Hans Hofmann : Le père de l'expressionnisme abstrait
Landscape No. 108, 1941, oil on panel, 23 1/4 x 29 1/4 in.
Heather James est fière de présenter cette exposition de Hans Hofmann couvrant trois décennies d'œuvres, avec une grande sélection de peintures provenant d'un seul collectionneur privé.
Avec une collection comprenant autant de peintures de Hans Hofmann, les œuvres témoignent d'un collectionneur qui valorisait des pièces qui parlent à la fois au cœur et à l'esprit. Comme les gens, les collections ne sont souvent jamais complètes, un processus continuel de construction et parfois de lâcher-prise. Les collectionneurs sont des gardiens temporaires d'un patrimoine culturel, et l'étendue et la qualité de cette collection, avec son accent sur les années 1940, témoignent de l'amour soutenu de ce collectionneur pour Hofmann. En les réunissant, elles représentent, à leur manière, un essai visuel sur Hofmann, nous donnant un nouvel aperçu de ce géant du XXe siècle.
En traversant trois décennies de peintures, des années 1940 aux années 1950, l'exposition plonge dans chaque période, nous guidant à travers les profondes révolutions initiées par Hofmann, non seulement au sein de son propre œuvre, mais dans l'histoire de l'art en général.
Qui est Hans Hofmann ?
Bill Witt, “Hans Hofmann”, 1948, National Portrait Gallery, Smithsonian Institution, Washington, D.C. © Bill Witt
« Les peintres doivent parler à travers la peinture, pas à travers les mots. » – Hans Hofmann
Né en 1880, une génération avant les plus anciens expressionnistes abstraits tels que de Kooning ou Rothko, Hofmann a passé la décennie cruciale entre 1904 et 1914 à Paris, connaissait Picasso et Matisse, et était sur place lorsque la grande rétrospective Cézanne a ouvert en 1906. Il n'est donc pas surprenant qu'après son arrivée à New York en 1932, Hofmann ait suivi un parcours quelque peu sinueux à travers une gamme de styles. Pourtant, il est toujours resté fidèle aux idées fondamentales sur la peinture.
Des décennies avant de peindre des rectangles vibrants de couleur pure et flottante, communément appelés « slabs », Hofmann brossait, tachait et dégoulinait de la peinture d'une main plus libre, basée sur le hasard. La question de savoir si lui ou Pollock a été le pionnier de la technique de la peinture « au goutte-à-goutte » reste controversée. Moins de controverse entoure l'impact de son enseignement sur Joan Mitchell et plusieurs des jeunes peintres qui se sont tournés vers une forme plus lyrique d'expressionnisme abstrait, plus étroitement alignée avec la nature.
Années 1940
Bill Witt, “Hans Hofmann at Gallery 200”, 1949, Archives of American Art, Smithsonian Institution, Washington, D.C.
« L'art conduit à une conception plus profonde de la vie, car l'art lui-même est une expression profonde du sentiment. » – Hans Hofmann
Toute analyse de l'œuvre de Hans Hofmann demeure incomplète sans la prise en compte de ses petits paysages, qui l'ont occupé entre 1940 et 1944. Ces travaux capturent un moment charnière de son évolution artistique, marquant la transition entre les natures mortes figuratives, portraits et intérieurs inspirés de Matisse vers l'abstraction pure qui allait définir sa carrière. Enracinées dans le fauvisme et résonnant avec les premières œuvres de Kandinsky, ces créations demeurent un témoignage robuste du langage visuel en évolution de Hofmann durant cette période de transformation.
Toutefois, dans la seconde moitié de la décennie, un changement manifeste s'opère dans la pratique de Hofmann. Ce changement ne doit pas être sous-estimé car, en 1947, Hofmann peignait encore à l'âge de 65 ans, et plutôt que de s'enfermer dans une approche unique de la toile, Hofmann s'est poussé à découvrir de nouvelles possibilités picturales. Durant cette période, le recours à la linéarité chez Hofmann marqua une rupture avec le dynamisme plus fluide et pictural de ses œuvres antérieures. De 1944 à 1951, cette impulsion linéaire a imprégné sa pratique, signalant une exploration prolongée de modes d'expression dans lesquels il s'efforçait de réconcilier abstraction et structure.
Hofmann a su synthétiser les percées antérieures du modernisme européen telles que le surréalisme et le cubisme avec la liberté gestuelle de l'expressionnisme abstrait américain. Les explorations délibérées de Hofmann durant la fin des années 1940 soulignent sa capacité unique à créer des œuvres qui résistent à toute catégorisation facile, se distinguant comme des explorations profondément personnelles de la forme et de la couleur.
Années 1950
Kay Bell Reynal, “Hans Hofmann at work in his studio”, 1952, Archives of American Art, Smithsonian Institution, Washington, D.C.
« Percevoir l'invisible et être capable de le créer – voilà l'art. » – Hans Hofmann
Les années 1950 ont vu Hofmann entrer dans sa septième décennie, toujours aussi curieux et novateur. À 72 ans, Hans Hofmann travaillait ses toiles de manière délibérée et réfléchie pour obtenir un impact par la retenue. L'œuvre de Hofmann n'est jamais fortement associée au surréalisme et pourtant, durant cette décennie, il sembla se référer à ce mouvement d'avant-garde antérieur, le synthétisant avec l'expressionnisme abstrait, et soulignant l'adaptabilité de sa célèbre théorie du « push-pull », où les forces expansives et contractantes de la couleur et de la forme créent une tension de surface, de la profondeur et du mouvement.
