Hans Hofmann: el padre del expresionismo abstracto
Landscape No. 108, 1941, oil on panel, 23 1/4 x 29 1/4 in.
Heather James se enorgullece de presentar esta exposición de Hans Hofmann que abarca tres décadas de obras, con una amplia curaduría de pinturas procedentes de un único coleccionista privado.
Con una colección que comprende tantas pinturas de Hans Hofmann como esta, las obras hablan de un coleccionista que valoraba piezas que hablan tanto al corazón como a la mente. Como las personas, las colecciones a menudo nunca están completas, un proceso continuo de construcción y a veces de dejar ir. Los coleccionistas son custodios temporales de un patrimonio cultural, y la amplitud y calidad de esta colección, con su énfasis en los años cuarenta, habla del amor sostenido de este coleccionista por Hofmann. Reuniéndolas, representan, a su manera, un ensayo visual sobre Hofmann, brindándonos una nueva visión de este gigante del siglo XX.
Recorriendo tres décadas de pinturas, desde los años cuarenta hasta los cincuenta, la exposición se adentra en cada período, guiándonos a través de las profundas revoluciones que Hofmann inició, no solo dentro de su propia obra sino en la historia del arte en general.
¿Quién es Hans Hofmann?
Bill Witt, “Hans Hofmann”, 1948, National Portrait Gallery, Smithsonian Institution, Washington, D.C. © Bill Witt
«Los pintores deben hablar a través de la pintura, no a través de las palabras». – Hans Hofmann
Nacido en 1880, una generación alejado de los expresionistas abstractos más antiguos como de Kooning o Rothko, Hofmann pasó la década crucial entre 1904 y 1914 en París, conoció a Picasso y Matisse, y estuvo presente cuando se inauguró la gran retrospectiva de Cézanne en 1906. Por tanto, no sorprende que tras llegar a Nueva York en 1932, Hofmann tomara un camino algo tortuoso a través de una variedad de estilos. Sin embargo, siempre se mantuvo fiel a ideas fundamentales sobre la pintura.
Décadas antes de pintar vibrantes rectángulos de color puro y flotante, comúnmente conocidos como «slabs», Hofmann pintaba con pincel, manchaba y goteaba pintura con una mano más suelta, basada en el azar. Si él o Pollock fueron pioneros de la técnica de pintura por «goteo» sigue siendo un asunto sin resolver. Menos controversia rodea el impacto de su enseñanza sobre Joan Mitchell y varios de los pintores más jóvenes que se orientaron hacia una variante más lírica del expresionismo abstracto, una más estrechamente alineada con la naturaleza.
Años 1940
Bill Witt, “Hans Hofmann at Gallery 200”, 1949, Archives of American Art, Smithsonian Institution, Washington, D.C.
«El arte conduce a un concepto más profundo de la vida, porque el arte mismo es una expresión profunda del sentimiento.» – Hans Hofmann
Cualquier análisis de la obra de Hans Hofmann resulta incompleto sin considerar sus pequeños paisajes, que le ocuparon entre 1940 y 1944. Estas obras capturan un momento crucial en su evolución artística, marcando la transición desde naturalezas muertas, retratos e interiores figurativos inspirados en Matisse hacia la abstracción pura que más tarde definiría su trayectoria. Arraigadas en el fauvismo y resonantes con la obra temprana de Kandinsky, estas obras constituyen un sólido testimonio del lenguaje visual en evolución de Hofmann durante este período transformador.
Sin embargo, en la segunda mitad de la década se produce un cambio evidente en la práctica de Hofmann. Este cambio no debe subestimarse ya que, en 1947, Hofmann seguía pintando a los 65 años y, en lugar de aferrarse a un único enfoque del lienzo, Hofmann se esforzó por descubrir nuevas posibilidades de la pintura. Durante este período, la dependencia de Hofmann en la linealidad supuso un alejamiento del dinamismo más fluido y pictórico de sus obras anteriores. De 1944 a 1951, este impulso lineal impregnó su práctica, señalando una exploración prolongada de los modos de expresión en la que lidiaba con la reconciliación entre abstracción y estructura.
Hofmann logró sintetizar los avances anteriores del modernismo europeo, como el surrealismo y el cubismo, con la libertad gestual del expresionismo abstracto estadounidense. Las exploraciones deliberadas de Hofmann durante finales de la década de 1940 subrayan su capacidad única para crear obras que se resisten a una categorización sencilla, destacándose como exploraciones profundamente personales de la forma y el color.
Años cincuenta
Kay Bell Reynal, “Hans Hofmann at work in his studio”, 1952, Archives of American Art, Smithsonian Institution, Washington, D.C.
«Percibir lo invisible y ser capaz de crearlo: eso es el arte». – Hans Hofmann
Los años cincuenta vieron a Hofmann alcanzar los setenta todavía tan curioso e innovador como siempre. Un Hans Hofmann de 72 años trabajaba sus lienzos de manera deliberada y reflexiva para lograr un impacto mediante la contención. La obra de Hofmann nunca se asocia fuertemente con el surrealismo y, sin embargo, en esta década pareció evocar ese movimiento vanguardista anterior, sintetizándolo con el expresionismo abstracto y subrayando la adaptabilidad de su célebre teoría del «push-pull», donde las fuerzas expansivas y contractivas del color y la forma crean tensión superficial, profundidad y movimiento.
