the modernism emerging in the early to mid-20th century with pre-Colombian culture and art style. For Rivera and Tamayo they turned Mexican folk art while Lam incorporated Afro-Cuban mysticism.
Other artists in this section include Roberto Matta, Francisco Toldeo, Felipe Castañeda, Carlos Luna, and Mario Carreño. It is important to note that while all of these artists were pushing the boundaries of representational art, running concurrently were the Neo-Concrete artists like Hélio Oiticica who, like their figurative counterparts, expressed political views through their art but through abstraction. This push and pull between figuration and abstraction will be seen throughout each gallery.
Frühes 20. Jahrhundert
Installation view, pictured left to right, works by: N.C. Wyeth, Morris Louis, Manuel Neri, Maurice Askenazy
Zu Beginn des 20. Jahrhunderts, als die Vereinigten Staaten aus ihrem Gilded Age hervorgingen, rang die Nation mit der Frage, was für ein Land sie war und sein würde. In der Kunst von N.C. Wyeth oder Thomas Hart Benton sehen wir die Formung einer Art Identität, auf die sich die Vereinigten Staaten einlassen würden. Ist das Land ländlich oder städtisch? Wie gehen wir mit unserer Beziehung zu den amerikanischen Ureinwohnern um? Was bedeutet es, Amerikaner zu sein?
Bei einem Künstler wie Maurice Askenazy können wir die Rolle der Einwanderung in die USA erkennen. In Russland geboren, trug der Künstler zur Förderung des amerikanischen und kalifornischen Impressionismus bei, zwei zentrale Bewegungen, die die Kunst der Nation vom späten 19. Jahrhundert in die Moderne überführten, die im 20. Jahrhundert explodieren sollte.
Selbst Künstler, die für ihre reine Abstraktion bekannt werden sollten, begannen mit Figuration. Morris Louis setzte sich mit Figuration auseinander und fand Inspiration in deutschen Expressionisten und dem bedeutenden mexikanischen Muralisten David Alfaro Siqueiros. Kunst existiert niemals im Vakuum und ist auf Gespräche zwischen Künstlern und zwischen Kulturen angewiesen.
Mitte des 20. Jahrhunderts
Installation view, pictured left to right, works by: Willem de Kooning, Roberto Matta, Carlos Luna, Andy Warhol
Die amerikanische Kunst der Mitte des Jahrhunderts wird oft durch den Abstrakten Expressionismus definiert, doch die AbEx-Bewegung als reine Abstraktion zu betrachten, bedeutet, die Bedeutung der Figuration auszulöschen. In der Ausstellung ist ein Gemälde aus Willem de Koonings berühmter Women-Serie enthalten. Die Figuration hat in seinem Schaffen stets eine wichtige Rolle gespielt, und mit dieser Serie konnte de Kooning die Grundsätze und Techniken des Abstrakten Expressionismus mit den psychologischen und ästhetischen Qualitäten der Figuration verschmelzen.
Selbst bei Künstlern, die fast ausschließlich mit reiner Abstraktion assoziiert werden, wie Alexander Calder, wurde die Figuration niemals vollständig aufgegeben.
Als jedoch der Abstrakte Expressionismus zur dominierenden Tendenz wurde, begannen Künstler, seine Prämisse zu hinterfragen und wandten sich der Figuration zu, um die Möglichkeiten von Farbe und Malerei zu verstehen und zu erweitern. Ein bedeutender Brennpunkt war die Bay Area Figurative Art-Bewegung, zu deren Mitgliedern Paul Wonner und Manuel Neri zählten. Bereits durch ihre Verortung in San Francisco und der umliegenden Bay Area stellte sie die Dominanz New Yorks und der Abstraktion infrage, abgesehen davon, dass San Francisco seine eigene einzigartige Schule der Abstraktion besaß.
Pop Art
Installation view, pictured left to right, works by: Keith Haring, George Segal, Tom Wesselmann, Mel Ramos, Joseph Stella
Die Ausstellung schließt mit der Provokation und Verführung der Pop Art. Wie der Abstrakte Expressionismus und die figurative Kunstbewegung der Bay Area explodierte die Pop Art im Nachgang des Zweiten Weltkriegs. Im Gegensatz zur Angst der Abstraktion oder dem Rückzug zur Figuration feierte, appropriierte und kritisierte die Pop Art den Konsumismus der Nachkriegsjahre. Trotz der Leuchtkraft und Anziehungskraft der Kunst bot die Bewegung tiefere Einblicke in die amerikanische Psyche – alles ist Oberfläche und Substanz.
Verborgen unter dem Glamour destillierte Warhols Kunst die amerikanische Gesellschaft in ihren Konsum und ihre Sehnsüchte sowie das Wechselspiel zwischen Bild und Illusion.
Bei George Segal gibt es das Trauma des Zweiten Weltkriegs und des Holocaust. Seine Figuren stehen als Denkmäler für gewöhnliche Menschen und evozieren die Emotionen des alltäglichen Lebens. Die Heilung von unaussprechlichem Trauma beginnt mit dem menschlichen Körper. Sein Werk sollte andere Bildhauer und Installationskünstler beeinflussen.
Entstanden im Jahrzehnt der Gier und Opulenz, spricht die Kunst von Keith Haring stattdessen von Zugänglichkeit und Zugang zur Kunst für alle. Seine Street Art rebellierte gegen den Status quo.
Weitere Künstler in diesem Bereich sind James Rosenquist, Roy Lichtenstein, Tom Wesselmann und Mel Ramos.
“Hoffentlich wird die Betrachtung von Figurative Masters of the Americas nicht nur durch Zeit und Raum transportieren, sondern, was noch wichtiger ist, den Betrachtern ermöglichen, über die conditio humana zu reflektieren.”
Chip Tom, Senior Curator und Direktor für Museumsbeziehungen bei Heather James