C'est également durant cette décennie que Hofmann commença à explorer et à incorporer des passages de couleur, leur permettant de flotter dans l'espace où ils produisent une sensation de tension contre des coups de pinceau flottants, s'harmonisant ensemble par l'exubérance.
Années 1960
“Hans Hofmann, Toshimitsu Imai, and others at the Venice Biennale”, 1960, photographic print, Archives of American Art, Smithsonian Institution
« Je ne comprends pas comment quiconque peut peindre sans optimisme. Malgré l'attitude générale pessimiste dans le monde aujourd'hui, je ne suis rien d'autre qu'un optimiste. » – Hans Hofmann
En 1960, Hofmann fut sélectionné comme l'un des quatre artistes représentant les États-Unis à la Biennale de Venise. Le monde est obsédé par la jeunesse et les jeunes prodiges. De ce point de vue, Hans Hofmann fut un artiste tardif. Cependant, considérons les expressionnistes abstraits que Hofmann a guidés – nombre d'entre eux n'ont atteint leur apogée qu'à la quarantaine. Ou David Park qui n'a été pionnier du mouvement figuratif de la baie de San Francisco qu'à la quarantaine. Ou plus récemment, Etel Adnan, qui n'a obtenu la reconnaissance pour ses peintures que dans les dernières décennies de sa longue vie. L'âge apporte avec lui l'expérience et la perspective.
Maintenant sa doctrine du push-pull des oppositions appliquées sur la toile, cette décennie continua de voir Hofmann repousser les possibilités de la peinture. Certaines œuvres montrent les coups de pinceau gracieux et vivants de couleurs uniques voltigeant sur la toile. Certaines œuvres montrent des touches de peinture flottant au-dessus d'une mer agitée de couleur. Certaines peintures semblent soigneusement planifiées tandis que d'autres paraissent être le résultat d'un hasard frénétique. Mais rien ne semble superflu ou gaspillé. Tout compte sur la toile.
Les années 1960 ont vu Hofmann atteindre des niveaux supérieurs de renommée et de respect, même alors qu'il approchait des dernières années de sa vie. Peut-être est-ce la vitalité et le dynamisme à travers la couleur et le coup de pinceau qui ont accru la réputation de Hofmann. Peut-être était-ce la reconnaissance croissante de son influence sur une génération de peintres incluant Lee Krasner, Joan Mitchell et Wolf Kahn. Peut-être sont-ce les idiosyncrasies d'un artiste qui ne s'est jamais installé dans la répétition mécanique, ses peintures agissant comme une recherche visuelle, débordant d'optimisme et de joie.
Les artistes sur Hofmann
Burt Glinn, “Hans Hoffman and Helen Frankenthaler exchange greetings at an opening for one of Frankenthaler’s shows. New York City”,1957 © Burt Glinn | Magnum Photos
« En tant qu'homme et en tant qu'artiste, positif, énergique et élégant. Un champion. » – Helen Frankenthaler en 2003
« L'abstraction de Hofmann est durement acquise : elle provient de la représentation du monde qui l'entoure… Ai-je exagéré mon éloge ? Je ne le pense pas : pour moi, cet artiste encore sous-estimé se distingue comme l'un des grands peintres du siècle. » – Anthony Caro en 1990
« Hans Hofmann peint comme s'il pouvait regarder dans ces particules infinitésimales de violence qui pourraient fendre la terre comme une orange. Il nous montre la vitalité de la matière, sa création et sa destruction, ses anges de ténèbres et de lumière. » – Tennessee Williams en 1949
« Je n'ai vraiment pas reçu le premier impact, l'impact complet de celui-ci [le cubisme], avant de travailler avec Hofmann. » – Lee Krasner en 1938
L'esprit humain
“Vaclav Vytlacil and classmates being instructed by Hans Hofmann”, 1926 Archives of American Art, Smithsonian Institution, Washington, D.C.
« L'art est pour moi la glorification de l'esprit humain, et en tant que tel, il est la documentation culturelle de l'époque dans laquelle il est produit. » – Hans Hofmann
Hans Hofmann était un authentique moderniste précoce. Plus tard, en tant qu'artiste mature en pleine possession de ses capacités, ses réalisations furent stimulées – rendues possibles même – par le milieu exaltant de New York qui donna naissance à l'expressionnisme abstrait. Il n'est donc peut-être pas surprenant que contrairement à la plupart des expressionnistes abstraits qui poursuivaient un seul aspect iconographique – les rectangles aux contours adoucis de Rothko, les traits calligraphiques agrandis de Franz Kline, les formes sombres et déchiquetées de Clyfford Still – Hofmann recherchait constamment des effets différents et contradictoires.
Ses peintures étaient extrêmement variées, et elles traçaient un large sillon vers les voies les plus passionnantes offertes à l'abstraction contemporaine. Hofmann était un expérimentateur courageux qui avait refusé de s'installer longtemps dans un style unique et énonçait ces intentions clairement. « Ce que je détesterais le plus serait de me répéter sans cesse – de développer un style factice… Je veux inventer, découvrir, imaginer, spéculer, improviser – saisir le hasardeux afin d'être inspiré. »
“L'art est l'expression de l'âme débordante de l'artiste.”
Hans Hofmann