Maestros Figurativos de las Américas
Ann Norton Sculpture Garden, West Palm Beach, Florida
Piense en el arte de vanguardia de los últimos 100 años, ¿qué imagina? ¿Piensa en arte conceptual como el de Anish Kapoor? ¿O piensa en abstracción pura como la de Hans Hofmann? Gran parte del arte que impulsa límites de los siglos XX y XXI se ha asociado con el arte no representacional, pero las tendencias dentro de la historia del arte han oscilado entre la abstracción y la figuración a medida que los artistas impulsaban lo que el arte podía ser y planteaban preguntas culturales y sociales más profundas. Algunos de los artistas más importantes, como Andy Warhol y Willem de Kooning, son célebres por su contribución a la historia del arte y la cultura a través de sus obras figurativas.
En una colaboración entre el Ann Norton Sculpture Garden y Heather James Fine Art, Figurative Masters of the Americas reexamina la importancia de la figuración en la historia del arte, centrada en artistas de todo el continente americano. Dividida en cuatro secciones, cada sala profundiza en diferentes aspectos históricos y geográficos de la figuración: América Latina, principios del siglo XX, mediados del siglo XX y Pop Art.
Heather James presents Figurative Masters of the Americas at the Ann Norton Sculpture Garden, West Palm Beach, Florida
Arte latinoamericano
Installation view, pictured left to right, works by: Roberto Matta, Carlos Luna, Andy Warhol, Carlos Luna, Alexander Calder
La primera sala representa algunos de los nombres más importantes del arte latinoamericano, incluidos Diego Rivera, Rufino Tamayo y Wifredo Lam. Estos artistas, como muchos en América Latina, miraron más allá de la representación para crear arte que hablara de su identidad cultural y política. Como señala Rivera, «El secreto de mi mejor trabajo es que es mexicano». Rivera, Tamayo y Lam sintetizaron el modernismo emergente a principios y mediados del siglo XX con la cultura y el estilo artístico precolombinos. Rivera y Tamayo recurrieron al arte popular mexicano, mientras que Lam incorporó el misticismo afrocubano.
Otros artistas en esta sección incluyen a Roberto Matta, Francisco Toledo, Felipe Castañeda, Carlos Luna y Mario Carreño. Es importante señalar que, si bien todos estos artistas estaban ampliando los límites del arte representacional, concurrentemente se encontraban los artistas neoconcretos como Hélio Oiticica que, al igual que sus homólogos figurativos, expresaban puntos de vista políticos a través de su arte, pero mediante la abstracción. Esta tensión entre figuración y abstracción se verá a lo largo de cada sala.
Principios del siglo XX
Installation view, pictured left to right, works by: N.C. Wyeth, Morris Louis, Manuel Neri, Maurice Askenazy
A principios del siglo XX, cuando Estados Unidos emergía de su Edad Dorada, la nación lidiaba con qué tipo de país era y sería. En el arte de N.C. Wyeth o Thomas Hart Benton, vemos la formación de un tipo de identidad que Estados Unidos aceptaría. ¿Es el país rural o urbano? ¿Cómo abordamos nuestra relación con los nativos americanos? ¿Qué significa ser estadounidense?
Podemos ver en un artista como Maurice Askenazy el papel de la inmigración a Estados Unidos. Nacido en Rusia, el artista ayudó a promover el impresionismo estadounidense y californiano, dos movimientos clave que conectaron el arte de la nación desde finales del siglo XIX con el modernismo que explotaría en el siglo XX.
Incluso artistas que llegarían a ser conocidos por su pura abstracción comenzarían con la figuración. Morris Louis luchó con la figuración encontrando inspiración en los expresionistas alemanes y en el importante muralista mexicano David Alfaro Siqueiros. El arte nunca existe en el vacío y depende de conversaciones entre artistas y entre culturas.
Mediados del siglo XX
Installation view, pictured left to right, works by: Willem de Kooning, Roberto Matta, Carlos Luna, Andy Warhol
El arte estadounidense de mediados de siglo suele definirse por el expresionismo abstracto, pero pensar en el movimiento AbEx como abstracción pura es borrar la importancia de la figuración. La exposición incluye una pintura de la célebre serie Women de Willem de Kooning. La figuración siempre ha desempeñado un papel importante en su proceso y con esta serie, de Kooning logró fusionar los principios y técnicas del expresionismo abstracto con las cualidades psicológicas y estéticas de la figuración.
Incluso en artistas casi exclusivamente asociados con la abstracción pura, como Alexander Calder, la figuración nunca fue verdaderamente abandonada.
Sin embargo, a medida que el expresionismo abstracto se convirtió en la tendencia dominante, los artistas comenzaron a cuestionar su premisa y se volvieron hacia la figuración para comprender y expandir las posibilidades de la pintura y el acto de pintar. Un locus importante fue el movimiento artístico figurativo del Área de la Bahía, entre cuyos miembros se contaban Paul Wonner y Manuel Neri. Incluso por su ubicación en San Francisco y el Área de la Bahía circundante desafiaba el dominio de Nueva York y la abstracción, dejando de lado que San Francisco tenía su propia escuela única de abstracción.
Pop Art
Installation view, pictured left to right, works by: Keith Haring, George Segal, Tom Wesselmann, Mel Ramos, Joseph Stella
La exposición concluye con la provocación y la seducción del arte pop. Al igual que el expresionismo abstracto y el movimiento artístico figurativo del Área de la Bahía, el arte pop irrumpió tras la Segunda Guerra Mundial. En contraste con la angustia de la abstracción o el repliegue hacia la figuración, el arte pop celebró, apropió y criticó el consumismo de los años de posguerra. A pesar del brillo y el atractivo del arte, el movimiento ofreció una visión más profunda de la psique estadounidense: todo es superficie y sustancia.
Oculto bajo el glamur del arte de Warhol, se destila la sociedad estadounidense en su consumo y sus deseos, y la interacción entre imagen e ilusión.
En George Segal está presente el trauma de la Segunda Guerra Mundial y el Holocausto. Sus figuras se erigen como monumentos a las personas comunes, evocando las emociones de la vida cotidiana. La sanación de un trauma indescriptible comienza con el cuerpo humano. Su obra influiría en otros escultores y artistas de instalaciones.
Surgido en la década de la codicia y la opulencia, el arte de Keith Haring habla, en cambio, de la accesibilidad y el acceso al arte para todos. Su arte callejero se rebeló contra el statu quo.
Otros artistas presentes en esta sección incluyen a James Rosenquist, Roy Lichtenstein, Tom Wesselmann y Mel Ramos.
“Se espera que la contemplación de Maestros Figurativos de las Américas no solo transporte al espectador a través del tiempo y el espacio sino que, más importante aún, le permita reflexionar sobre la condición humana.”
Chip Tom, comisario principal y director de relaciones museísticas de Heather James