Maestri Figurativi delle Americhe
Ann Norton Sculpture Garden, West Palm Beach, Florida
Pensate all'arte d'avanguardia degli ultimi 100 anni e cosa immaginate? Pensate all'arte concettuale come quella di Anish Kapoor? O pensate alla pura astrazione come quella di Hans Hofmann? Gran parte dell'arte d'avanguardia del XX e XXI secolo è stata associata all'arte non rappresentativa, ma le tendenze all'interno della storia dell'arte hanno oscillato tra astrazione e figurazione mentre gli artisti spingevano i confini di ciò che l'arte poteva essere e ponevano domande culturali e sociali più profonde. Alcuni degli artisti più importanti come Andy Warhol e Willem de Kooning sono celebri per il loro contributo alla storia dell'arte e alla cultura attraverso le loro opere figurative.
In una collaborazione tra l'Ann Norton Sculpture Garden e Heather James Fine Art, Figurative Masters of the Americas riesamina l'importanza della figurazione nella storia dell'arte, concentrandosi sugli artisti delle Americhe. Suddivisa in quattro sezioni, ogni sala approfondisce diversi aspetti storici e geografici della figurazione: America Latina, inizio del XX secolo, metà del XX secolo e Pop Art.
Heather James presents Figurative Masters of the Americas at the Ann Norton Sculpture Garden, West Palm Beach, Florida
Arte latinoamericana
Installation view, pictured left to right, works by: Roberto Matta, Carlos Luna, Andy Warhol, Carlos Luna, Alexander Calder
La prima galleria presenta alcuni dei nomi più importanti dell'arte latinoamericana, tra cui Diego Rivera, Rufino Tamayo e Wifredo Lam. Questi artisti, come molti in America Latina, andarono oltre la rappresentazione per creare un'arte che parlasse della loro identità culturale e politica. Come osserva Rivera, "Il segreto del mio lavoro migliore è che è messicano." Rivera, Tamayo e Lam sintetizzarono il modernismo emergente tra l'inizio e la metà del XX secolo con la cultura e lo stile artistico precolombiani. Rivera e Tamayo si rivolsero all'arte popolare messicana mentre Lam incorporò il misticismo afro-cubano.
Altri artisti presenti in questa sezione includono Roberto Matta, Francisco Toldeo, Felipe Castañeda, Carlos Luna e Mario Carreño. È importante notare che mentre tutti questi artisti spingevano i confini dell'arte rappresentativa, contemporaneamente operavano gli artisti Neo-Concreti come Hélio Oiticica che, come le loro controparti figurative, esprimevano posizioni politiche attraverso la loro arte ma mediante l'astrazione. Questa tensione tra figurazione e astrazione si vedrà in ogni galleria.
Inizio del XX secolo
Installation view, pictured left to right, works by: N.C. Wyeth, Morris Louis, Manuel Neri, Maurice Askenazy
All'inizio del Novecento, mentre gli Stati Uniti emergevano dalla Gilded Age, la nazione si confrontava con il tipo di paese che era e che sarebbe diventato. Nell'arte di N.C. Wyeth o Thomas Hart Benton si osserva la formazione di un'identità che gli Stati Uniti avrebbero fatto propria. Il paese è rurale o urbano? Come affrontare il rapporto con i nativi americani? Cosa significa essere americani?
In un artista come Maurice Askenazy si può vedere il ruolo dell'immigrazione negli Stati Uniti. Nato in Russia, l'artista contribuì a promuovere l'impressionismo americano e californiano, due movimenti fondamentali che collegarono l'arte della nazione dalla fine del XIX secolo al modernismo che sarebbe esploso nel XX secolo.
Anche gli artisti che sarebbero diventati noti per la loro pura astrazione iniziarono con la figurazione. Morris Louis si confrontò con la figurazione trovando ispirazione negli espressionisti tedeschi e nell'importante muralista messicano David Alfaro Siqueiros. L'arte non esiste mai nel vuoto e dipende dai dialoghi tra artisti e tra culture.
Metà del XX secolo
Installation view, pictured left to right, works by: Willem de Kooning, Roberto Matta, Carlos Luna, Andy Warhol
L'arte americana di metà secolo è spesso definita dall'espressionismo astratto, ma considerare il movimento AbEx come pura astrazione significa cancellare l'importanza della figurazione. Nella mostra è incluso un dipinto della celebre serie Women di Willem de Kooning. La figurazione ha sempre svolto un ruolo importante nel suo processo e con questa serie de Kooning riuscì a fondere i principi e le tecniche dell'espressionismo astratto con le qualità psicologiche ed estetiche della figurazione.
Anche per artisti quasi esclusivamente associati alla pura astrazione, come Alexander Calder, la figurazione non fu mai veramente abbandonata.
Tuttavia, mentre l'espressionismo astratto diventava la tendenza dominante, gli artisti cominciarono a mettere in discussione le sue premesse e si rivolsero alla figurazione per comprendere ed espandere le possibilità della pittura. Un importante centro fu il movimento Bay Area Figurative, che annoverava tra i suoi membri Paul Wonner e Manuel Neri. Persino la sua localizzazione a San Francisco e nell'area circostante della Baia sfidava il dominio di New York e dell'astrazione, senza contare che San Francisco aveva la propria scuola di astrazione.
Pop Art
Installation view, pictured left to right, works by: Keith Haring, George Segal, Tom Wesselmann, Mel Ramos, Joseph Stella
La mostra si conclude con la provocazione e la seduzione della Pop Art. Come l'Espressionismo Astratto e il movimento artistico figurativo della Bay Area, la Pop Art esplose all'indomani della Seconda Guerra Mondiale. In contrasto con l'angoscia dell'astrazione o il ritorno alla figurazione, la Pop Art celebrava, si appropriava e criticava il consumismo degli anni del Dopoguerra. Nonostante la luminosità e il fascino dell'arte, il movimento offriva una comprensione più profonda della psiche americana – tutto è superficie e sostanza.
Nascosta sotto il glamour dell'arte di Warhol, essa distillava la società americana nel suo consumo e nei suoi desideri e nell'interazione tra immagine e illusione.
Con George Segal emerge il trauma della Seconda Guerra Mondiale e dell'Olocausto. Le sue figure si ergono come monumenti alle persone ordinarie, evocando le emozioni della vita quotidiana. La guarigione da traumi indicibili inizia con il corpo umano. La sua opera avrebbe influenzato altri scultori e artisti dell'installazione.
Emersa nel decennio dell'avidità e dell'opulenza, l'arte di Keith Haring parla invece di accessibilità e accesso all'arte per tutti. La sua street art si ribellava allo status quo.
Altri artisti presenti in questa sezione includono James Rosenquist, Roy Lichtenstein, Tom Wesselmann e Mel Ramos.
“Si spera che la visione di Figurative Masters of the Americas non solo trasporti attraverso il tempo e lo spazio ma, più importante, permetta ai visitatori di riflettere sulla condizione umana.”
Chip Tom, Senior Curator e Direttore delle Relazioni Museali di Heather James