También durante esta década Hofmann comenzó a explorar e incorporar pasajes de color, permitiéndoles flotar en el espacio donde producen una sensación de tensión frente a pinceladas boyantes, armonizando entre sí mediante la efervescencia.
Década de 1960
“Hans Hofmann, Toshimitsu Imai, and others at the Venice Biennale”, 1960, photographic print, Archives of American Art, Smithsonian Institution
«No puedo entender cómo alguien es capaz de pintar sin optimismo. A pesar de la actitud pesimista general en el mundo actual, yo no soy más que un optimista». – Hans Hofmann
En 1960, Hofmann fue seleccionado como uno de los cuatro artistas para representar a Estados Unidos en la Bienal de Venecia. El mundo se obsesiona con la juventud y los jóvenes prodigios. Desde esta perspectiva, Hans Hofmann fue un talento tardío. Sin embargo, si observamos a los expresionistas abstractos a quienes Hofmann guió, muchos no alcanzaron su plenitud hasta los cuarenta. O David Park, que no fue pionero del Movimiento Figurativo del Área de la Bahía hasta los cuarenta. O más recientemente, Etel Adnan, que no logró reconocimiento por sus pinturas hasta las últimas décadas de su larga vida. La edad trae consigo experiencia y perspectiva.
Manteniendo su doctrina del push-pull de oposiciones aplicadas sobre el lienzo, esta década continuó viendo a Hofmann impulsar las posibilidades de la pintura. Algunas obras muestran las pinceladas gráciles y vivaces de colores individuales revoloteando por el lienzo. Algunas obras muestran toques de pintura flotando sobre un mar turbulento de color. Algunas pinturas parecen estar cuidadosamente planificadas mientras que otras parecen ser el resultado del azar frenético. Pero nada parece superfluo o desperdiciado. Todo cuenta en el lienzo.
Los años sesenta vieron a Hofmann alcanzar mayores niveles de renombre y respeto, incluso cuando estaba llegando a los últimos años de su vida. Quizá sea la vitalidad y el dinamismo a través del color y la pincelada lo que acrecentó la reputación de Hofmann. Quizá fue el creciente reconocimiento de su influencia sobre una generación de pintores, incluidos Lee Krasner, Joan Mitchell y Wolf Kahn. Quizá sean las idiosincrasias de un artista que nunca se asentó en la repetición rutinaria, actuando sus pinturas como investigación visual, rebosantes de optimismo y alegría.
Artistas sobre Hofmann
Burt Glinn, “Hans Hoffman and Helen Frankenthaler exchange greetings at an opening for one of Frankenthaler’s shows. New York City”,1957 © Burt Glinn | Magnum Photos
«Como hombre y como artista, positivo, enérgico y elegante. Un deportista.» – Helen Frankenthaler en 2003
«La abstracción de Hofmann es muy trabajada: proviene de representar el mundo que le rodea… ¿He exagerado en sus elogios? Creo que no: para mí, este artista aún infravalorado destaca como uno de los grandes pintores del siglo.» – Anthony Caro en 1990
«Hans Hofmann pinta como si pudiera mirar dentro de esas partículas infinitesimales de violencia que podrían partir la tierra como una naranja. Nos muestra la vitalidad de la materia, su creación y su destrucción, sus ángeles de oscuridad y luz.» – Tennessee Williams en 1949
«Realmente no recibí el primer impacto, el impacto completo de ello [el cubismo], hasta que trabajé con Hofmann.» – Lee Krasner en 1938
El espíritu humano
“Vaclav Vytlacil and classmates being instructed by Hans Hofmann”, 1926 Archives of American Art, Smithsonian Institution, Washington, D.C.
«El arte es para mí la glorificación del espíritu humano y, como tal, es la documentación cultural del tiempo en que se produce». – Hans Hofmann
Hans Hofmann fue un auténtico modernista temprano. Posteriormente, como artista maduro en pleno dominio de sus capacidades, sus logros fueron estimulados —incluso hechos posibles— por el estimulante medio neoyorquino que dio lugar al expresionismo abstracto. Así que quizá no sea sorprendente que, a diferencia de la mayoría de los expresionistas abstractos que persiguieron una única apariencia iconográfica —los rectángulos de bordes suaves de Rothko, las pinceladas caligráficas ampliadas de Franz Kline, las formas oscuras e irregulares de Clyfford Still—, Hofmann buscaba constantemente efectos diferentes y contradictorios.
Sus pinturas eran enormemente variadas y trazaron un amplio recorrido hacia las avenidas más apasionantes disponibles para la abstracción contemporánea. Hofmann fue un valiente experimentador que se negó a establecerse en un único estilo durante mucho tiempo y expresó claramente esas intenciones. «Lo que más odiaría es repetirme una y otra vez, desarrollar un falso estilo… Quiero inventar, descubrir, imaginar, especular, improvisar, aprovechar lo azaroso para ser inspirado».
“El arte es la expresión del alma desbordante del artista.”
Hans Hofmann