La peinture de Dorothy Hood

Les peintures singulières et chargées d'émotion de Dorothy Hood constituent un jalon dans l'art d'après-guerre, un pont significatif entre le surréalisme latino-américain et européen et l'abstraction new-yorkaise. Elle n'a probablement jamais mis les pieds au Cedar Tavern, bar miteux de Greenwich Village où une mythologie chérie est née des débats virils, alcoolisés et dominés par les hommes, ni de cette nuit où Jackson Pollock, dans un état d'ivresse avancé, arracha la porte des toilettes de ses gonds et la projeta à travers la pièce en direction de Franz Kline. Son parcours fut plutôt le sien propre, avec la liberté de penser, de peindre et de dessiner à sa guise. De 1941 jusqu'en 1962, Hood évolua au sein d'un autre épicentre : la riche confluence culturelle, politique et artistique du Mexique, marquée par une intense activité créative. Parmi ses amis figuraient les surréalistes Remedios Varo et Leonora Carrington, Rufino Tamayo, ainsi que José Clemente Orozco, avec lequel elle développa une profonde amitié.

Les peintures de cette exposition proviennent d'une période où Hood revint au Texas et s'attaqua à de grandes idées : l'immensité de l'univers, les complexités de la psyché animée d'une quête de nourriture spirituelle. Elle élabora un récit qui se révèle continuellement à travers une maîtrise tactile de la peinture, appliquée au pinceau ou versée, dont l'étendue est pratiquement inégalée dans les annales de l'art d'après-guerre du vingtième siècle. Son travail pictural explore sa compréhension spatiale unique et sa boussole intérieure, transmettant d'immenses étendues énergétiques ponctuées de ruptures vertigineuses de formes opaques nettement définies aux côtés de vastes étendues de couleurs luxuriantes et évocatrices. Ce sont là les œuvres déterminantes de l'œuvre de Hood qui assureront sa place au sein du panthéon des grands artistes américains de l'après-guerre.