Pintura de Dorothy Hood

Las distintivas pinturas de Dorothy Hood, cargadas de emoción, constituyen un hito en el arte de posguerra, un puente significativo entre el Surrealismo latinoamericano y europeo y la abstracción neoyorquina. Probablemente nunca puso un pie en el bar Cedar Tavern de Greenwich Village, donde evolucionó una querida mitología a partir de debates dominados por hombres bebedores empedernidos, y la noche en que Jackson Pollock, en un estupor ebrio, arrancó la puerta del baño de sus goznes y la arrojó al otro lado de la sala contra Franz Kline. En cambio, su camino fue propio, con la libertad de pensar, pintar y dibujar como le placía. Desde 1941 hasta 1962, Hood se movió dentro de otro epicentro: la rica confluencia cultural, política y artística de México de intensa actividad creativa. Entre sus amigos se encontraban las surrealistas Remedios Varo y Leonora Carrington, Rufino Tamayo y José Clemente Orozco, con quien desarrolló una profunda amistad.

Las pinturas de esta exposición provienen de una época en que Hood regresó a Texas y abordó grandes ideas: la inmensidad del universo, las complejidades de la psique con un anhelo de sustento espiritual. Elaboró una narrativa que se revela continuamente a través del dominio táctil de la pintura, aplicada con pincel o vertida, cuya amplitud es prácticamente inigualable en los anales del arte de posguerra del siglo XX. Su trabajo pictórico explora su comprensión espacial única y su brújula interna, transmitiendo inmensas extensiones energéticas puntuadas por vertiginosas rupturas de formas opacas nítidamente definidas junto a franjas de color exuberante y evocador. Estas son las obras definitorias de la obra de Hood que asegurarán su lugar dentro del panteón de los grandes artistas americanos de posguerra.